Le glossaire du scénario, en langage clair

Un balisage ouvert, en texte brut, pour les scénarios. Des conventions légères — intitulés de scène, noms de personnages, dialogues — gardent le fichier lisible dans n’importe quel éditeur de texte tout en portant la structure. Dans Plot, vous écrivez normalement ; Inkwell comprend la structure pendant la frappe.

La ligne qui ouvre une scène : intérieur ou extérieur, lieu et moment de la journée — par exemple INT. CUISINE - NUIT. Elle oriente le lecteur et sert d’ancrage aux dépouillements de production.

La prose descriptive d’un scénario — ce que le public voit et entend, écrit au présent. On parle aussi de description.

Le nom de la personne qui parle, au-dessus d’un bloc de dialogue, traditionnellement en majuscules — l’étiquette qui indique au lecteur qui a la parole.

Les répliques placées sous le nom d’un personnage. Dans Plot, le skill Réviser les dialogues propose des modifications, surtout sur les répliques, que vous acceptez ou refusez une à une.

Une courte note entre parenthèses dans un bloc de dialogue — la façon de dire une réplique ou une petite action pendant celle-ci, par exemple (en chuchotant). À utiliser avec parcimonie.

Une indication de montage entre deux scènes — CUT TO :, DISSOLVE TO :, SMASH CUT TO :. Les spec scripts actuels les utilisent rarement ; la plupart des coupes vont de soi.

Deux personnages qui parlent en même temps, mis en page en colonnes côte à côte pour que le chevauchement soit clair sur la page.

Une suite de beats ou de plans courts qui s’enchaînent rapidement — souvent sous un intitulé MONTAGE — pour condenser le temps ou entrelacer des actions parallèles.

Un teaser avant le générique — courant dans les pilotes et les épisodes de série — qui accroche le public avant que commence la structure en actes de l’épisode.

Une courte scène de clôture après le dernier acte d’un épisode — souvent une dernière blague en comédie, ou un moment calme ou une accroche en drame — intitulée TAG dans les scénarios de série découpés en actes.

Un son de la scène suivante — une réplique, un effet ou une musique — qui commence avant que l’image ne passe à cette scène, écrit juste au-dessus du nouvel intitulé de scène.

Un dialogue entendu sans être prononcé à voix haute dans l’espace de la scène à ce moment-là — une narration, une voix remémorée, les pensées d’un personnage, l’autre bout d’un appel. Signalée par (V.O.) à côté du nom du personnage.

Un personnage présent dans l’espace de la scène mais invisible dans le plan — il appelle depuis une autre pièce, parle juste hors du cadre. Signalé par (O.S.) à côté du nom.

Une convention de mise en page pour passer d’un lieu à l’autre, en va-et-vient, quand les actions se déroulent en même temps — classiquement les appels téléphoniques, les poursuites ou les climax parallèles.

CONT’D signale qu’un même personnage continue de parler après une interruption par de l’action ou un saut de page. MORE indique qu’une réplique se poursuit sur la page suivante.

Un numéro de scène identifie une scène dans un scénario de tournage. Une fois les numéros verrouillés, la scène 42 garde son numéro pour que les plannings, les sides et les notes de l’équipe concordent.

Une indication temporelle dans l’intitulé de scène qui signifie que l’action reprend immédiatement après la scène précédente, sans saut dans le temps. Souvent abrégée en CONT. dans les versions de production.

Une scène ou une séquence située plus tôt dans le temps de l’histoire. Les scénarios signalent le passage par FLASHBACK (ou une mention équivalente) et le retour par BACK TO SCENE ou par un intitulé clairement situé dans le présent.

Du texte ou des éléments graphiques posés sur l’image — titres, dates, lieux, légendes. Sur la page, on écrit couramment SUPER : ou SUPERIMPOSE : suivi du texte à afficher.

Un bref plan de coupe sur un détail que le public doit lire ou remarquer — une lettre, un écran de téléphone, une photo ou un objet — généralement écrit INSERT suivi de ce que l’on voit.

Sur la page, POV désigne généralement un plan vu à travers les yeux d’un personnage (ou d’un appareil qui en tient lieu). Dans le vocabulaire du métier, le point de vue désigne aussi l’expérience que la scène privilégie.

Les transitions classiques qui encadrent un récit : FADE IN : ouvre un scénario (ou une séquence) ; FADE OUT. ou FADE TO BLACK le referme. Elles marquent des frontières douces plutôt que des coupes franches.

