脚本書式フィールドガイド

省略する前に位置関係を示す

一般的な選択

インターカットの指示が役に立つのは、画面に映る人物がそれぞれどこにいるのかを読み手が知ってからです。その準備のあとで、やり取りのたびに完全なシーン見出しを繰り返しても、情報は増えず読みにくくなるだけです。

片方にとどまる

状況次第

映るのが一人だけなら、シーン見出しは一つのままにします。電話の向こうの話し手は登場人物名の拡張で示し、必要なら「電話から」のような短い括弧書きで音の出どころを添えます。

シーン見出しでカットを続ける

一般的な選択

場所が変わる場合、両側で見せたい動きがある場合、各カットのリズムが重要な場合は、見出しを分けるのが分かりやすい選択です。

片側だけの電話

状況次第

相手の声をあえて聞かせない場合は、映っている人物の間や反応をト書きか短い括弧書きで書きます。沈黙を埋めるためだけにセリフを作らないでください。

応募稿・閲読用の原稿

提出用の原稿では、電話の様子が見えて聞こえる、いちばん簡潔な形を使ってかまいません。物語の展開を分かりやすくしないショットリストや編集の指示は避けましょう。

制作稿

制作チームが脚本をもとに動き始めたら、確立したシーンの扱いを保ち、番号付きのシーンへの変更は調整したうえで行います。インターカットを使っても、その前に示した場所がスケジュール上で持つ意味は消えません。

電話の相手に切り替わるたびに、新しいシーン見出しが必要？

いいえ。二つの場所をそれぞれのシーン見出しで一度示したら、INTERCUTの行を入れてセリフを交互に書きます。完全なシーン見出しに戻るのは、場所が変わるときか、どちらかの側で独立した映像の見せ場が必要なときだけです。

片方の声しか聞こえない電話はどう書く？

映っている人物のシーンにとどまり、その人物の間や反応をト書きか短い括弧書きで書きます。電話越しに相手の声が観客に聞こえる場合は、その登場人物名にV.O.を付けるか、(電話から)のような音の出どころの括弧書きを添えます。

インターカットが終わったことは、どうすれば読み手に伝わる？

電話が終わる様子をト書きで見せるか、一つのシーン見出しに戻ります。どちらでも、交互の流れが止まり、一つの場所で通常のシーンの流れに戻ったことが読み手に伝わります。

拡張は、音とシーンの関係を表す

広く求められる

O.S.は話し手をいまの物理的なシーンの中にとどめ、V.O.は声を画面上の目の前の出来事の外に置きます。この区別があれば、読み手、俳優、編集、制作チームが、何を収録しなければならないかを理解しやすくなります。

O.S.の代わりにO.C.

ソフトごとに異なる

テレビのテンプレートや地域ごとの慣行の中には、O.C.(off camera)を使うものもあります。納品用のテンプレートがあればそれに従い、理由なく原稿の途中で表記を変えないようにしましょう。

電話や端末からの音

状況次第

離れた場所から電話をかけてくる人物にV.O.を使う書き手もいれば、音の出どころを示す括弧書きに頼る書き手もいます。V.O.がナレーションと読まれかねないときは、(電話から)と添えると役立ちます。

ナレーション

一般的な選択

映っている場面の中で話しているわけではない語り手は、物語の別の場面に登場する人物であっても、通常V.O.と表記します。

応募稿・閲読用の原稿

読み手が最初の一読でその場面を理解できる拡張を選びましょう。提出稿では、物語に必要な声の出どころ以上に、音響部向けの説明を書く必要はありません。

制作稿

この区別は、セリフの収録やスケジュールに影響することがあります。制作側がO.C.、フィルターをかけたセリフ、そのほかの確立した表記を使っている場合は、そのテンプレートとスクリプトコーディネーターの判断に従います。

脚本のV.O.とO.S.の違いは？

V.O.はボイスオーバーのことで、ナレーション、聞こえる心の声、録音、映っている場所の外にいる離れた声を表します。O.S.は画面外(オフスクリーン)のことで、話し手はシーンの物理的な場所にいるものの、フレームの外にいることを表します。どちらの拡張も、セリフの上の登場人物名のあとに括弧で書きます。

Inkwell PlotでV.O.やO.S.のセリフを書くには？

Plotでは行を「登場人物」にして、MARA (V.O.)やELI (O.S.)のように拡張付きで名前を入力します。Enterキーを押すと、続く発言を「セリフ」として書けます。Plotは拡張を認識し、候補表示でもキャストの集計でも同じ登場人物として扱います。必要なら、(電話から)のような出どころを「括弧書き」の行に書きます。

Final Draftでボイスオーバーのセリフを書くには？

Character要素を作り、話し手の名前を入力して、スペースと開き括弧を入力します。拡張の選択肢からV.O.を選び、発言はDialogueとして書きます。拡張は名前の横に置き、録音や電話のような出どころは、登場人物名の下に別の括弧書きを置いて明確にできます。

電話の声はV.O.、それともO.S.？

どちらの慣例も見られます。電話の相手はその場所にいないので、V.O.を使う書き手が多くいます。一方で、登場人物名には何も付けず(電話から)と添える書き手もいます。原稿のすべての電話でどちらか一つに決め、V.O.がナレーションと取り違えられそうなときは出どころの括弧書きを添えましょう。

