Volver a la referencia de formato

Elige el tamaño de papel en el cuadro de impresión. Para guardar una copia, elige “Guardar como PDF”.

Inkwell · Edición de escritorio

Guía práctica de formato de guion

Ten una referencia de trabajo junto a tu borrador. Cada capítulo combina una decisión de formato con un ejemplo original, alternativas aceptadas y las preguntas que los guionistas se hacen después.

Las fechas de revisión pertenecen a cada capítulo. Sigue el enlace del artículo para ver la versión actual, o los enlaces de sus fuentes para las indicaciones originales.

1. Llamadas e intercut

Cómo dar formato a llamadas telefónicas y conversaciones en intercut

Deja claro qué ve y oye el público y usa encabezados de escena claros o una indicación INTERCUT para que una conversación telefónica sea fácil de imaginar.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Para una llamada que se ve en dos lugares, establece cada lugar con su propio encabezado de escena. Después, o sigues cortando con encabezados de escena, o añades una línea de acción en mayúsculas como INTERCUT — TELEPHONE CONVERSATION antes de alternar el diálogo sin más encabezados. Si el público se queda con una sola persona, mantén ese lugar e identifica la voz del otro lado.

En la página

Establece los dos lugares y luego empieza el intercut

INT. MARA'S KITCHEN - NIGHT

Mara paces with her phone to her ear.

INT. ELI'S CAR - SAME

Eli watches the warehouse, phone to his ear.

INTERCUT — TELEPHONE CONVERSATION

MARA

Tell me you found it.

ELI

I found the door.

MARA

That wasn't the question.

Práctica actual

Establece la geografía antes de abreviarla

Opción habitual

El lector necesita saber dónde está cada persona visible antes de que una indicación de intercut sirva de algo. Después de esa presentación, repetir encabezados de escena completos en cada intercambio suele entorpecer la lectura sin aportar información.

Variantes aceptadas

Quedarse en un lado

Depende del contexto

Mantén un solo encabezado de escena cuando solo se ve a una persona. Marca a quien habla desde el otro lado con una extensión junto al nombre del personaje y, si ayuda, con una breve acotación de origen como «por teléfono».

Seguir cortando con encabezados de escena

Opción habitual

Los encabezados separados siguen siendo una opción clara cuando cambian los lugares, cuando importa lo que pasa a la vista en ambos lados o cuando el ritmo exacto de cada corte es importante.

Llamada de un solo lado

Depende del contexto

Si la otra voz no se oye a propósito, escribe las pausas y reacciones del personaje visible en la acción o en acotaciones breves. No inventes diálogo solo para llenar el silencio.

Donde los guionistas sensatos discrepan

INTERCUT — TELEPHONE CONVERSATION, INTERCUT CONVERSATION e INTERCUT AS NEEDED se leen bien una vez establecidos los lugares. Las formas con nombre resultan útiles cuando tres o más lugares podrían volver ambiguo el patrón; una llamada corriente entre dos personas no suele necesitarlas.

Errores que conviene evitar

  • Usar INTERCUT antes de que el lector conozca los dos lugares entre los que se alterna.
  • Cambiar entre encabezados de escena, V.O., O.S. y acotaciones sin una regla visual estable.
  • Escribir una llamada larga como un bloque de diálogo continuo mientras ocurre una acción importante en alguno de los dos lugares.
  • Tratar SAME como un sustituto de la geografía; comunica continuidad temporal, no dónde está un personaje.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Una versión para enviar puede usar la forma más sencilla que haga fácil ver y oír la llamada. Evita listas de planos o indicaciones de montaje que no aclaren el momento narrativo.

Versión de producción

Cuando un equipo de producción ya trabaja con el guion, conserva las identidades de escena establecidas y coordina los cambios en las escenas numeradas. Un intercut no borra la importancia para el plan de rodaje de los lugares presentados antes.

Trabajar en Plot

En Plot, cada extremo de la llamada es un encabezado de escena, la línea INTERCUT es acción y cada intervención es diálogo; con Tab pasas de uno a otro mientras escribes. Los dos lugares aparecen en la lista de escenas, y el intercut se lee tal como lo escribiste en el PDF y en el FDX que entregas a la producción.

Preguntas de guionistas

¿Necesito un encabezado de escena nuevo cada vez que la llamada corta de una persona a otra?

No. Establece una vez los dos lugares con sus propios encabezados de escena, añade una línea INTERCUT y deja que el diálogo alterne. Vuelve a los encabezados completos solo cuando cambie un lugar o cuando algo en uno de los extremos necesite su propio momento visual.

¿Cómo escribo una llamada en la que solo se oye un lado?

Quédate en la escena del personaje visible y escribe sus pausas y reacciones en la acción o en acotaciones breves. Si el público sí oye la otra voz por el teléfono, marca ese nombre de personaje con V.O. o añade una acotación de origen como (por teléfono).

¿Cómo sabe el lector que el intercut ha terminado?

Muestra en la acción que la llamada termina o vuelve a un único encabezado de escena. Cualquiera de las dos cosas le indica al lector que la alternancia se ha detenido y que el flujo normal de escenas sigue en un solo lugar.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

2. V.O. o O.S.

V.O. o O.S.: ¿voz en off o diálogo fuera de cuadro?

O.S. indica que el personaje está en la escena pero fuera de cuadro; V.O. cubre la narración y las voces ajenas al espacio físico. Con ejemplos de guion de ambos.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Usa O.S. cuando el personaje está físicamente en el lugar de la escena pero no se ve en el cuadro actual; por ejemplo, cuando llama desde la habitación de al lado. Usa V.O. para la narración, las grabaciones, los pensamientos convertidos en voz o una voz lejana que no forma parte del espacio físico inmediato del lugar. Como el sonido de teléfonos y dispositivos se puede tratar de distintas formas, añade una breve acotación de origen cuando la extensión sola pueda malinterpretarse.

En la página

Una escena, dos orígenes de voz distintos

INT. ARCHIVE - NIGHT

Mara searches the dark shelves.

ELI (O.S.)

Third aisle. Blue box.

Her recorder clicks on.

MARA (V.O.)

(on the recording)

Inventory, October fourteenth.

Práctica actual

La extensión describe la relación del sonido con la escena

Muy esperado

O.S. mantiene a quien habla dentro de la escena física en curso; V.O. sitúa la voz fuera de la acción inmediata en pantalla. Esa distinción ayuda a lectores, intérpretes, montaje y equipos de producción a entender qué hay que grabar.

Variantes aceptadas

O.C. en lugar de O.S.

Propio del programa

Algunas plantillas de televisión y flujos regionales usan O.C. (off camera). Sigue la plantilla de entrega cuando la haya y no cambies de rótulo a mitad de la versión sin motivo.

Sonido de teléfonos y dispositivos

Depende del contexto

Algunos guionistas usan V.O. para quien llama desde lejos; otros recurren a una acotación de origen. «(por teléfono)» es útil cuando V.O. podría leerse como narración.

Narración

Opción habitual

Un narrador que no habla dentro del momento que vemos se marca normalmente con V.O., aunque también aparezca en otra parte de la historia.

Donde los guionistas sensatos discrepan

Las llamadas telefónicas son el caso límite habitual. No sirve de nada fingir que una extensión resuelve todas las convenciones de producción; elige un estilo de la casa coherente y nombra el origen del sonido cuando quede alguna ambigüedad.