Une transition où une image en remplace progressivement une autre. Sur la page, on écrit souvent DISSOLVE TO : pour suggérer le temps qui passe, un souvenir ou un lien thématique plutôt qu’une coupe franche.

La première apparition sur la page d’un personnage qui parle (ou d’un personnage important) : son nom en majuscules, plus un bref trait visuel ou comportemental qui le rend lisible avant qu’il ne parle.

Des indications de moment, dans l’intitulé de scène, qui signalent un saut dans le temps (LATER, MOMENTS LATER, THAT NIGHT — en français PLUS TARD, CETTE NUIT-LÀ) ou la simultanéité (SAME) sans inventer une heure précise.

Un enchaînement de scènes (ou de plans) qui poursuit un même mouvement dramatique — l’approche d’un casse, une nuit de retrouvailles, une poursuite — plus large qu’une scène et plus court qu’un acte.

Un texte qui défile sur l’image (ou sur un champ d’étoiles) pour livrer un prologue — à la manière du célèbre texte d’ouverture de Star Wars. Sur la page : CRAWL ou TITLE CRAWL suivi du texte.

Un son qui provient du monde de l’histoire, si bien que les personnages peuvent l’entendre : un dialogue, un autoradio, un groupe dans la pièce. Le son extradiégétique est ajouté pour le seul public, comme la musique de fosse ou un narrateur qui s’adresse à nous.

Le format XML natif de Final Draft — toujours le fichier qu’attendent de nombreux coordinateurs, studios et outils de production. Inkwell importe et exporte le FDX pour qu’un brouillon Plot puisse entrer dans un workflow Final Draft et en sortir sans être ressaisi à la main.

Une version de tournage dont les numéros de page et de scène sont figés, pour que tous les départements partagent la même numérotation. Après le verrouillage, les changements deviennent des révisions signalées au lieu de remanier en silence tout le scénario.

La séquence de couleurs du secteur (blanc, bleu, rose, jaune, et ainsi de suite) qui marque chaque passe de révision d’un scénario de tournage verrouillé, pour que le plateau sache quelles pages sont à jour.

Des pages insérées dans un scénario verrouillé pour éviter de renuméroter tout ce qui suit — le texte situé entre 27 et 28 devient 27A, 27B, et ainsi de suite.

La première génération verrouillée d’un scénario de tournage — sur papier blanc (ou la référence numérique sans marque) avant que commencent les passes de révision en couleur.

Une mise en page professionnelle conforme aux conventions de la WGA et du secteur pour l’envoi des scénarios — marges familières, espacement des éléments, pagination et comportement en production — qui laisse les lecteurs se concentrer sur l’histoire.

La version de production : numéros de scène, verrouillages et marques de révision — le document à partir duquel les départements planifient et tournent, pas la version de vente épurée.

Un scénario écrit par anticipation — sans contrat — pour vendre l’histoire ou démontrer un savoir-faire. Les spec scripts omettent généralement la numérotation de production et les indications de caméra.

Le nombre de pages d’histoire qu’un lecteur voit dans le PDF mis en page d’un scénario. C’est une première estimation de la durée et de la discipline de l’auteur — un indicateur de rythme, pas un chronomètre ni une note de qualité.

Le premier épisode d’une série — le scénario qui fait la preuve des personnages, du ton et du moteur capable de tenir des saisons. Souvent la version qu’une salle d’écriture ou une chaîne juge le plus sévèrement.

La première page d’un scénario envoyé : titre, nom de l’auteur et coordonnées — pas l’histoire. Elle doit paraître sobre et professionnelle, pas ressembler à une affiche.

Le rapport d’un lecteur professionnel sur un scénario — logline, synopsis, commentaires et un verdict comme Refuser / Envisager / Recommander (Pass / Consider / Recommend). Le skill Fiche de lecture d’Inkwell produit une autoévaluation structurée selon ce format du métier.

Des extraits du scénario préparés pour une journée, une audition ou une séance de travail précise — généralement seulement les scènes et les répliques dont les comédiens ou l’équipe ont besoin, pas le scénario complet.

OMITTED signale une scène retirée d’un scénario de tournage verrouillé. Son numéro reste en place pour que les scènes suivantes gardent les numéros utilisés par les plannings et les sides.

Le travail de production qui consiste à repérer, dans un scénario verrouillé (ou presque), les comédiens, les décors, les accessoires, les véhicules, les effets spéciaux et les autres éléments, afin d’établir le planning et le budget.