脚本のO.C.とは？

オフカメラのことです。長編映画の脚本でO.S.と書くところに、O.C.を使うテレビのテンプレートもあります。どちらも、話し手はシーンの中にいるもののフレームの外にいることを意味します。テンプレートの表記に合わせ、一つの原稿で両方を混ぜないようにしましょう。

登場人物の心の声はV.O.で書く？

観客に聞こえるならV.O.です。聞こえる声として表現した心の声は、映っている場面の中で口に出して話しているわけではないので、V.O.を付けます。観客にまったく聞こえない心の声なら、ト書きで行動を通して見せましょう。

文言はト書きに、書き方は統一して

一般的な選択

ト書きの余白は、観客が話し声を聞くのではなく情報を見ていることを示します。短い表記を繰り返し使えば、そのあとのメッセージも目ですぐに見分けられます。

文中に入れるメッセージ

状況次第

とても短いメッセージなら、すっきり読めて画面での正確な見せ方が重要でない限り、通知と同じト書きの段落に入れてかまいません。

独立したメッセージの行

一般的な選択

文言そのものが物語の展開になっている場合や、いくつものやり取りを素早く追えるようにしたい場合は、表記とメッセージをそれぞれ独立したト書きの行にします。

声に出す、またはV.O.

状況次第

登場人物や合成音声が実際にメッセージを読み上げるときだけ、セリフを使います。観客がその文字も目にするなら、それとは別にト書きの行が必要になることもあります。

応募稿・閲読用の原稿

PDFでも読みやすく、色、特別なフォント、端末の形をしたグラフィックに頼らない、ト書きによる簡単な書き方を選びましょう。

制作稿

正確な画面、タイミング、文言が画面用グラフィックの要件になったら、制作側は提出稿の物語上の情報を変えることなく、デザインやショットの詳細を加えられます。

テキストメッセージはセリフとして書くべき？

声に出して読まれる場合だけです。観客が画面で読む無言のメッセージはト書きに書きます。登場人物名の下に置くと、誰かが話していると読み手に伝わってしまいます。

メッセージのやり取りはどう書く？

電話を一度示したら、各メッセージをそれぞれ独立したト書きの行にし、TEXT FROM ELIやMARA’S TEXTのような短い表記を繰り返し付けます。表記がそろっていれば、電話の画面を描かなくても読み手はやり取りをすばやく追えます。

テキストメッセージにSUPERを使ってもいい？

端末ごとに一つの書き方を選び、それを通しましょう。SUPERは通常、場所を示すテロップのように映像に重ねる文字を意味します。同じ電話にTEXTやINSERTと混ぜて使うと、読み手は立ち止まってあなたの決まりを読み解かなければなりません。

シークエンスに合った枠組みを選ぶ

状況次第

一文で済むモンタージュに、形式的なブロックは要りません。複雑なシークエンスなら、目に見える開始と終了の印、場所の分かる断片があると読みやすくなります。読み手が時間、場所、展開を追える限り、どちらも通用します。

一行のモンタージュ

一般的な選択

繰り返しが多く短く、個別の物語の展開を必要としないシークエンス、たとえば不合格続きのオーディションなどは、ト書き一文で書きます。

小見出しか、完全なシーン見出しか

状況次第

小見出しなら、テンポの速いシークエンスをコンパクトに保てます。場所がスケジュールに関わる場合、シークエンスにセリフがある場合、各断片がシーンのように振る舞う場合は、完全な見出しのほうが明確です。

SERIES OF SHOTS

一般的な選択

時間の圧縮を伴わない関連する映像には、SERIES OF SHOTSを使う書き手もいます。実際には両者の意味は重なるので、見出しだけに頼らず、狙っている展開を書きましょう。

応募稿・閲読用の原稿

提出用の原稿では、読み手の体験を最優先に考えます。シークエンスは簡潔に、映像的に、具体的に保ちましょう。ショットそのものが物語の展開になっている場合を除き、ショットごとに書き分けるのは避けます。

制作稿

モンタージュの断片ごとにスケジュール、場所、キャスト、シーン番号が必要になる場合は、制作チームと相談のうえ、それらの断片を制作側が扱えるシーン見出しに格上げします。

モンタージュとシリーズ・オブ・ショットの違いは？

両者の意味は重なります。一般に、時間を圧縮したり進展を見せたりするシークエンスにはMONTAGEを、同じような圧縮を伴わない関連する映像にはSERIES OF SHOTSを使います。見出しに頼らず、狙っている展開を書きましょう。

END MONTAGEは必ず書くもの？

書かないと通常のシーンの流れに戻る位置を読み手が見落としかねない場合だけです。一行のモンタージュに終わりの印は要りませんが、複数の場所にまたがる長いブロックは、END MONTAGEか、明確に流れを引き継ぐシーン見出しで締めくくりましょう。

モンタージュにセリフを入れてもいい？

入れられますが、セリフがあるということは、その断片がシーンのように振る舞っていることがほとんどです。話し声、意味のある場所、スケジュール上の独立した扱いが必要な断片には、ダッシュの小見出しではなく完全なシーン見出しを付けましょう。

