Mise en scène

En pratique

La mise en scène, au sens où la critique de cinéma l’emploie, désigne tout ce qui est placé devant la caméra et organisé pour elle : le décor et ses accessoires, les costumes et le maquillage, la lumière, la place des acteurs et leurs mouvements. Le terme vient du théâtre, où le metteur en scène décidait de l’allure et du mouvement d’une pièce, et la critique l’a emprunté pour les mêmes choix appliqués à un plan.

En français, le mot a deux sens qu’il faut distinguer. Dans la langue courante, la mise en scène est le travail du réalisateur dans son ensemble, et l’on dit d’un film qu’il est « mis en scène par » quelqu’un. Dans l’analyse de film, et dans le mot anglais mise-en-scène emprunté au français, c’est plus précisément le contenu du cadre et son organisation. Cette page traite surtout du second sens, celui des manuels d’analyse.

Ces choix ont un sens en eux-mêmes. Une cuisine étroite éclairée par une seule ampoule nue dit quelque chose d’une famille avant que quiconque parle. Un personnage cadré seul au bout d’une longue table vous dit qui commande dans la pièce. Pour un scénariste, la mise en scène relève surtout du réalisateur et des décorateurs, mais le scénario la commence : les en-têtes choisissent le lieu, les didascalies choisissent les quelques détails qui comptent, et un objet bien choisi peut faire le travail d’une réplique.

Une scène qui pose sa mise en scène en trois lignes

Le scénario ne nomme que ce dont la scène a besoin : la lumière unique, les chaises empilées, le manteau qu’elle garde, la distance qu’elle choisit à table. Un réalisateur ajoutera bien davantage, mais ces détails disent déjà au public que la famille s’est réduite et que Grace n’a pas l’intention de rester. C’est là que la mise en scène commence, sur la page.

Ce que veut dire mise en scène

Dans le théâtre français du XIXe siècle, le metteur en scène montait la pièce, et la mise en scène en était le résultat : le décor, l’éclairage et le jeu des comédiens. Le cinéma a hérité du mot, et en français un réalisateur est encore souvent appelé metteur en scène. Dans les années 1950, les critiques des Cahiers du cinéma, comme François Truffaut, Jean-Luc Godard ou Éric Rohmer, ont fait de la mise en scène le critère qui distingue un auteur, et l’anglais a adopté le terme tel quel, avec des traits d’union : mise-en-scène.

Dans les études de cinéma, le terme couvre ce qui apparaît dans le cadre et la façon dont c’est organisé. La plupart des manuels, à la suite de L’Art du film de David Bordwell et Kristin Thompson, le divisent en quatre parties : le décor, les costumes et le maquillage, l’éclairage, et le jeu et le placement des acteurs. Certains critiques y ajoutent le cadrage et les mouvements de caméra ; d’autres les rangent du côté de la photographie. Précisez le sens que vous employez quand cela compte.

Les éléments de la mise en scène

Le décor est le lieu et tout ce qu’il contient. Il peut être construit en studio ou trouvé en extérieur, réaliste ou stylisé. Un objet qui compte pour l’histoire, comme la boule à neige de Citizen Kane, fait partie du décor que la caméra met en valeur.

Les costumes et le maquillage montrent qui est un personnage et comment il change. Dans Le Parrain, Michael Corleone passe de l’uniforme militaire aux costumes sombres des affaires familiales. La couleur, la coupe et l’usure comptent : un costume trop propre pour le monde du personnage est aussi un choix.

L’éclairage décide de ce que l’on voit et de ce que l’on ressent. Un éclairage en tonalité haute est clair et uniforme ; un éclairage en tonalité basse laisse des ombres profondes, comme dans le film noir. La direction et la couleur de la lumière peuvent isoler un visage, cacher une menace ou réchauffer une pièce.

Le placement des acteurs, ce que l’anglais appelle staging ou blocking, est la place des personnages et leurs déplacements les uns par rapport aux autres et à la caméra. Mettre un acteur au premier plan et un autre loin derrière rend le premier dominant. Rapprocher ou éloigner deux personnages au fil d’une scène peut montrer qu’une relation change sans un mot de dialogue.

Exemples de mise en scène au cinéma

Les films de Wes Anderson servent souvent à enseigner la notion, parce que leur mise en scène est très visible : décors symétriques, palettes de couleurs maîtrisées, acteurs placés comme les figurines d’un diorama. Dans The Grand Budapest Hotel, chaque époque de l’histoire a même sa propre palette et son propre format d’image.

Citizen Kane, d’Orson Welles, joue sur la profondeur de champ, avec une action importante au premier plan et à l’arrière-plan en même temps. Dans un plan célèbre, la mère de Kane signe l’avenir de son fils à une table au premier plan pendant que le père proteste, et l’enfant joue dans la neige, visible par la fenêtre derrière eux.

Les cinéastes réalistes emploient la mise en scène avec la même intention. Les films du néoréalisme italien, comme Le Voleur de bicyclette, ont été tournés dans de vraies rues avec des acteurs non professionnels, si bien que la ville bondée fait partie de l’histoire. Chez Jacques Tati, dans Playtime, des décors immenses et une profondeur constante laissent le spectateur chercher lui-même le gag dans le cadre. Décider qu’une scène ait l’air non mise en scène reste un choix sur ce qui entre dans le cadre.

Mise en scène, montage et photographie

La mise en scène est ce qui se passe à l’intérieur d’un seul plan. Le montage est le sens créé entre les plans, quand on les assemble. La théorie du cinéma les a longtemps opposés : des cinéastes soviétiques comme Sergueï Eisenstein faisaient du montage le cœur du cinéma, tandis que le critique André Bazin défendait les plans longs et la profondeur de champ qui laissent une scène se déployer dans un seul cadre.

La photographie est la manière de filmer la scène : l’objectif, l’exposition, le cadrage et les mouvements de caméra. Les frontières se chevauchent. L’éclairage est souvent étudié à la fois dans la mise en scène et dans la photographie, et une longue prise sans coupe avec des acteurs en mouvement est à la fois placement et travail de caméra. Ces termes sont des outils pour décrire un film, pas des murs entre les départements.

Écrire la mise en scène dans un scénario

Choisissez des détails, pas un inventaire. Le lecteur n’a pas besoin de chaque objet de la pièce, seulement des deux ou trois qui racontent l’histoire : les factures impayées sur le comptoir, la photo de mariage retournée. Si un détail ne révèle pas le personnage, ne crée pas une atmosphère et ne sert pas plus tard, supprimez-le.

Écrivez ce qui se voit, au présent, et laissez l’image porter le sens. « Le salon est impeccable. Le canapé est encore sous plastique » montre un personnage plus clairement que « Elle est obsessionnellement ordonnée ». Évitez les indications de caméra, sauf si le moment en dépend ; le réalisateur choisira les plans.

Placez les personnages dans les didascalies quand cela compte. Qui entre le premier, qui s’assoit et qui reste debout, qui traverse la pièce vers qui : ces petits mouvements sont la part du scénariste dans le placement des acteurs, et ils en disent souvent plus qu’une réplique. Lisez une scène en cachant le dialogue et voyez si l’image vous dit encore ce qui se passe.