Le planning de tournage présenté en bandes — une par scène, avec son numéro, son décor, jour ou nuit, sa longueur en huitièmes et ses comédiens — classées par jour de tournage plutôt que dans l’ordre de l’histoire.

Un rapport de production qui indique, pour chaque comédien, ses jours de tournage de début, de travail, d’attente et de fin — pour que la production voie combien de jours chaque acteur est réservé et payé.

Le plan d’une journée de tournage : horaires de convocation, lieu, scènes et pages tournées, comédiens et techniciens convoqués et à quelle heure, et des notes sur la météo, le stationnement ou la sécurité.

L’exemplaire du scénario de tournage tenu par la scripte, marqué de traits verticaux qui montrent quels plans ont couvert quelles répliques de chaque scène — la carte de ce qui a été tourné, pour le monteur.

Un contrat qui donne à un producteur ou à une société le droit exclusif de développer et de proposer un scénario (ou une propriété intellectuelle) pendant une période donnée, généralement contre rémunération, sans en acheter encore tous les droits.

La décision formelle qui permet à un projet de passer du développement au financement et à la planification de la production. Un feu vert est un progrès — pas la garantie que rien ne peut encore s’effondrer.

La phase entre une idée ou un brouillon prometteur et un scénario prêt pour la production — notes, réécritures, talents attachés au projet et montage du projet. Être « en développement », ce n’est pas encore être produit.

Un scénariste appelé pour corriger des problèmes précis d’un scénario existant — structure, dialogues, ton — souvent dans l’urgence, et parfois sans crédit au générique.

Les paiements dus, en vertu de la convention collective de la WGA, à un scénariste crédité quand une œuvre couverte est réutilisée après sa première exploitation — rediffusions, cessions à un autre marché, vidéo domestique et streaming. Ils sont distincts de la somme versée pour écrire le scénario.

Le syndicat qui représente les auteurs de cinéma, de télévision, de radio et des nouveaux médias aux États-Unis — deux organisations affiliées, la Writers Guild of America West et la Writers Guild of America East, réparties selon la géographie.

Un service payant du WGAW Registry qui crée une trace datée d’une œuvre déposée. Il peut prouver qu’un brouillon existait à une date donnée, mais ce n’est pas un enregistrement fédéral du copyright et il n’empêche pas la copie.

L’enregistrement d’un scénario auprès du U.S. Copyright Office en tant qu’œuvre des arts du spectacle. Il est distinct de l’enregistrement WGA et crée une inscription au registre fédéral.

L’actuel Minimum Basic Agreement entre la WGA et l’Alliance of Motion Picture and Television Producers, en vigueur depuis le 2 mai 2026, qui fixe des minimums et des protections de travail pour l’écriture couverte.

Une société qui a accepté d’être liée par la convention collective de la WGA pour l’emploi d’auteurs couvert, y compris les minimums, crédits, droits résiduels et cotisations de retraite et de santé applicables.

Une catégorie définie d’œuvres créées par les auteurs, au sens du MBA de la WGA, qui peut comprendre scénarios de cinéma et de télévision, histoires, traitements et autres écrits couverts. C’est un terme contractuel, pas un simple synonyme de prose.

Un travail d’écriture demandé sans étape rémunérée convenue. Un producer pass désigne couramment une réécriture supplémentaire demandée avant que le texte soit transmis plus loin, ce qui pousse à travailler au-delà du contrat rémunéré.

Une deuxième étape d’écriture rémunérée, garantie dans les contrats de cinéma éligibles couverts par la WGA. Avec le MBA de 2026, la protection s’étend aux scénaristes engagés pour une première version de scénario jusqu’à 225 % du minimum applicable.

Du texte ou d’autres contenus produits par un système d’IA générative. Selon les règles actuelles du MBA de la WGA, la GAI n’est pas un auteur et ce qu’elle écrit n’est pas du matériau littéraire ; des conditions distinctes s’appliquent au matériau commandé, au matériau source et aux droits séparés.

Les droits sur une œuvre originale que la convention de base de la WGA sépare du copyright acquis par une société et confère à l’auteur — pour un long métrage, les droits de publication et d’adaptation théâtrale ; pour la télévision, un ensemble plus large de droits réservés.

Un plan court des moments clés d’une histoire — les beats — utilisé pour planifier la structure avant ou pendant l’écriture, sans encore écrire chaque scène.