最初に曖昧になりうる箇所で時間の移動を示す

一般的な選択

読み手には、シーンを解釈する前に過去へ移ったことに気づいてもらう必要があります。1シーンなら見出しの末尾の表記で足り、まとまったシークエンスなら始まりと終わりを明示するほうが安全です。

見出しの末尾に書く

状況次第

1つのシーンだけが時間の移動を担い、次の見出しで戻ったことが明らかなときは、シーン見出しにFLASHBACK、YEARS EARLIER、具体的な日付を加えます。

フラッシュバックのまとまり

一般的な選択

複数のシーンを囲むときや、それだけで分かる見出しがないまま現在の枠に戻るときは、FLASHBACKとEND FLASHBACKを使います。

短い記憶のイメージ

状況次第

A FLASH OF:のような短いト書きの表記なら、シーンを丸ごと作らずにひとつのイメージを見せられます。すぐに進行中の動きに戻りましょう。

応募稿・閲読用の原稿

時間軸がすぐに伝わる、最小限の表記にしましょう。転換を理解するのに、色、改訂マーク、制作用のメタデータが必要になってはいけません。

制作稿

過去の時代のシーンは、キャスト、衣装、美術、ロケーションの香盤に影響することがよくあります。その違いを制作のシステムで見えるようにしておく必要がある箇所では、完全なシーン見出しを保ちましょう。

シーン見出しにFLASHBACKと書くべき？

1シーンならそれで通じますが、TEN YEARS EARLIERや日付のような具体的な表記のほうが、たいてい読み手に多くを伝えます。過去のシーンが複数続くときは、FLASHBACKとEND FLASHBACKで囲み、いまどの時間軸なのか迷わせないようにしましょう。

フラッシュバックのあと、現在に戻るには？

戻るときも、離れるときと同じくらいはっきりさせます。PRESENTと記したシーン見出し、END FLASHBACKの行、あるいは時間と場所が明らかに現在だと分かる見出しを使いましょう。誤読したあとで初めて過去のシーンだったと知る、ということがあってはいけません。

夢のシーンもフラッシュバックと同じ書き方？

仕組みは似ていて、始まりと現実に戻るところを示します。ただし、夢は夢と明記しましょう。物語はたいてい記憶と想像を別物として扱い、一方をもう一方と取り違えた読み手はシーンを誤読してしまいます。

表紙の一般的な助言より応募要項が優先

変化しつつある慣習

応募先は、提携先、応募システム、応募資格、ファイルの条件をよく変えます。書き出す直前に公式の規定をもう一度確認しましょう。前年のチェックリストや、ほかのコンクールの匿名ルールに頼らないでください。

名前入りのマスター

広く求められる

作業中の原稿には、クレジットどおりの作者または作者チームの名前と、現在使える連絡先を入れた完全な表紙を残しておきます。

匿名の応募用コピー

状況次第

規定で作者名を伏せた審査が求められている場合は、指定された身元情報を除いたコピーを別に書き出します。中央の作者名だけでなく、ヘッダー、フッター、ファイル名、PDFに埋め込まれたメタデータ、表紙の連絡先の行も確認しましょう。

任意の登録情報と稿の情報

状況次第

登録番号、代理人、原作のクレジット、稿の日付は、受け取り手の役に立つ場合や、指定のテンプレートで求められている場合にだけ入れます。タイトルと作者名は中央に、連絡先は左下に読みやすく置きます。

応募稿・閲読用の原稿

公式の募集ページと応募システムを、現在有効な約束事として扱いましょう。応募のたびに、匿名性、ページ数、ファイル名の付け方、PDFのサイズ、作者の表記、AIに関する申告を確認します。

制作稿

制作稿では、名前入りの権利表記、稿の日付、改訂情報、配布の管理を使います。コンクールの匿名審査のために省いた情報を、制作用のマスターに持ち込まないようにしましょう。

脚本の表紙には何を書く？

タイトル、Written byのような脚本のクレジット、作者名、そして左下に連絡先です。登録番号、代理人、稿の日付は任意で、受け取り手の役に立つ場合や、指定のテンプレートで求められている場合にだけ入れます。

スペック脚本の表紙に稿の日付は必要？

受け取り手か指定のテンプレートから求められた場合だけです。稿や改訂の日付が本当に役立つのは、複数の版が同時に出回る制作稿です。スペック脚本を評価する読み手には、まず必要ありません。

コンクールに出す脚本を匿名にするには？

コピーを別に書き出し、規定に挙げられた身元情報をすべて取り除きます。表紙の名前と連絡先の行、ヘッダーとフッター、ファイル名、PDFの文書プロパティです。名前入りのマスターはそのまま残し、匿名のコピーが唯一の原稿にならないようにします。

きれいな振り直しより、変わらない番号が大切

制作ごとに異なる

スケジュール、香盤表、ブレイクダウン、抜き台本、各部署のメモは、シーンとページの番号を参照しています。それらが出回ったあとは番号を保つことで、改訂のたびに関連資料がすべてあいまいになるのを防げます。

番号なしのスペック稿・提出稿

広く求められる

受け取り手から番号を求められない限り、読み用の原稿はすっきりさせておきます。シーン番号やロックされたページの痕跡は制作段階にあることを示しますが、提出稿の読み手のほとんどにはそれが不要です。