Errores que conviene evitar

  • Usar O.S. para un narrador que no está físicamente en la escena.
  • Usar V.O. para alguien que está justo al otro lado de una puerta, lo que sugiere otra grabación u otra relación con la historia.
  • Acumular extensiones y acotaciones que repiten la misma información sin aclarar el origen.
  • Cambiar entre O.S., O.C. y V.O. para la misma situación a lo largo de la versión.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Elige la extensión que permita entender el momento en la primera lectura. Una versión para enviar no necesita explicaciones para el departamento de sonido más allá del origen de la voz que pide la historia.

Versión de producción

La distinción puede influir en cómo se graba y se planifica el diálogo. Sigue la plantilla y las decisiones de la coordinación de guion si la producción usa O.C., diálogo filtrado u otra notación establecida.

Trabajar en Plot

En Plot, escribe V.O. u O.S. después del nombre del personaje. Plot conoce ambas extensiones, así que MARA y MARA (V.O.) siguen siendo un solo personaje cuando Plot sugiere nombres y cuando cuenta tu reparto. Añade una acotación breve, como «por teléfono», cuando le diga al lector algo que la extensión no dice.

Preguntas de guionistas

¿Qué diferencia hay entre V.O. y O.S. en un guion?

V.O. significa voice-over (voz en off): una narración, un pensamiento audible, una grabación o una voz lejana fuera del lugar que vemos. O.S. significa off screen (fuera de cuadro): quien habla pertenece al lugar físico de la escena pero está fuera del encuadre. Pon cualquiera de las dos extensiones entre paréntesis después del nombre del personaje, encima del diálogo.

¿Cómo escribo diálogo en V.O. u O.S. en Inkwell Plot?

En Plot, pon la línea como Personaje y escribe el nombre con su extensión, como MARA (V.O.) o ELI (O.S.). Pulsa Intro para escribir la intervención como Diálogo. Plot reconoce la extensión y mantiene el nombre asociado al mismo personaje en las sugerencias y en el recuento del reparto. Si hace falta, pon un origen como (por teléfono) en una línea de Acotación.

¿Cómo escribo diálogo en voz en off en Final Draft?

Crea un elemento Character, escribe el nombre de quien habla, añade un espacio y abre un paréntesis. Elige V.O. en las opciones de extensión y escribe la intervención como Dialogue. Usa la extensión junto al nombre; una acotación aparte bajo el nombre puede aclarar un origen como una grabación o un teléfono.

¿Una voz al teléfono es V.O. u O.S.?

Se ven las dos convenciones. Quien llama no está en el lugar, así que muchos guionistas usan V.O.; otros dejan el nombre sin extensión y añaden (por teléfono). Elige una para todas las llamadas de la versión y añade la acotación de origen siempre que V.O. pueda confundirse con narración.

¿Qué significa O.C. en un guion?

Off camera, fuera de cámara. Algunas plantillas de televisión usan O.C. donde los guiones de largometraje usan O.S.; ambas indican que quien habla está en la escena pero fuera del encuadre. Usa el rótulo de tu plantilla y no mezcles los dos en una misma versión.

¿El pensamiento interior de un personaje se escribe como V.O.?

Sí, cuando el público lo oye. Un pensamiento convertido en voz audible lleva V.O. porque no se dice en voz alta en el momento que vemos. Si el público nunca oye el pensamiento, muéstralo con el comportamiento en la acción.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

Siguientes pasos

3. Mensajes de texto

Cómo dar formato a mensajes de texto en un guion

Pon en la acción los mensajes legibles en pantalla, identifica al remitente si hace falta y usa un solo patrón en lugar de disfrazar texto mudo de diálogo hablado.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Escribe un mensaje de texto como información visible en la acción, salvo que una voz lo diga de verdad. Presenta el dispositivo o la notificación, identifica al remitente y reproduce las palabras exactas que el público debe leer. Rótulos como ON SCREEN, TEXT FROM ELI o ELI’S TEXT funcionan todos si se usan con coherencia.

En la página

Un intercambio legible sin falso diálogo

INT. LAST TRAIN - NIGHT

Mara's phone lights her face.

TEXT FROM ELI: Don't get off at Harbor.

She types, deletes, then sends:

MARA'S TEXT: Too late.

Práctica actual

Las palabras en la acción y el patrón coherente

Opción habitual

Los márgenes de la acción indican que el público ve información en lugar de oír diálogo. Un rótulo corto y repetido permite que la vista reconozca enseguida cada mensaje posterior.

Variantes aceptadas

Mensaje en línea

Depende del contexto

Un mensaje muy corto puede ir en el mismo párrafo de acción que la notificación cuando se lee con fluidez y la presentación exacta en pantalla no importa.

Línea de mensaje propia

Opción habitual

Pon el rótulo y el mensaje en sus propias líneas de acción cuando la redacción es un momento de la historia o varios intercambios deben leerse de un vistazo.

Habla o V.O.

Depende del contexto

Usa diálogo solo cuando un personaje o una voz sintética lee el mensaje en voz alta. El texto visible puede seguir necesitando una línea de acción si el público también lo ve.

Donde los guionistas sensatos discrepan

Los guionistas usan negrita, cursiva, texto centrado, burbujas o simples rótulos para distinguir visualmente los mensajes. Son decisiones de presentación, no elementos con un significado universal. La claridad y la coherencia importan más que imitar en la página la interfaz de un teléfono concreto.

Errores que conviene evitar

  • Poner mensajes mudos bajo nombres de personaje, lo que acostumbra al lector a oír un habla que no existe.
  • Alternar entre TEXT, SUPER, INSERT y una sangría propia para una misma conversación en un dispositivo.
  • Reproducir detalles decorativos de la interfaz que no cambian el momento narrativo.
  • No identificar al remitente cuando el público necesita ese dato.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Prefiere un patrón sencillo basado en la acción, que siga siendo legible en PDF y no dependa del color, de una tipografía especial ni de un gráfico con forma de dispositivo.

Versión de producción

Si la interfaz exacta, el tiempo o la redacción se convierten en un requisito de gráficos de pantalla, la producción puede añadir detalles de diseño y de plano sin cambiar la información de la historia de la versión enviada.

Trabajar en Plot

En Plot, escribe el rótulo del mensaje y sus palabras como acción y reserva el diálogo para lo que alguien dice en voz alta. El intercambio se lee igual en el editor, en el PDF y en el FDX, así que todos ven los mensajes tal como los escribiste.

Preguntas de guionistas

¿Los mensajes de texto se escriben como diálogo?

Solo cuando una voz los lee en alto. Un mensaje mudo que el público lee en pantalla va en la acción; ponerlo bajo un nombre de personaje le dice al lector que alguien está hablando.

¿Cómo doy formato a una conversación por mensajes?

Presenta el teléfono una vez y luego da a cada mensaje su propia línea de acción con un rótulo corto y repetido, como TEXT FROM ELI o MARA’S TEXT. El rótulo constante permite al lector recorrer el intercambio sin una interfaz de teléfono dibujada.

¿Puedo usar SUPER para un mensaje de texto?