Une vue en fiches d’une histoire, un beat ou une scène par fiche, disposées pour que la forme de l’ensemble se voie d’un coup d’œil et que l’on puisse déplacer les fiches pour tester un autre ordre.

Un résumé de l’histoire en prose, au présent — généralement de quelques pages à une dizaine — utilisé pour pitcher et développer le projet avant qu’un scénario complet existe.

Une ou deux phrases qui saisissent le protagoniste, le conflit et l’enjeu — le pitch honnête le plus court de l’histoire.

Un récit compact en prose de toute l’histoire — fin comprise — utilisé dans les fiches de lecture, les candidatures et les dossiers de pitch.

Un document de pitch d’une seule page : logline, bref aperçu et pourquoi le projet compte maintenant — utilisé pour ouvrir des portes avant que quiconque lise quatre-vingt-dix pages.

Le tournant qui clôt un acte — un cliffhanger ou un retournement en série, un changement structurel majeur au cinéma — et qui réoriente la pression de l’histoire.

L’événement qui brise le monde ordinaire du protagoniste et force l’histoire principale à démarrer — tôt, concret et difficile à ignorer.

Un tournant majeur vers le milieu de l’histoire qui relève les enjeux, inverse le rapport de force ou révèle une vérité — pour que la seconde moitié ne répète pas la première.

Une ligne d’intrigue secondaire qui court à côté de l’intrigue A — souvent une relation, le thème ou un fil de personnage contrasté qui met la quête principale sous pression.

La façon dont un personnage change — ou refuse de changer, de manière significative — au fil de l’histoire, mesurée à ses choix sous une pression croissante.

Une réécriture de fin de parcours centrée sur la qualité des répliques, la clarté et le rythme — pas une refonte de l’histoire depuis la première page.

Une réécriture de fond en comble qui reconstruit le scénario à partir d’un nouveau plan structurel, tout en gardant ce qui sert encore l’histoire — pas une correction ligne à ligne.

Des comédiens qui lisent le scénario à voix haute autour d’une table — sans caméra, presque sans mise en place — pour entendre le rythme, les blagues et les passages confus avant de verrouiller une version.

L’équipe qui construit l’histoire, écrit les épisodes et les révise ensemble. Une salle d’écriture a besoin de brouillons partagés, d’un historique clair et d’un moyen d’essayer des prises parallèles sans perdre la trace de qui a fait quoi.

La référence vivante d’une série — personnages, règles de l’univers, ton, arcs et continuité — que la salle d’écriture consulte en écrivant les épisodes.

Une unité de changement dans une scène ou une histoire — un changement de tactique, d’information ou d’émotion. Sur la page, BEAT peut aussi marquer une courte pause avant la réplique ou l’action suivante.

Les informations dont le public a besoin — qui sont les personnages, ce qui s’est passé avant, comment fonctionne l’univers. Les bons brouillons les dramatisent ; les brouillons faibles les déversent dans des tirades ou des cartons.

Une règle du métier : faire passer le sens par l’action, l’image et le comportement plutôt que de nommer les émotions ou les thèmes dans le dialogue ou la description. Dire a sa place — simplement pas comme un raccourci qui contourne le drame.

La façon dont un scénario répartit sa longueur, plutôt que la quantité de pages : longueur des scènes, fréquence à laquelle elles basculent, équilibre entre action et dialogue, et moment où de nouvelles voix apparaissent. Deux brouillons de même longueur peuvent avoir un rythme complètement différent.

Une forme d’histoire courante : mise en place (premier acte), confrontation (deuxième acte) et résolution (troisième acte), avec des tournants majeurs aux fins d’acte qui réorientent l’objectif du protagoniste et ce qu’il lui coûte.

L’auteur-producteur qui dirige une série sur le plan créatif et opérationnel — il a le dernier mot sur l’histoire, les scénarios et souvent le ton, de la salle d’écriture à la production et à la postproduction.

Un élément posé tôt dans l’histoire (la préparation) qui revient plus tard avec un sens ou une conséquence nouvelle (le paiement). Le public se sent malin — et le retournement paraît mérité — quand les deux moitiés se rejoignent.

Des retours sur un brouillon — d’une salle d’écriture, d’un producteur, d’un manager ou de pairs — destinés à améliorer l’histoire, la clarté ou l’adéquation au marché. Savoir donner et recevoir des notes est une compétence clé du développement.