番号は両側の余白に

制作ごとに異なる

撮影稿では慣例として、各シーン番号をシーン見出しの左右に繰り返し入れます。こうすると、印刷したページや書き込みのあるページのどちら側からでも番号が見えます。

挿入したシーンと削除したシーン

制作ごとに異なる

新しいシーンには、既存の番号のあいだに入る枝番を付けるのが一般的です。削除した制作用のシーンはOMITTEDと記して残し、その番号がうっかり抜けたのではなく、意図して外されたことを関係者に伝えます。

応募稿・閲読用の原稿

現在の募集要項、フェローシップ、スタジオ、授業の課題で番号付きの原稿が明確に求められていない限り、番号なしのPDFを書き出します。受け取り手が確認を求めていない制作用の改訂の痕跡は取り除きましょう。

制作稿

番号付け、ページのロック、Aページ、削除したシーン、改訂のセット、配布日は、スクリプトコーディネーターや制作部と調整します。原稿をいつ正式に配布するかを決めるのはそちらです。

Inkwell Plotでシーン番号を付けるには？

ドキュメントのサイドバーかコマンドパレットからドキュメント設定を開き、「脚本」タブでプレビューを確認して「番号を適用」を選びます。Plotは既存の番号を保ち、挿入したシーンには24Aのようなアルファベット付きの番号を付けます。番号付けは「元に戻す」一回で取り消せます。番号はFDXに引き継がれます。作家稿のPDFは番号なしのままですが、ロックした制作用の改訂稿では左右の余白に番号が印刷されます。

Final Draftでシーン番号を付けるには？

ProductionメニューからScene Numbersを選びます。要素としてScene Headingを選び、Number/Renumberを有効にし、開始番号を設定して確定します。既定の開始番号は1です。カーソル位置以降だけに番号を付けたい場合は、Number from Current Sceneを有効にします。Final Draftはこのコマンドを実行したときに番号を付けるので、入力中に新しいシーンへ自動で番号が付くわけではありません。

Final Draftでシーンを追加するとき、既存のシーン番号を保つには？

Final DraftのProductionメニューからScene Numbersを選び、Keep Existing Numbersを有効にします。既存の番号はそのまま残り、挿入したシーンにはそのあいだに入るアルファベットの枝番が付きます。確定する前にこのオプションを確認しましょう。配布済みの原稿を振り直すと、スケジュール、抜き台本、ブレイクダウンの参照が無効になりかねません。

Final Draftでシーン番号を削除せずに非表示にするには？

Final DraftのProductionメニューからScene Numbersを選び、Optionsを開いて左右の番号表示をオフにします。番号は割り当てられたまま残り、また表示できます。Remove Numbersのほうは割り当て自体を削除します。提出用には、番号を非表示にしたPDFを別に書き出し、出来上がったページを確認しましょう。

スペック脚本にシーン番号は必要？

たいてい不要です。受け取り手から求められない限り、読み用の原稿は番号なしにしておきます。シーン番号は制作稿であることの印で、そこではスケジュール、香盤表、ブレイクダウンが参照できる、変わらない番号が必要になります。

ロック後にシーンを追加すると、シーン番号はどうなる？

新しいシーンには既存の番号のあいだに入る枝番が付きます。24のあとに挿入したシーンなら24Aです。こうして以降のすべての番号と、すでに番号を参照しているすべての資料が有効なまま保たれます。

撮影稿のOMITTEDとは？

番号付きのシーンがカットされたという意味です。その番号はOMITTEDと記されて残るので、スタッフは意図して外されたことが分かり、以降のシーンもみんながすでに使っている番号のままになります。

列は意味のある同時性のために取っておく

一般的な選択

同時台詞は、同時に話す声を表すおなじみの視覚的な約束事です。2つの列は目の動きを遅くし、ページ割りも複雑にするので、両方の台詞を一緒に聞くことでその瞬間に必要な笑い、対立、情報が生まれるときに最もよく機能します。

途中で切れる台詞

一般的な選択

さえぎられた台詞をダッシュで終え、その下にさえぎる人物の名前を置きます。上から下への順序で、やりとりの主導権がいつ移るかが読み手に正確に伝わります。

短い重なり

状況次第

「overlapping」のような短い括弧書きは、前の台詞が終わりきる前に始まるものの、2つの列を持続させるほどではない瞬間を明確にできます。

ロックされた脚本での台詞のタイミング

制作ごとに異なる

制作側が録音やカバレッジのために、重なりの正確な位置や分割した台詞を書き込むことがあります。シリーズの脚本と音声の進め方が確立したら、それに従いましょう。

応募稿・閲読用の原稿

閲読用の原稿では同時台詞を控えめに使い、書き出したPDFを実際の改ページ位置で確認しましょう。割り込みが縦に並べた台詞ではっきり読めるなら、軽いほうの書き方を選びます。

制作稿

脚本が制作に入るときは、組になった台詞の構造を保ちましょう。演技のタイミング、カバレッジ、音声に影響することがあるからです。ロックされた原稿での遅い時期の改ページの変更は、調整したうえで行います。