Elige un patrón por dispositivo y mantenlo. SUPER suele indicar palabras sobreimpresas en la imagen, como un rótulo de lugar; mezclarlo con TEXT e INSERT para el mismo teléfono obliga al lector a detenerse a descifrar tu convención.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

4. Montaje

Cómo dar formato a un montaje en un guion

Anuncia el montaje, ordena sus momentos visuales en la acción y ciérralo con claridad cuando el lector no sabría, si no, dónde vuelve el flujo normal de escenas.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Para un montaje corto en un solo lugar, suele bastar una introducción en mayúsculas en la acción seguida de momentos visuales concisos. Para un montaje más largo en varios lugares, marca el inicio, da a cada momento un minirrótulo o una indicación de lugar inequívoca y marca el final. El formato debe revelar la lógica visual de la secuencia, no dictar cada corte.

En la página

Un montaje en varios lugares con un límite claro

MONTAGE - MARA LEARNS THE ROUTE

— PLATFORM: She times the final train.

— SERVICE TUNNEL: She marks each locked gate.

— ROOFTOP: The harbor lights blink out, one row at a time.

END MONTAGE

Práctica actual

Ajusta el contenedor a la secuencia

Depende del contexto

Un montaje de una frase no necesita un bloque formal. Una secuencia compleja gana con marcas visibles de inicio y final y con momentos que indican el lugar. Ambas opciones se aceptan cuando el lector puede seguir el tiempo, el lugar y la progresión.

Variantes aceptadas

Montaje en una línea

Opción habitual

Usa una sola frase de acción cuando la secuencia es repetitiva, breve y no necesita momentos narrativos distintos; por ejemplo, una serie de audiciones fallidas.

Minirrótulos o encabezados de escena completos

Depende del contexto

Los minirrótulos mantienen compacta una secuencia rápida. Los encabezados completos son más claros cuando los lugares importan para el plan de rodaje, la secuencia tiene diálogo o cada momento funciona como una escena.

SERIES OF SHOTS

Opción habitual

Algunos guionistas usan SERIES OF SHOTS para imágenes relacionadas que no implican la misma compresión del tiempo. Los términos se solapan en la práctica, así que describe la progresión que buscas en lugar de confiar solo en el encabezado.

Donde los guionistas sensatos discrepan

No existe una plantilla de montaje obligatoria. El límite útil es la comprensión del lector: la secuencia debe mostrar qué cambia, dónde ocurre y cuándo vuelve el flujo normal de escenas.

Errores que conviene evitar

  • Escribir momentos genéricos que repiten el encabezado sin mostrar una progresión.
  • Cambiar de lugar sin rótulos, lo que obliga al lector a reconstruir la geografía.
  • Usar decenas de encabezados de escena completos en una secuencia cuyo propósito es la velocidad, o comprimir escenas importantes para la producción en guiones vagos.
  • Abrir un bloque de montaje formal y no señalar nunca su final.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Una versión para enviar debe pensar en la experiencia del lector. Mantén la secuencia ágil, visual y concreta; evita describirla plano a plano, salvo que un plano sea en sí el momento narrativo.

Versión de producción

Cuando cada momento del montaje necesita su propio plan de rodaje, lugar, reparto o número de escena, conviértelos en encabezados de escena que la producción reconozca, en coordinación con el equipo de producción.

Trabajar en Plot

En Plot, las marcas MONTAGE y END MONTAGE y cada momento con guion son acción. Da a un momento un encabezado de escena completo cuando su lugar debe figurar en la lista de escenas y en el desglose; déjalo como minirrótulo en la acción cuando importa más el ritmo de lectura.

Preguntas de guionistas

¿Qué diferencia hay entre un montaje y una serie de planos?

Los términos se solapan. Por lo general, MONTAGE se usa para una secuencia que comprime el tiempo o muestra un avance, y SERIES OF SHOTS para imágenes relacionadas que no implican la misma compresión. Describe la progresión que quieres en lugar de confiar en que el encabezado la transmita.

¿Tengo que escribir END MONTAGE?

Solo cuando el lector podría no ver dónde vuelve el flujo normal de escenas. Un montaje de una línea no necesita marca de final; un bloque más largo en varios lugares debería cerrarse con END MONTAGE o con un encabezado de escena que tome el relevo con claridad.

¿Puede un montaje incluir diálogo?

Puede, pero una línea de diálogo suele indicar que un momento funciona como una escena. Cuando un momento necesita palabras, un lugar que importa o su propio sitio en el plan de rodaje, dale un encabezado de escena completo en lugar de un minirrótulo con guion.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

5. Flashbacks

Cómo dar formato a flashbacks y secuencias de recuerdos

Haz explícito el salto temporal en el encabezado de escena o en la acción, y vuelve con claridad al presente cuando la transición podría pasar desapercibida.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Para un flashback de una sola escena, nombra el salto temporal en el encabezado de escena con TEN YEARS EARLIER, una fecha u otra indicación concreta, y haz igual de claro el encabezado de regreso con PRESENT cuando haga falta. Para una imagen breve, puede bastar una indicación en la acción. Si hay más de una escena en el pasado, usa un bloque claramente rotulado con FLASHBACK y END FLASHBACK para que quien lee nunca tenga que adivinar qué línea temporal está activa.

En la página

Un salto temporal de una escena, nombrado en ambos encabezados

EXT. HARBOR ROAD - NIGHT - TEN YEARS EARLIER

A younger Mara watches the ferry pull away.

MARA

Wait.

INT. LAST TRAIN - NIGHT - PRESENT

The closing doors snap Mara back to the present.

Práctica actual

Nombra el salto temporal en el primer punto de ambigüedad

Opción habitual

Quien lee debe reconocer el paso al pasado antes de interpretar la escena. Un sufijo en el encabezado sirve para una escena; para una secuencia son más seguras unas marcas explícitas de inicio y final.

Variantes aceptadas

Sufijo en el encabezado

Depende del contexto

Añade FLASHBACK, YEARS EARLIER o una fecha concreta al encabezado de escena cuando una sola escena lleva el salto temporal y el regreso queda claro con el encabezado siguiente.

Bloque de flashback

Opción habitual

Usa FLASHBACK y END FLASHBACK alrededor de varias escenas o cuando el marco del presente se retoma sin un encabezado que lo explique por sí solo.

Imagen breve de un recuerdo

Depende del contexto

Una indicación corta en la acción como A FLASH OF: puede llevar una sola imagen sin fabricar una escena completa. Vuelve de inmediato a la acción en curso.

Donde los guionistas sensatos discrepan

Algunos guionistas ponen los flashbacks en cursiva o usan transiciones como BACK TO PRESENT. Esos recursos pueden ayudar, pero son opcionales. La tipografía por sí sola es una señal temporal débil, porque puede perderse al importar o exportar.

Errores que conviene evitar

  • Revelar que una escena era un flashback solo después de que quien lee la haya interpretado mal.
  • Confiar en la cursiva durante varias páginas sin una indicación de tiempo en el texto.
  • Usar FLASHBACK, DREAM, MEMORY y VISION indistintamente cuando la historia los distingue.
  • Dejar una secuencia de varias escenas sin un regreso explícito al presente.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Usa la mínima notación que haga inmediata la línea temporal. Nadie debería necesitar colores, marcas de revisión ni metadatos de producción para entender la transición.