La présentation concise d’un projet pour le vendre — à l’oral ou à l’écrit — qui nomme l’accroche, les personnages, le conflit et pourquoi cette histoire maintenant, sans obliger l’interlocuteur à lire d’abord tout le scénario.

Un couple du métier : le désir est l’objectif concret que poursuit un personnage ; le besoin, le changement intérieur ou la vérité qu’il doit affronter. Le drame naît souvent de l’écart entre les deux.

Ce qu’un moment signifie sous les mots prononcés — la vraie négociation qui se joue pendant que les personnages parlent du dîner, de l’affaire ou de la météo.

Une séquence spectaculaire conçue comme telle — poursuite, étape d’un casse, numéro musical, siège horrifique — qui offre le plaisir du genre tout en faisant (idéalement) avancer l’histoire, plutôt que de la mettre en pause.

Le sommet dramatique où le conflit central atteint son paroxysme — le protagoniste affronte le problème au cœur de l’histoire sous une pression maximale, et l’issue devient inévitable.

Le personnage dont la quête organise l’histoire — celui dont nous suivons de plus près le désir, les décisions et ce qu’elles lui coûtent, même s’il n’a rien d’« héroïque » au sens moral.

La façon dont un personnage devient précis sur la page — les traits, les tactiques et les contradictions qui se lisent dans ses choix, pas un CV d’adjectifs garés dans un paragraphe d’action.

Une image, un objet, une réplique ou une situation récurrents qui se chargent de sens à chaque retour — une texture qui devient un propos, pas un papier peint que vous avez oublié de varier.

La force qui s’oppose à la quête du protagoniste — une personne, une institution, un environnement ou un schéma intérieur qui exerce une pression intelligente et impose des choix plus difficiles.

Un épisode de série délibérément limité en décors et en comédiens — souvent pour économiser du budget — qui transforme la contrainte en pression : une pièce, une nuit, aucune échappatoire au conflit.

Un plan scène par scène (ou beat par beat) qui liste ce qui se passe, dans l’ordre — plus détaillé qu’un beat sheet, plus sobre que le récit en prose d’un traitement.

Le contrat d’attentes qui entoure les plaisirs et les règles d’une histoire — thriller, comédie romantique, horreur, procédural — et qui façonne le ton, le rythme et ce qu’une surprise « loyale » signifie pour le public.

Un objet ou un but que les personnages poursuivent avec urgence — des plans secrets, une pierre précieuse, une mallette — dont la nature précise compte moins que le désir, le conflit et la poursuite qu’il organise.

Le principe selon lequel un détail que l’histoire met en avant doit servir : si un fusil chargé est accroché au mur au premier acte, il doit tirer avant la fin. Nommé d’après Anton Tchekhov, qui a donné ce conseil dans des lettres à d’autres auteurs.

Un indice ou un détail placé pour mener le public vers une mauvaise conclusion, afin que la vraie réponse surprenne tout en restant loyale. Dans un débat, c’est une diversion ; dans une énigme, c’est un leurre délibéré.

Un indice placé tôt dans une histoire sur ce qui arrivera plus tard : une image, une réplique, une règle ou une atmosphère qui prépare le public, pour que l’événement paraisse inévitable quand il survient, et non commode.

Quand le public sait quelque chose qu’un personnage ignore. Chaque réplique du personnage prend un double sens, et la tension vient de l’attente du moment où il l’apprendra.

Une vérification en trois questions pour un film ou un scénario : y a-t-il au moins deux femmes, se parlent-elles, et parlent-elles d’autre chose que d’un homme ? Il mesure si ces conversations existent, pas la façon dont une histoire traite les femmes.

Un système qui enregistre des versions distinctes d’un document, que vous pouvez comparer et retrouver — dans Inkwell, grâce aux points de sauvegarde, aux lignes de brouillon et à des modifications structurelles lisibles.

Un modèle de document construit à partir de blocs typés — paragraphes, titres, listes, contenus intégrés — plutôt que d’une seule page indifférenciée. Canvas utilise des blocs pour que les plans, l’historique et les skills puissent cibler de vraies sections.

L’export et l’import entre les documents Canvas et Markdown, pour que les titres, les listes et les blocs de code survivent sans que votre structure soit aplatie en simple collage.

Une vue navigable des titres et des sections d’un long document Canvas — le cousin, côté textes longs, de la liste des scènes d’un scénario.

Un bloc Canvas qui intègre une scène de scénario Plot dans un document plus large — pour que la recherche ou les notes renvoient à de vraies pages du scénario.