Inkwell Plotで同時台詞を作るには？

Plotで2人分の人物名と台詞を続けて書き、最初の台詞にカーソルを置いて同時台詞を切り替えます。MacではCommand＋Dを押します。Plotは台詞を組にし、PDFでは横に並べて印刷し、Final Draftの読み込みと書き出しでも組を保ちます。もう一度切り替えると、縦に並べた台詞に戻ります。

Final Draftで同時台詞を作るには？

2人分の人物名と台詞を続けて書きます。最初の人物名にカーソルを置き、FormatメニューからDual Dialogueを選びます。デスクトップ版のショートカットは、MacではCommand＋D、WindowsではControl＋Alt＋Dです。2つの台詞が横に並びます。やりとりが改ページにかかる場合は、書き出したPDFを確認しましょう。

2人が同時に話す場面はどう書けばいい？

同時台詞として横に並べます。人物名とその台詞をそれぞれ別の列に入れ、同じ高さから始めます。観客に両方の台詞を同時に聞かせたいときだけ使いましょう。割り込みなら台詞を縦に重ね、最初の話し手の台詞をダッシュで切ります。

同時台詞で3人以上が話してもいい？

標準の同時台詞は2列です。3人以上が同時に話すなら、重なりをト書きで描写するか、全員で言う台詞にはALLのような共通の人物名を使いましょう。読めなくなったり書き出しで崩れたりする列を即席で増やすのは避けます。

人物名の下の(overlapping)はどういう意味？

前の話し手が言い終える前に、その台詞が始まるという意味です。2つの列を持続させるほどではない短い重なりに向いています。2つの台詞が並走するのではなく、一方の台詞が次の台詞に食い込むように読み手には聞こえます。

Final DraftとPlotの間で同時台詞は保たれる？

はい。Final Draftファイルの組になった台詞はPlotに組のまま読み込まれ、FDXへ書き出すと横並びの台詞に戻ります。先方がファイルを開いても、列は列のままです。

観客が理解できることに合わせて書く

状況次第

脚本は通常、想定する読み手が読める言語のまま書き、画面で聞こえる言語は簡潔な指示で示します。観客に字幕があるのか、一部だけ分かるのか、訳がまったくないのかも、シーンからはっきり分かるようにしましょう。

やりとり全体に一度だけ示す

一般的な選択

言語と字幕を示すト書きの一行は、言語や観客との関係が変わるまで、その後の台詞すべてに適用できます。

人物名の下で念を押す

状況次第

シーンの途中で人物が言語を切り替えるときや、切り替えが見落とされそうなときは、「スペイン語で」のような短い括弧書きを使います。人物名のたびに繰り返すと雑音になります。

あえて訳さない台詞

状況次第

視点人物が理解できないこと自体が狙いなら、読み手に偽りの完全な訳を渡すのではなく、話している様子や聞き取れる単語、反応を描写します。

応募稿・閲読用の原稿

提出先が求める言語で原稿を書き、そのほかの話し言葉は一貫した訳の書き方で読めるようにしましょう。多言語の脚本を送る前に、最新の応募規定を確認してください。

制作稿

制作稿では、訳、方言、字幕、ローカライズについてのメモを読みの流れとは別に加えることがあります。応募時の訳を確定した台詞として扱わず、最終的な文言はその言語の専門家と確認しましょう。

外国語の台詞はその言語で書くべき？

たいていは違います。台詞は脚本の読み手の言語で書き、実際にどの言語で話されているかを示します。例外は観客に理解させない台詞で、その場合は訳さずに、話の様子と聞き手の反応を描写します。

台詞に字幕が付くことはどう示す？

一度だけ示します。例にある「Their exchange is SUBTITLED.」のようにト書きで書くか、最初の行の括弧書きで示し、あとは訳した台詞を続けます。言語や観客の理解が変わったときだけ、もう一度書きましょう。

人物名のたびに（スペイン語で）と書く必要がある？

いいえ。やりとりに対して言語を一度示し、人物名の下の括弧書きは、シーンの途中で人物が言語を切り替えるときや、切り替えが見落とされそうなときだけ加えます。

読ませる物語の情報と、画面の飾りを分ける

一般的な選択

読み手に必要なのは、シーンを変える正確な文言と、それがどこに現れるのかが分かるだけの文脈です。その文言を囲むメニュー、タイムスタンプ、アイコン、メールのヘッダー、グラフィックデザイン上の判断がすべて必要になることはまずありません。

ト書きの中に書く

一般的な選択

短い看板、見出し、メモなら、自然に読めて独立した視覚的な間を必要としない限り、ト書きの段落の中に置いたままでかまいません。

独立したINSERT

状況次第

観客にじっくり見せること、明かすタイミング、周りのシーンに戻ることが重要なときは、その物に大文字のショットの行を独立して与えます。

長めの手紙やメール

状況次第

ざっと目を通すだけの部分は要約し、一字一句読ませる必要のある行だけを引用します。映画で実際に声を使うならボイスオーバーを添えてもかまいませんが、書かれた文字はもともと台詞ではありません。

応募稿・閲読用の原稿

書かれた文字は、通常のPDFを普通の倍率で見て読めるようにし、物語に欠かせない文言だけを引用しましょう。提出先が明確に認めていない限り、スクリーンショットの埋め込みや飾りの模擬画面は避けます。