Versión de producción

Las escenas de época pasada suelen afectar al reparto, el vestuario, la dirección de arte y el desglose de localizaciones. Mantén encabezados de escena completos donde esas diferencias tengan que seguir visibles para los sistemas de producción.

Trabajar en Plot

En Plot, pon el salto temporal de una escena directamente en su encabezado de escena, como TEN YEARS EARLIER, y haz el regreso igual de explícito: la lista de escenas muestra entonces exactamente dónde sale la historia del presente y dónde vuelve. Para una secuencia más larga, enmarca escenas normales con marcas en la acción.

Preguntas de guionistas

¿Debo escribir FLASHBACK en el encabezado de escena?

Funciona para una sola escena, pero una indicación concreta como TEN YEARS EARLIER o una fecha suele decirle más a quien lee. Cuando varias escenas del pasado van seguidas, enmárcalas con FLASHBACK y END FLASHBACK para que nunca haya dudas sobre la línea temporal activa.

¿Cómo vuelvo al presente después de un flashback?

Haz el regreso tan explícito como la salida: un encabezado de escena marcado con PRESENT, una línea END FLASHBACK o un encabezado cuyo momento y lugar sean inequívocamente actuales. Nadie debería descubrir que una escena era del pasado solo después de haberla leído mal.

¿Una secuencia onírica se formatea como un flashback?

La mecánica es parecida (marca dónde empieza y dónde vuelve la realidad), pero rotula un sueño como sueño. Las historias suelen tratar de forma distinta el recuerdo y la imaginación, y quien confunde uno con otro lee mal la escena.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

6. Portadas y anonimato

Portadas de guion y envíos anónimos

Conserva una portada principal con autoría y datos de contacto, pero crea un PDF anónimo aparte siempre que las bases de la convocatoria vigente lo pidan.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Una portada habitual de guion especulativo suele llevar el título, el crédito de escritura, el nombre de quien escribe y los datos de contacto. Los programas anónimos son una excepción, no una regla universal de portada: sigue las instrucciones vigentes de esa convocatoria concreta y elimina los datos identificativos en todos los lugares que indiquen. Conserva una versión principal con tu nombre para que una exportación anónima nunca sea tu única copia.

En la página

Una portada principal convencional con nombre

NIGHT FERRY

Written by

Mara Example

Mara Example mara@example.com

Práctica actual

Las instrucciones de envío mandan sobre los consejos genéricos

Práctica en cambio

Los programas cambian de socios, plataformas, requisitos y formatos de archivo. Vuelve a revisar las bases oficiales justo antes de exportar; no te fíes de la lista del año anterior ni de la política de anonimato de otro concurso.

Variantes aceptadas

Versión principal con nombre

Muy esperado

Mantén en la versión de trabajo una portada completa con el guionista o el equipo exacto que figura en los créditos y un medio de contacto actualizado.

Copia anónima para enviar

Depende del contexto

Cuando las bases exigen lectura a ciegas, exporta una copia aparte sin los datos de identidad indicados. Revisa encabezados, pies de página, nombre del archivo, metadatos del PDF y líneas de contacto de la portada, no solo el nombre centrado.

Registro y datos de versión opcionales

Depende del contexto

Los números de registro, la representación, los créditos de origen y las fechas de versión solo van cuando ayudan al destinatario o los pide una plantilla facilitada. Mantén el título y la autoría centrados y los datos de contacto legibles abajo a la izquierda.

Donde los guionistas sensatos discrepan

Los datos opcionales (números de registro, avisos de copyright, representación, etiquetas de versión, imágenes o tipografía decorativa) varían según el mercado y el destinatario. Una portada sobria se lee bien en todas partes; una plantilla de envío obligatoria siempre manda.

Errores que conviene evitar

  • Dar por hecho que todos los concursos son anónimos, o que ninguno lo es.
  • Quitar el nombre pero dejar datos de contacto, encabezados, nombres de archivo o metadatos del PDF que te identifican.
  • Sobrescribir la versión principal con nombre con la copia para lectura a ciegas.
  • Añadir logotipos, ilustraciones o tipografía que una plataforma rechaza o que dificultan la lectura de la portada.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Trata la página oficial de la convocatoria y la plataforma como el contrato vigente. Comprueba en cada envío el anonimato, el número de páginas, el nombre de los archivos, el tamaño del PDF, la autoría y las declaraciones sobre el uso de IA.

Versión de producción

Las versiones de producción usan autoría identificada, fechas de versión, información de revisiones y controles de distribución. No lleves a la versión principal de producción las omisiones que exige la lectura a ciegas de un concurso.

Trabajar en Plot

La revisión previa al envío de Plot comprueba la portada, la autoría, los datos de contacto y el número de páginas antes de que envíes. Para una lectura a ciegas, desactiva la portada visible y las propiedades de archivo de título y autor: el PDF sale sin ningún nombre, ni en sus páginas ni en sus propiedades, y con un nombre de archivo neutro, mientras los datos de tu portada se quedan en la versión para el siguiente envío.

Preguntas de guionistas

¿Qué lleva la portada de un guion?

El título, un crédito de escritura como Written by, el nombre de quien escribe y los datos de contacto abajo a la izquierda. Los números de registro, la representación y las fechas de versión son opcionales y solo van cuando ayudan al destinatario o los pide una plantilla facilitada.

¿La portada de un guion especulativo debe llevar fecha de versión?

Solo si la pide el destinatario o una plantilla facilitada. Las fechas de versión y de revisión son útiles de verdad en las versiones de producción, donde circulan varias a la vez; quien evalúa un guion especulativo rara vez necesita una.

¿Cómo hago anónimo un guion para un concurso?

Exporta una copia aparte y elimina todos los datos identificativos que mencionan las bases: el nombre y las líneas de contacto de la portada, los encabezados y pies de página, el nombre del archivo y las propiedades del documento PDF. Deja intacta la versión principal con nombre para que la copia anónima nunca sea tu única versión.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

Siguientes pasos

  • Centro de envíos de guiones

    Perfiles fechados de becas y concursos, con sus reglas actuales sobre archivos y anonimato.

    https://www.inkwell.software/es/resources/submissions

7. Números de escena y producción

Cómo numerar las escenas de un guion para producción

Cuándo añadir números de escena, cómo funcionan las páginas bloqueadas y las escenas A/B, y por qué los guiones especulativos suelen omitirlos. Con ejemplos y pautas de revisión.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Una versión para enviar o para leer normalmente no necesita números de escena. Numera las escenas cuando la versión entra en un flujo de producción o cuando un destinatario lo pide expresamente. Después de numerar y bloquear las páginas, conserva las identidades existentes: las escenas insertadas reciben sufijos y las eliminadas siguen contabilizadas, en lugar de obligar a cada departamento a adoptar referencias nuevas.

En la página

Números de escena de producción en ambos márgenes
Escena 24: INT. ARCHIVE - NIGHT

Mara opens the blue box.

Escena 24A: INT. ARCHIVE STAIRWELL - CONTINUOUS

Footsteps climb toward her.

Escena 25: OMITTED

Práctica actual

Las referencias estables importan más que una renumeración ordenada

Propio de la producción

Planes de rodaje, órdenes de rodaje, desgloses, separatas y notas de los departamentos remiten a las identidades de escenas y páginas. Una vez que esas referencias circulan, conservarlas evita que una revisión vuelva ambiguos todos los documentos relacionados.

