Quatrième mur

En pratique

L’idée vient du théâtre : un décor fermé a trois murs, et le quatrième est la face ouverte devant laquelle le public est assis. Les personnages se comportent comme s’il était plein. Briser le quatrième mur, c’est reconnaître la présence du public, par un regard, un aparté ou une tirade entière.

Sur la page, décrivez le regard dans la didascalie, en écrivant CAMÉRA en capitales comme tout élément important : « Elle se retourne et regarde droit dans la CAMÉRA. » Pour un aparté parlé, placez l’incise (face caméra) sur sa propre ligne sous le nom du personnage, jamais sur la ligne du nom elle-même. Ne le marquez pas (V.O.) : le personnage parle dans la scène, simplement à nous.

L’adresse directe change la relation entre le public et le personnage. Ferris Bueller fait de nous ses complices ; Fleabag s’en sert pour montrer ce qu’elle cache à tous les autres, et la série en fait un ressort de l’intrigue quand quelqu’un le remarque. Décidez tôt à quoi sert le procédé, installez-le dans les premières pages et tenez-vous à ses règles : qui peut le faire, et quand.

Le briser sur la page

Le regard va dans la didascalie, avec CAMÉRA en capitales. L’aparté parlé est un dialogue ordinaire : le nom du personnage sur sa propre ligne, l’incise (face caméra) en dessous, puis la réplique. Derek ne réagit pas, ce qui indique au lecteur que seul le public l’entend.

D’où vient l’idée

Le philosophe français Denis Diderot a donné à l’idée sa forme classique en 1758, en conseillant aux auteurs dramatiques et aux comédiens d’imaginer un grand mur au bord de la scène et de jouer comme si le public n’existait pas. Ce mur est devenu le quatrième mur du théâtre réaliste qui a suivi.

Le théâtre le brisait bien avant qu’il ait un nom. Les personnages de Shakespeare se confient au public dans des apartés et des monologues, et Bertolt Brecht l’a plus tard brisé à dessein, pour que le public réfléchisse à ce qu’il regardait au lieu de s’y perdre. Le cinéma a hérité des deux habitudes : le regard comique vers l’objectif et le personnage qui nous raconte l’histoire directement.

Comment l’écrire dans un scénario

Un regard vers le public est une action, il va donc dans la didascalie : « Elle regarde droit dans la CAMÉRA. » Certains auteurs écrivent plutôt « vers nous », ce qui se lit plus naturellement dans un spec script ; les deux sont compris, tant que le scénario reste cohérent.

Un aparté parlé est un dialogue. Écrivez le nom du personnage, puis l’incise (face caméra) sur sa propre ligne, puis la réplique. Pour une longue adresse au public, utilisez l’incise une seule fois au début et laissez la didascalie montrer le moment où le personnage revient à la scène.

Indiquez clairement si les autres personnages s’en aperçoivent. En général, non, et le dire une fois dans la didascalie, ou simplement les faire continuer comme si de rien n’était, renseigne le lecteur. Si un personnage s’en aperçoit, c’est un événement de l’histoire, et le scénario doit le traiter comme tel.

Ce que produit le bris

Il fait du public un complice. La Folle Journée de Ferris Bueller laisse Ferris nous expliquer ses combines comme si nous étions dans le coup, et Annie Hall fait plaider sa cause à Alvy Singer devant le public. House of Cards rend la même intimité inquiétante : les apartés de Frank Underwood nous rendent complices de ce qu’il fait.

Il montre ce qu’un personnage cache. Dans Fleabag, les regards caméra sont l’endroit où l’héroïne garde ses vrais sentiments, et dans la deuxième saison, un personnage la surprend à le faire et lui demande où elle vient de partir. Le procédé devient l’intrigue.

Il explique ou fait rire. The Big Short s’interrompt pour faire expliquer des termes financiers face caméra par des célébrités, et Deadpool commente son propre genre. Funny Games de Michael Haneke va plus loin et fait s’adresser un tueur directement au public, ce qui nous implique dans le fait de regarder.

Fixer les règles

Installez-le tôt. Si le premier bris du quatrième mur arrive à la page 60, il se lit comme une erreur ou un gadget ; s’il arrive dans les premières scènes, le public l’accepte comme une partie du langage du film.

Décidez qui peut le faire et à quelle fréquence. La plupart des films le réservent à un seul personnage, qui devient le guide du public. Le procédé peut alors servir d’effet plus tard : le personnage qui cesse de nous parler, ou le moment où quelqu’un d’autre se tourne et regarde l’objectif, sera ressenti précisément parce que les règles étaient claires.

Questions fréquentes