制作稿

画面用グラフィック、権利処理、ローカライズ、正確なタイムスタンプ、端末の動作には、別の制作フローが必要になることがあります。各部署が最終的な画面デザインを詰める間も、承認済みの文言は脚本に残しておきましょう。

脚本のINSERTとは？

メモ、画面、写真など、観客が読んだり気づいたりする必要のあるものの寄りの画で、大文字の独立した行として書きます。進行中のシーンの中にとどまるので、新しいINT.やEXT.のシーン見出しは不要です。

インサートのあと、シーンに戻るには？

ト書きの行で続けるか、戻ったことを示す必要があるならBACK TO SCENEと書きます。場所を一度も離れていない寄りの画のために、新しいシーン見出しを立てるのは避けましょう。

手紙やメールは台詞の書式で書くべき？

声に出して読まれる場合だけです。観客が読む文字はト書きに書きます。物語にとって重要な行だけを引用し、人物がざっと目を通す部分は要約しましょう。

観客が体験する時間の関係を言い表す

一般的な選択

CONTINUOUSは場所の境目をまたいで途切れない動きを、SAMEは同時性を、LATERやト書きの一行は経過した時間を表します。文体のために表記を変えるより、正確な関係を選ぶほうが役に立ちます。

経過時間をト書きに書く

一般的な選択

THREE HOURS LATERのような独立したト書きの一行は、直接的で目に入りやすく、相対的な表現を制作用のロケーション情報にしてしまうこともありません。

シーン見出しにLATER

状況次第

INT. ARCHIVE — LATERは、場所が改めて示され、直前の時間的な基準が紛れようのないほど近いときに使えます。

新たにDAYかNIGHT

状況次第

時間の飛躍で撮影の時間帯が変わるときや、LATERではスケジュールも映像も分かりにくくなるときは、具体的な時間帯を新たに書きます。

応募稿・閲読用の原稿

シーンがいつ起きているかを読み手が思い描ける、最も短い表記を選びましょう。閲読用の原稿では、スケジュール上の分類を細かく書くより、時間の流れが明確であるほうが効果的です。

制作稿

時間帯の表記は香盤表や撮影スケジュールに影響するため、制作側がLATER、SAME、夜明け、連続するシークエンスの表記を統一することがあります。ロックされたシーンを黙って書き換えず、変更は調整したうえで行いましょう。

CONTINUOUSとSAMEの違いは？

CONTINUOUSは、ドアを抜けて人物を追うときのように、動きが途切れずに新しい場所へ移ることを表します。SAMEは、新しいシーンが前のシーンと同じ時刻に起きているものの、両者をつなぐひと続きの動きはないことを表します。

シーン見出しのMOMENTS LATERはどういう意味？

少しだけ先へ進むことで、たいていは読み手が直前に見た場所に戻ります。何から見て「あと」なのかが明らかなときに使い、もっと長い、あるいは分かりにくい間隔なら、どれだけ時間がたったかをト書きに書きましょう。

単に続いているだけのシーンにCONTINUOUSを使ってもいい？

いいえ。隣り合うシーンが自動的に連続するわけではありません。CONTINUOUSは場所が変わる途切れない動きのために取っておき、それ以外は通常の時間帯かLATERを使いましょう。

共通の幕数より、提出先のテンプレートが優先

変化しつつある慣習

地上波、ケーブル、配信、シングルカメラ、マルチカメラの脚本に共通する幕のパターンはありません。CMの構成や社内のスタイルは変わり続けるので、汎用的なページ数の公式より、比較できる最新の脚本や渡されたテンプレートのほうが確かな根拠になります。

既存の番組の書式で書く

広く求められる

サンプルのエピソードでは、見出し、幕数、大文字の使い方、改ページの扱いを含め、その番組で実際に制作された最新の脚本の構成に従います。

オリジナルのパイロット

状況次第

想定する市場に最もふさわしい書式を選び、一貫させましょう。コールドオープンとタグは物語の道具で、30分の脚本すべてに必須の飾りではありません。

配信とプレミアムの書式

変化しつつある慣習

CMの制約がない脚本の多くは、幕に相当する物語の転換点は残しつつ、幕の区切りを印刷しません。ページの書式は、提出先の現在の案内に従って決めます。

応募稿・閲読用の原稿

フェローシップ、ライターズルーム、講座、エージェントの案内で書式とページ数の上限を確認し、最も近い番組の最新の脚本と比べましょう。幕の見出しは、その根拠が裏付ける場合にだけ使います。

制作稿

番組が脚本を管理するようになったら、幕の見出し、シーン番号、改ページ、改訂マーク、ヘッダーは番組のコーディネーターとテンプレートに従います。発行するすべての稿で、その社内の構成を保ちましょう。

タグは新しいページから始める？最終幕と同じページでもいい？

幕で区切る脚本では、たいてい新しいページから始めます。TAGもひとつの幕として扱いましょう。テンプレートで使うならEND OF ACTで最終幕を閉じ、次のページの先頭で中央揃えの独自の見出しの下にTAGを始めます。幕の区切りを印刷しない脚本では、締めくくりのシーンがほかのシーンに続くだけです。