Variantes aceptadas

Versión especulativa o de envío sin numerar

Muy esperado

Salvo que un destinatario pida números, mantén limpia la copia de lectura. Los números de escena y los restos de páginas bloqueadas sugieren un estado de producción que la mayoría de quienes leen un envío no necesitan.

Los números aparecen en ambos márgenes

Propio de la producción

Por convención, un guion de rodaje repite cada número de escena a la izquierda y a la derecha de su encabezado. Así la referencia se ve desde cualquier lado de una página impresa o anotada.

Escenas insertadas y eliminadas

Propio de la producción

Las escenas nuevas suelen recibir sufijos entre los números existentes. Las escenas de producción eliminadas se quedan marcadas como OMITTED para que el equipo sepa que el número se quitó a propósito y no falta por error.

Donde los guionistas sensatos discrepan

Algunos guionistas numeran sus versiones privadas para orientarse, y algunas plantillas de series o encargos exigen números antes. Esa comodidad local es distinta de bloquear un guion de rodaje ya distribuido; sigue el flujo de quien lo recibe, que es quien decide cuándo un guion está en producción.

Errores que conviene evitar

  • Numerar un guion especulativo porque parece más profesional, aunque ningún destinatario lo haya pedido.
  • Renumerar todas las escenas posteriores tras una inserción cuando los planes de rodaje y los desgloses ya citan los números antiguos.
  • Borrar una escena de producción numerada sin una marca OMITTED.
  • Confundir la paginación bloqueada con una protección por contraseña o una aprobación editorial.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Exporta un PDF sin numerar, salvo que la convocatoria, la beca, el estudio o el trabajo de clase pida expresamente una versión numerada. Quita los restos de revisiones de producción que el destinatario no haya pedido revisar.

Versión de producción

Coordina la numeración, el bloqueo de páginas, las páginas A, las escenas eliminadas, los juegos de revisiones y las fechas de distribución con la coordinación de guion o la oficina de producción, que decide cuándo una versión se distribuye oficialmente.

Trabajar en Plot

Plot mantiene limpia una copia de lectura y estable una versión de producción. Un PDF de versión de autor no imprime números de escena, y la revisión previa al envío señala los que haya en una copia que vas a enviar. Cuando el guion entra en producción, abre Ajustes del documento y elige Aplicar numeración. Las referencias existentes no cambian y las escenas insertadas reciben números con letra, como 24A. Bloquea la versión: las páginas de revisión imprimen los números en ambos márgenes, marcan cada línea revisada con un asterisco e indican el color y la fecha de la revisión en el encabezado de página. Los números aparecen en la lista de escenas y llegan a la oficina de producción a través del FDX.

Preguntas de guionistas

¿Cómo añado números de escena en Inkwell Plot?

Abre Ajustes del documento desde la barra lateral Documento o la paleta de comandos, revisa la vista previa en la pestaña Guion y elige Aplicar numeración. Plot conserva las referencias existentes y da a las escenas insertadas números con letra, como 24A. Un solo Deshacer revierte la numeración. Los números pasan al FDX; un PDF de versión de autor sigue sin numerar, mientras que una revisión de producción bloqueada los imprime en ambos márgenes.

¿Cómo añado números de escena en Final Draft?

Elige Scene Numbers en el menú Production. Elige Scene Heading como elemento, activa Number/Renumber, fija el número inicial y confirma. El inicio predeterminado es 1. Si solo quieres numerar desde el cursor en adelante, activa Number from Current Scene. Final Draft numera cuando ejecutas este comando; no numera automáticamente cada escena nueva mientras escribes.

¿Cómo conservo los números de escena existentes al añadir una escena en Final Draft?

En Final Draft, elige Scene Numbers en el menú Production con Keep Existing Numbers activado. Las referencias existentes se mantienen y las escenas insertadas reciben sufijos con letra entre ellas. Comprueba esa opción antes de confirmar: renumerar una versión ya distribuida puede invalidar referencias en planes de rodaje, separatas y desgloses.

¿Cómo oculto los números de escena sin borrarlos en Final Draft?

En Final Draft, elige Scene Numbers en el menú Production, abre Options y desactiva la visualización de los números a la izquierda y a la derecha. Los números siguen asignados y pueden volver a mostrarse. Remove Numbers, en cambio, borra las asignaciones. Para una copia de envío, exporta un PDF aparte con los números ocultos y revisa las páginas resultantes.

¿Debe un guion especulativo tener números de escena?

Normalmente no. Deja sin numerar una versión de lectura salvo que el destinatario pida números. Los números de escena indican una versión de producción, en la que los planes de rodaje, las órdenes de rodaje y los desgloses necesitan referencias estables.

¿Qué pasa con los números de escena si se añade una escena después del bloqueo?

La escena nueva recibe un sufijo entre los números existentes (una escena insertada después de la 24 pasa a ser la 24A), así que todos los números posteriores, y todos los documentos que ya citan alguno, siguen siendo válidos.

¿Qué significa OMITTED en un guion de rodaje?

Que se eliminó una escena numerada. Su número se queda en su sitio marcado como OMITTED para que el equipo sepa que se quitó a propósito y que las escenas siguientes conservan los números que todos ya usan.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

Siguientes pasos

8. Diálogo doble y superpuesto

Cómo dar formato al diálogo doble en un guion

Da formato a dos personajes que hablan a la vez, crea diálogo doble en Inkwell Plot o Final Draft y decide cuándo una interrupción funciona mejor como diálogo apilado.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Usa el diálogo doble cuando dos personajes hablan a la vez y quien lee necesita vivir las dos intervenciones al mismo tiempo. Coloca uno junto al otro los dos bloques completos de nombre de personaje y diálogo. Para una interrupción, una superposición breve o un personaje que corta a otro, mantén el diálogo apilado y usa una raya o un breve beat de acción; las columnas lado a lado sugieren una simultaneidad sostenida, no solo un intercambio rápido.

En la página

Dos intervenciones que llegan al mismo tiempo

INT. SERVICE ELEVATOR - NIGHT

The elevator shudders to a stop.

MARA y ELI hablan a la vez.

MARA

Don't touch the red button.

ELI

Which one is the emergency brake?

The red button lights by itself.

Práctica actual

Reserva las columnas para una simultaneidad que importe

Opción habitual

El diálogo doble es una convención visual conocida para el habla simultánea. Como dos columnas frenan la vista y complican la paginación, funciona mejor cuando oír ambas líneas juntas crea el chiste, el conflicto o la información de la que depende el momento.

Variantes aceptadas

Una línea cortada

Opción habitual

Termina la intervención interrumpida con una raya y coloca debajo el nombre de quien interrumpe. El orden vertical le dice a quien lee exactamente cuándo cambia el control del intercambio.

Superposición breve

Depende del contexto

Una acotación corta como “overlapping” puede aclarar un momento que empieza antes de que termine del todo la línea anterior, pero que no justifica dos columnas sostenidas.

Ritmo del diálogo en un guion bloqueado

Propio de la producción

Una producción puede anotar una superposición precisa o un diálogo repartido para la grabación y la cobertura. Cuando la serie ya tiene su guion y su flujo de sonido establecidos, síguelos.

Donde los guionistas sensatos discrepan

Los guionistas no coinciden en cuánto debe durar una superposición para que el diálogo doble justifique su peso visual. La prueba útil no es un número de líneas: si el público debe oír ambas intervenciones como un solo momento simultáneo, las columnas ayudan; si una línea interrumpe o responde a la otra, el diálogo apilado suele ser más claro.

Errores que conviene evitar

  • Usar diálogo doble para un intercambio rápido que sigue siendo secuencial.
  • Meter a tres o más personajes en columnas improvisadas que se vuelven ilegibles o fallan al exportar.
  • Empezar un bloque lado a lado sin dejar claro qué diálogo pertenece a cada personaje.
  • Usar a la vez una acotación, una raya y diálogo doble para comunicar tres veces la misma superposición.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Usa el diálogo doble con moderación en una versión de lectura y revisa el PDF exportado en el salto de página real. Si una interrupción se lee con claridad en diálogo apilado, prefiere la solución más ligera.

Versión de producción

Conserva la estructura de diálogo emparejado cuando el guion entra en producción, porque puede afectar al ritmo de la interpretación, a la cobertura y al sonido. Coordina los cambios tardíos de paginación en una versión bloqueada.

Trabajar en Plot

En Plot, escribe las dos intervenciones como diálogo normal, pon el cursor en la primera y pulsa ⌘D. Plot las empareja como diálogo doble, el PDF las imprime lado a lado y el par viaja a Final Draft y vuelve como diálogo lado a lado.

Preguntas de guionistas

¿Cómo creo diálogo doble en Inkwell Plot?

Escribe en Plot los dos nombres de personaje y sus intervenciones uno detrás de otro, pon el cursor en la primera intervención y activa el diálogo doble. En Mac, pulsa Comando + D. Plot empareja las intervenciones, las imprime lado a lado en el PDF y conserva el par al importar desde Final Draft y al exportar. Vuelve a activarlo para regresar al diálogo apilado.

¿Cómo creo diálogo doble en Final Draft?

Escribe los dos nombres de personaje y sus intervenciones uno detrás de otro. Pon el cursor en el nombre del primer personaje y elige Dual Dialogue en el menú Format. Los atajos de la versión de escritorio son Comando + D en Mac y Control + Alt + D en Windows. Las dos intervenciones aparecen entonces lado a lado; revisa el PDF exportado si el intercambio llega a un salto de página.

¿Cómo se escribe a dos personajes hablando a la vez?

Coloca sus intervenciones lado a lado como diálogo doble: cada nombre de personaje con sus líneas en su propia columna, las dos empezando a la misma altura. Úsalo solo cuando el público deba oír ambas intervenciones a la vez. Para una interrupción, apila las líneas y corta al primer personaje con una raya.

¿Puede el diálogo doble tener más de dos personajes?

El diálogo doble estándar tiene dos columnas. Para tres o más voces a la vez, describe la superposición en la acción o usa un nombre compartido como ALL para una línea dicha a coro, en lugar de improvisar columnas adicionales que se vuelven ilegibles o fallan al exportar.

¿Qué significa (overlapping) bajo un nombre de personaje?

Que la línea empieza antes de que termine el personaje anterior. Sirve para una superposición breve que no justifica dos columnas sostenidas: quien lee oye cómo una intervención se echa encima de la siguiente, en lugar de dos que corren juntas.

¿El diálogo doble sobrevive al paso entre Final Draft y Plot?

Sí. Las intervenciones emparejadas de un archivo de Final Draft se importan en Plot como un par y vuelven a exportarse a FDX como diálogo lado a lado, así que las columnas siguen siendo columnas cuando la oficina abre el archivo.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

Siguientes pasos

  • Ver el diálogo doble en dos columnas

    Carga el ejemplo incluido o tu propio FDX y revisa las intervenciones emparejadas antes de imprimir o convertir el borrador.

    https://www.inkwell.software/es/tools/screenplay-converter

  • Fountain y Final Draft: qué sobrevive al cambio

    Elemento por elemento: cómo entra en Plot todo lo demás de un archivo de Final Draft y cómo vuelve a salir.

    https://www.inkwell.software/es/resources/interop

9. Idioma extranjero y subtítulos

Cómo dar formato al diálogo en otro idioma y a los subtítulos

Indica qué idioma se habla y si el público lo entiende, y escribe la traducción legible sin repetir la indicación en cada línea.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Cuando el público entiende el diálogo gracias a los subtítulos, establece el idioma hablado en la acción o con una acotación y escribe el diálogo traducido en el idioma de lectura del guion. Indica que está subtitulado cuando esa experiencia importa. Cuando el público no debe entenderlo, describe el idioma y la reacción de quien escucha en lugar de dar una traducción que el espectador nunca recibirá.

En la página

Establece el idioma una vez y deja que la escena se lea

INT. NIGHT MARKET - NIGHT

Mara answers the vendor in Mandarin. Their exchange is SUBTITLED.

MARA

Who sold you this watch?

VENDOR

Someone who knew you'd come.

Práctica actual

Escribe para lo que el público puede entender

Depende del contexto

El guion normalmente sigue siendo legible para quien debe leerlo, mientras una indicación breve define el idioma que se oye en pantalla. La escena también debe dejar claro si el público recibe subtítulos, una comprensión parcial o ninguna traducción.

Variantes aceptadas

Una sola indicación para todo el intercambio

Opción habitual

Una línea de acción que establece el idioma y los subtítulos puede regir el diálogo siguiente hasta que cambien el idioma o la relación con el público.

Un recordatorio en el personaje

Depende del contexto

Usa una acotación breve como “en francés” cuando un personaje cambia de idioma a mitad de escena o el cambio podría pasar desapercibido. Repetirla bajo cada nombre solo añade ruido.

Habla sin traducir a propósito

Depende del contexto

Si lo importante es que un personaje de punto de vista no entiende, describe lo que se dice y cualquier palabra o reacción reconocible en lugar de dar al lector una falsa traducción completa.

Donde los guionistas sensatos discrepan

Algunos borradores usan una extensión junto al nombre del personaje, otros la primera acotación y otros establecen el idioma en la acción. Todas las opciones pueden leerse con claridad. La distinción importante es entre el idioma que se habla y la información que recibe el público; no hay que pedirle a la tipografía sola que explique ambas cosas.

Errores que conviene evitar

  • Escribir cada línea traducida en un idioma que el lector previsto del guion no puede evaluar.
  • Añadir “en francés” bajo cada nombre de personaje cuando el idioma ya está establecido.
  • Usar V.O. para indicar otro idioma; V.O. describe la relación de la voz con la escena que se ve, no su idioma.
  • Dar el diálogo traducido cuando la historia depende de que el público no lo entienda.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Escribe el borrador en el idioma que exige el destinatario y haz legible cualquier otro idioma hablado con una convención de traducción coherente. Revisa las normas de envío actuales antes de mandar un guion multilingüe.

Versión de producción

Una versión de producción puede añadir notas de traducción, dialecto, subtítulos y localización fuera del flujo de lectura. Confirma la redacción final con los especialistas en el idioma en lugar de tratar la traducción del envío como diálogo bloqueado.