コールドオープンとティーザーの違いは？

現在の使い方では同じものを指し、第1幕より前のシーンのことです。TEASERは放送局の古い呼び方で、COLD OPENはコメディや最近の多くの脚本で一般的です。書こうとしている番組が使っている呼び方に合わせましょう。

各幕の終わりにEND OF ACTは必要？

合わせているテンプレートで使われている場合だけです。幕で区切る脚本の多くでは慣例ですが必須ではなく、幕の区切りを印刷しない脚本ではまったく書きません。

テレビ脚本は何幕にすべき？

番組、放送局、時代によって異なります。地上波のエピソードではさまざまな幕数が使われてきましたし、配信の脚本の多くは幕の区切りをまったく印刷しません。汎用の数ではなく、その番組の最新の脚本か、提出先が求める書式に合わせましょう。

音は、それが属するシーンの上に置く

一般的な選択

プレラップは、終わるシーンの最後、その音が属するシーンの見出しの直前に置きます。表記は読み手に先に聞くよう伝え、続く見出しはその音がどこから来たのかを伝えます。

セリフのプレラップ

一般的な選択

V.O.やO.S.と同じように、登場人物名のあとに括弧でPRE-LAPと書けば、映像より先に届くセリフとして読めます。

効果音や音楽のプレラップ

状況次第

PRE-LAP: A guitar chord is struckのようなト書きを一行書きます。Final Draft自身の案内では斜体にしていますが、あとの書き出しで斜体が失われても、表記だけで意味は伝わります。

重なりの長さは編集で決まる

制作ごとに異なる

音が実際にどれだけ早く始まるかは、編集室で決まります。脚本が記すのは意図であって、重なりを秒数やフレーム数で指定するものではありません。

応募稿・閲読用の原稿

プレラップはスペック脚本のトランジションを引き締めてくれますが、あくまで技法の一つです。問いのシーンが終わる前に答えが届くような、重なりに意味がある場面で使い、すべてのカットの決まりごとにはしないようにしましょう。

制作稿

制作段階では、プレラップは編集と音響への申し送りになります。改訂ページでもセリフとその置き場所を変えずに保ち、音がどのシーンに属するかについて、編集と脚本の認識がずれないようにしましょう。

プレラップは新しいシーン見出しの前と後、どちらに置く？

前です。先に聞かせるセリフや音は、終わるシーンの最後、その音が来るシーンの見出しのすぐ上に置きます。読み手は先に音を聞き、そのあとでそれがどこに属するのかを目にします。

プレラップとV.O.は同じもの？

違います。V.O.は、ナレーションのように、映っているシーンの外から聞こえる声を示します。プレラップは、次のシーンの普通のセリフや音で、そのシーンにカットする少し前に聞こえるものです。

音楽や効果音もプレラップにできる？

できます。PRE-LAP: A guitar chord is struckのようにト書き一行で書き、その音が属するシーンのすぐ上に置きます。

歌は話し言葉と違って見えるように

一般的な選択

読み手は、その行を読む前に、それが歌われるものだと分かるべきです。斜体でも大文字でも、歌うフレーズを一行ずつ書けばそれが伝わります。どちらを選ぶかよりも、脚本のすべての歌で同じ書き方を通すことのほうが大切です。

斜体の歌詞

一般的な選択

歌う人物の登場人物名の下に斜体で書くと、ページが落ち着き、歌であることがはっきり伝わります。実際に制作されたミュージカル映画の脚本でも使われてきた形です。

大文字の歌詞

一般的な選択

大文字で一行に一フレーズずつ書くのも、昔からあるもう一つの慣例です。文字の多いページでも目立ち、どの書体でも崩れません。

歌詞を載せずに曲を示す

状況次第

すでにある曲や、シーンの下に流れる曲なら、曲名を挙げるかト書きで描写します。録音したデモと並行して書かれるミュージカルの中には、歌詞をすべて載せる代わりに音源を参照するものもあります。

応募稿・閲読用の原稿

ミュージカル以外では、歌はページ上で短く収めます。読み手に必要なのはその歌がドラマの中で果たす役割であって、すべての節ではありません。スペック脚本では、歌詞を載せるより一行の描写のほうが役立つことがよくあります。

制作稿

制作で使う既存の曲は、どれも権利処理が必要です。それは原稿ではなく制作側の仕事です。オリジナルの歌詞は音楽チームと詰めることが多いので、ほかのセリフと同じように、脚本の通常の改訂の流れで直していきます。

歌詞は斜体と大文字のどちらで書く？

どちらでも通用します。斜体は控えめに読め、大文字は文字の多いページで目立ちます。どちらかに決めて脚本のすべての歌に使いましょう。その行が歌われるものだと読み手に伝えるのは、一貫性です。

既存の曲の歌詞は全部書く？

たいてい書きません。曲名を挙げ、その曲がシーンで何をしているのかを描写します。既存の曲を載せてもページが増えるだけで物語は進みませんし、制作で使う曲はどのみち権利処理が必要です。

背景に流れる歌はどう書く？

ト書きで書きます。何が流れ、いつそれが意味を持つのか、たとえば「ジュークボックスが古いバラードをかけ始める」のように描写し、歌詞の言葉そのものが物語の展開を担うときだけ引用します。