Trabajar en Plot

En Plot, establece el idioma hablado una sola vez (en la acción o en una acotación breve en la primera línea) y escribe lo que se dice traducido como diálogo normal. El intercambio se lee como una sola conversación en el editor, el PDF y el FDX, y V.O. y O.S. siguen indicando de dónde viene cada voz.

Preguntas de guionistas

¿El diálogo en otro idioma debe escribirse en ese idioma?

Normalmente no. Escribe el diálogo en el idioma de lectura del guion y establece qué idioma se habla en realidad. La excepción es lo que el público no debe entender: descríbelo, junto con la reacción de quien escucha, en lugar de traducirlo.

¿Cómo indico que un diálogo está subtitulado?

Dilo una vez (en la acción, como “Their exchange is SUBTITLED.” en el ejemplo, o en una acotación en la primera línea) y deja correr el diálogo traducido. Repite la nota solo cuando cambien el idioma o lo que entiende el público.

¿Necesito (en francés) bajo cada nombre de personaje?

No. Establece el idioma una vez para el intercambio y añade una acotación junto al nombre solo cuando un personaje cambie de idioma a mitad de escena o el cambio pueda pasar desapercibido.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

10. Insertos, pantallas y textos

Cómo dar formato a un plano INSERT, a pantallas y a cartas

Pon en la acción las palabras exactas que el público debe leer y usa un INSERT solo cuando el cambio de énfasis visual sea importante en sí mismo.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Presenta el objeto o la pantalla en la acción y reproduce solo las palabras que el público debe poder leer. Usa un rótulo claro como INSERT — THE NOTE u ON MARA’S LAPTOP cuando importe el plano cercano; si no, deja la información en un párrafo de acción normal. Vuelve a la escena con acción en lugar de añadir un nuevo encabezado de escena principal para un plano cercano dentro del mismo lugar.

En la página

Una línea clave para la historia en una pantalla

INT. ARCHIVE - NIGHT

Mara opens the recovered email.

INSERT - LAPTOP SCREEN

SUBJECT: HARBOR CAMERA 4

Delete the footage before sunrise.

Mara checks the clock: 5:41 A.M.

Práctica actual

Separa la información legible de la decoración de la interfaz

Opción habitual

Quien lee necesita las palabras exactas que cambian la escena y el contexto suficiente para saber dónde aparecen. Rara vez necesita cada menú, marca de tiempo, icono, encabezado de correo o decisión de diseño gráfico que rodea esas palabras.

Variantes aceptadas

Dentro de la acción

Opción habitual

Un cartel, un titular o una nota corta pueden quedarse en el párrafo de acción cuando se leen con naturalidad y no requieren un beat visual propio.

Un INSERT propio

Depende del contexto

Da al objeto su propia línea de plano en mayúsculas cuando importan la atención cercana del público, el momento de la revelación o la vuelta a la escena que lo rodea.

Correspondencia más larga

Depende del contexto

Resume lo que se lee por encima y cita solo las líneas que deben leerse literalmente. Puede acompañarla una voz en off cuando la película realmente usa una voz, pero el texto escrito no es diálogo por defecto.

Donde los guionistas sensatos discrepan

INSERT, ON SCREEN, CLOSE ON y un simple rótulo en la acción aparecen en guiones profesionales. La elección es en parte de tono y en parte de énfasis. Un guion especulativo puede ser visualmente enfático cuando la revelación depende del encuadre, pero la información escrita rutinaria no se vuelve más clara solo porque se rotule como un plano.

Errores que conviene evitar

  • Crear un nuevo encabezado de escena INT./EXT. para un plano cercano que nunca sale del lugar establecido.
  • Dar formato de diálogo a palabras mudas, lo que le dice a quien lee que las oiga pronunciadas.
  • Copiar un correo, un artículo o una interfaz completos cuando solo una línea afecta a la historia.
  • Depender del color, de un falso marco de dispositivo o de una tipografía diminuta que quizá no sobreviva a la exportación a PDF.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Mantén el texto escrito legible en un PDF normal con el zoom habitual y cita solo el texto esencial para la historia. Evita capturas de pantalla incrustadas o interfaces decorativas de imitación, salvo que el destinatario lo permita expresamente.

Versión de producción

Los gráficos de pantalla, las autorizaciones, la localización, las marcas de tiempo exactas y el comportamiento de los dispositivos pueden requerir un flujo de producción aparte. Conserva en el guion las palabras aprobadas mientras esos departamentos afinan el diseño final de la pantalla.

Trabajar en Plot

En Plot, escribe la línea del inserto y las palabras legibles como acción, y reserva el diálogo para lo que se oye. El plano cercano se queda dentro de su escena, así que la lista de escenas y el desglose cuentan un lugar, no uno nuevo.

Preguntas de guionistas

¿Qué es un INSERT en un guion?

Un plano cercano de algo que el público debe leer o notar (una nota, una pantalla, una fotografía) escrito en su propia línea en mayúsculas. Se queda dentro de la escena en curso, así que no necesita un nuevo encabezado de escena INT. o EXT.

¿Cómo vuelvo a la escena después de un inserto?

Sigue con una línea de acción, o escribe BACK TO SCENE cuando haya que señalar la vuelta. Evita añadir un nuevo encabezado de escena principal para un plano cercano que nunca salió del lugar.

¿Debo dar formato de diálogo a una carta o un correo electrónico?

Solo si una voz lo lee en alto. Las palabras que lee el público van en la acción. Cita solo las líneas que importan para la historia y resume lo que el personaje lee por encima.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

11. Acción continua y saltos temporales

Cómo dar formato a la acción continua, SAME, LATER y los saltos temporales en un guion

CONTINUOUS para un movimiento ininterrumpido hacia un lugar nuevo, SAME para el mismo momento y un simple beat de acción o una nueva indicación de tiempo para un salto real.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Usa CONTINUOUS cuando la acción pasa directamente de un lugar a otro sin cortes, por ejemplo al seguir a alguien a través de una puerta. Usa SAME cuando una escena nueva ocurre al mismo tiempo que la anterior pero no forma necesariamente un único movimiento continuo. Para un salto temporal real, indica en la acción cuánto tiempo ha pasado o usa una indicación clara como LATER en el encabezado de escena cuando quien lee entienda a qué se refiere; no uses CONTINUOUS solo porque dos escenas sean contiguas.

En la página

Un movimiento continuo y después un salto real

INT. ARCHIVE - NIGHT

Mara shoulders through the fire door.

EXT. ARCHIVE ROOF - CONTINUOUS

Rain catches her before the door slams shut.

THREE HOURS LATER

The rain has stopped. Mara has not moved.

Práctica actual

Nombra la relación temporal que vive el público

Opción habitual

CONTINUOUS describe una acción ininterrumpida que cruza el límite de un lugar; SAME, la simultaneidad; LATER o una línea de acción, el tiempo transcurrido. Elegir la relación exacta es más útil que variar las indicaciones por estilo.

Variantes aceptadas

Tiempo transcurrido en la acción

Opción habitual

Una línea de acción aparte, como THREE HOURS LATER, es directa y visible, y evita convertir una expresión relativa en un dato de localización para la producción.

LATER en el encabezado de escena

Depende del contexto

INT. ARCHIVE — LATER funciona cuando el lugar se vuelve a establecer y la referencia temporal anterior está lo bastante cerca para no dar lugar a dudas.