境目を示したら、あとは普通に書く

一般的な選択

夢の中でも、シーン見出し、ト書き、台詞の働きはほかの場面とまったく同じです。夢として読ませるのは、両端の明確な目印と、読み手が名前を挙げられる夢の主です。

独立した目印

一般的な選択

DREAM SEQUENCEとEND DREAM SEQUENCEをそれぞれ独立したト書きの行にすると、複数のシーンにまたがる夢を囲めます。

シーン見出しに目印を入れる

状況次第

EXT. HARBOR PIER - DREAM SEQUENCE - DAYのように見出しに目印を加える方法は、1シーンで終わる夢に向いています。終わりの目印はやはり必要です。

全体を斜体にする

状況次第

目印に加えて夢全体を斜体にする書き手もいます。ページ上では役立ちますが、ファイル形式を変えると斜体が失われることがあるので、それだけを合図にしてはいけません。

応募稿・閲読用の原稿

物語を支えるものでない限り、夢は短くまとめましょう。安易に驚かせたり、テーマを口で説明したりするための夢を読み手は警戒します。目印がはっきりしていれば、混乱させたかどうかではなく、そのシーンが果たす役割で評価してもらえます。

制作稿

夢であっても、独自の場所、キャスト、時間帯を持つ撮影シーンであることに変わりはありません。夢の中に完全なシーン見出しがあれば、香盤表や撮影スケジュールでほかのシーンと同じように扱えます。

DREAM SEQUENCEはシーン見出しに入れる？それとも独立した行にする？

どちらでもかまいません。独立したト書きの行は複数のシーンにまたがる夢を囲むのに向き、見出しにDREAM SEQUENCEを加える方法は1シーンの夢に向いています。どちらを選んでも、夢の終わりは示しましょう。

人物が目覚める様子はどう書けばいい？

シーン見出しで夢の主の現実の場所に戻り、目覚めをト書きで見せます。びくっとする、息をのむ、目覚まし時計が鳴る、などです。その見出しの前にEND DREAM SEQUENCEを置けば、境目がはっきりします。

ページ上で、夢とフラッシュバックはどう違う？

フラッシュバックは実際に起きたことを、夢は想像したことを見せます。目印の使い方は同じですが、手法の名前を正しく書くことで、読み手はそのシーンをどう読めばよいか分かります。

大文字は強調なので、絞って使う

一般的な選択

Final Draftの案内では、重要な効果音、小道具、動きは大文字にしてよいとしつつ、使いすぎると読む速度が落ち、強調が薄れると注意しています。ページの大文字だけを拾い読みした人にも、そのページでいちばん大事な音と物が伝わるのが理想です。

重要な音

一般的な選択

手がかり、脅威、次に起きることのきっかけなど、観客が気づかなければならない音は、SLAMSやRATTLESのように音を表す語そのものを大文字にします。

登場人物の紹介

広く求められる

話す登場人物の名前を初登場で大文字にするのは、長編映画の脚本でもっとも一貫した慣例の一つです。そのあと、ト書きの中の名前は通常の表記に戻ります。

多めか少なめかは書き手しだい

変化しつつある慣習

アクションの多いシーンのテンポを上げるために大文字を多めに使う書き手もいれば、音には一切大文字を使わない書き手もいます。どちらも今の実践としてあり得ます。大切なのは、その選択が意図したものとして読めることです。

応募稿・閲読用の原稿

スペック脚本では、大文字は読む流れを速くするためのもので、騒がしくするためのものではありません。シーンを動かす数少ない音と物だけを大文字にし、残りのト書きはそのままで伝わるようにしましょう。

制作稿

大文字の音や小道具は、シーンに必要なものを各部署が見つける手助けになりますが、何を拾い出すかを決めるのは制作側のブレイクダウンです。ページが出回ったあとは強調の付け方を変えず、改訂ページがすでに使われているページと一致するようにします。

脚本の効果音は必ず大文字にするもの？

いいえ。重要な音を大文字にするのは強調のためのよくある慣例で、書式の決まりではありません。観客が気づかなければならない数少ない音にだけ使い、ふつうの音は通常の表記のままにします。

登場人物の名前を初登場で大文字にするのはなぜ？

新しく話す登場人物が出てきたことを、読み手とキャスティング担当に知らせるためです。最初の紹介のあと、ト書きの中の名前は通常の表記に戻ります。セリフの上の登場人物名は常に大文字です。

小道具は大文字で書くべき？

凶器、手紙、鍵のように、物語にとって重要な小道具だけです。撮影稿では小道具部のためにもっと多く大文字にすることもありますが、スペック脚本は、大文字をシーンを動かすものだけに取っておくほうが読みやすくなります。

脚本のSFXとはどういう意味？

たいていは効果音のことです。ただし撮影の現場では、特殊効果を指すことも多くあります。あとから加える視覚効果に対して、雨、火、割れるガラスなど、セットで実際に行う効果のことです。ラジオドラマやオーディオドラマの台本では行の頭にSFX:と書きますが、映画の脚本では書きません。音はト書きの中に書き、印象づける必要があるときだけ大文字にします。