Un nuevo DAY o NIGHT

Depende del contexto

Usa una hora del día nueva y concreta cuando el salto cambia el periodo de rodaje o cuando LATER dejaría menos claros el plan de rodaje y la imagen.

Donde los guionistas sensatos discrepan

Algunos guionistas reservan CONTINUOUS para un plano literalmente continuo; otros lo usan de forma más amplia para la acción ininterrumpida entre espacios contiguos. Existen ambas lecturas. Si la diferencia afecta a la puesta en escena, describe el movimiento en sí para que la escena se entienda sin depender solo del sufijo.

Errores que conviene evitar

  • Usar CONTINUOUS como sinónimo de la siguiente escena en la página.
  • Usar SAME cuando la historia avanza en el tiempo; SAME comunica simultaneidad, no cercanía.
  • Escribir LATER después de una secuencia larga intermedia que deja confuso el punto de referencia.
  • Meter fechas, duraciones y explicaciones en cada encabezado de escena en lugar de usar la acción cuando corresponde.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Elige la indicación más breve que permita a quien lee imaginar cuándo ocurre la escena. A una versión de lectura le sirve más un movimiento temporal claro que especificar exhaustivamente las categorías del plan de rodaje.

Versión de producción

Las indicaciones de hora del día afectan al desglose y al plan de rodaje, así que una producción puede normalizar LATER, SAME, el amanecer o las secuencias continuas. Coordina esos cambios en lugar de revisar en silencio escenas bloqueadas.

Trabajar en Plot

En Plot, cada cambio de lugar es un encabezado de escena, y la indicación de tiempo que le das (CONTINUOUS, SAME, LATER) aparece junto al lugar en la lista de escenas. Pon un rótulo de tiempo transcurrido como THREE HOURS LATER en la acción, donde se lee como parte de la historia y no como la hora del día de una escena.

Preguntas de guionistas

¿Qué diferencia hay entre CONTINUOUS y SAME?

CONTINUOUS significa que la acción pasa sin cortes al nuevo lugar, como al seguir a alguien a través de una puerta. SAME significa que la escena nueva ocurre al mismo tiempo que la anterior, sin un movimiento continuo que las una.

¿Qué significa MOMENTS LATER en un encabezado de escena?

Un salto corto hacia delante, normalmente de vuelta a un lugar que quien lee acaba de ver. Úsalo cuando sea evidente respecto a qué es más tarde; para un intervalo más largo o menos obvio, di en una línea de acción cuánto tiempo ha pasado.

¿Puedo usar CONTINUOUS para escenas que simplemente se suceden?

No. Las escenas contiguas no son continuas por defecto. Reserva CONTINUOUS para la acción ininterrumpida en un cambio de lugar; en los demás casos usa una hora del día normal o LATER.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

12. Cold open, actos y tag

Cómo dar formato a cold opens, cortes de acto y tags en un guion de televisión

Sigue la plantilla actual de la serie: algunos episodios rotulan cada acto publicitario, y muchos guiones especulativos de streaming fluyen como un largometraje, sin cortes impresos.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Usa el formato actual de la serie o del destinatario para el que escribes. En un guion dividido en actos, pon TEASER o COLD OPEN y cada encabezado ACT en su propia línea centrada, normalmente al principio de una página nueva, y marca el final de un acto solo si la plantilla lo espera. Un TAG es una sección final breve después del último acto; en un guion dividido en actos empieza en una página nueva bajo su propio encabezado centrado, como un acto. No inventes cortes de acto para un formato de streaming o premium que no los usa.

En la página

Un corte rotulado en una plantilla episódica por actos

COLD OPEN

INT. SERVICE ELEVATOR - NIGHT

Every floor button lights at once.

END OF COLD OPEN


ACT ONE

INT. LOBBY - MORNING

Práctica actual

La plantilla del destinatario pesa más que cualquier número universal de actos

Práctica en cambio

Los guiones para cadenas en abierto, cable, streaming, single-camera y multicámara no comparten un mismo patrón de actos. La estructura publicitaria y el estilo de la casa cambian constantemente, así que un guion actual comparable o una plantilla facilitada son mejor prueba que una fórmula genérica basada en el número de páginas.

Variantes aceptadas

Escribir con el formato de una serie existente

Muy esperado

Para un episodio de muestra, sigue la estructura actual de los guiones producidos de la serie, incluidos sus rótulos, número de actos, mayúsculas y saltos de página.

Un piloto original

Depende del contexto

Elige el formato más verosímil para el mercado al que apuntas y mantenlo. Un cold open y un tag son herramientas narrativas, no adornos obligatorios para cualquier guion de media hora.

Formatos de streaming y premium

Práctica en cambio

Muchos guiones sin restricciones publicitarias omiten los cortes de acto impresos y conservan giros parecidos a actos. Las indicaciones actuales del destinatario deben decidir el formato de la página.

Donde los guionistas sensatos discrepan

El número de actos y las páginas objetivo se repiten a menudo como reglas, aunque varían según el canal, la época, la duración y la serie. Es razonable estructurar el mismo piloto de distintas formas; lo que no es flexible es fingir que una receta genérica de cuatro, cinco o seis actos representa todos los flujos de trabajo episódicos actuales.

Errores que conviene evitar

  • Copiar un número de actos de una guía genérica sin comprobar la serie o el destinatario.
  • Tratar COLD OPEN, TEASER y TAG como funciones narrativas intercambiables solo porque sus encabezados se parecen.
  • Añadir rótulos END OF ACT o saltos de página forzados que la plantilla elegida no usa.
  • Usar los márgenes de un largometraje para una entrega multicámara cuya plantilla facilitada tiene un espaciado y unas convenciones claramente distintos.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Revisa las indicaciones de la beca, la sala de guionistas, la clase o la representación sobre formato y límite de páginas, y compáralas con un guion actual de la serie más cercana. Usa actos rotulados solo cuando esa evidencia los respalde.

Versión de producción

En cuanto una serie controla el guion, sus coordinadores y plantillas rigen los rótulos de acto, los rótulos de escena, los saltos de página, las marcas de revisión y los encabezados. Conserva esa estructura de la casa en cada versión que se distribuya.

Trabajar en Plot

En Plot, escribe COLD OPEN, cada encabezado ACT y END OF ACT como texto centrado, y empieza cada acto en su propia página con un salto de página. Los rótulos de acto se mantienen separados de los encabezados de escena, así que la lista de escenas y el desglose solo siguen escenas reales, y el PDF y el FDX conservan cada corte donde lo pusiste.

Preguntas de guionistas

¿El tag empieza en una página nueva o puede compartir la página del último acto?

En un guion dividido en actos suele empezar en una página nueva. Trata el TAG como un acto más: cierra el último acto (con END OF ACT si tu plantilla lo usa) y abre el TAG bajo su propio encabezado centrado al principio de la página siguiente. En un guion sin cortes de acto impresos, la escena final simplemente sigue a las demás.

¿Qué diferencia hay entre un cold open y un teaser?

En el uso actual nombran lo mismo: la escena o escenas antes del primer acto. TEASER es el rótulo antiguo de las cadenas; COLD OPEN es habitual en las comedias y en muchos guiones actuales. Usa el rótulo que use la serie para la que escribes.

¿Necesito END OF ACT al final de cada acto?

Solo si lo usa la plantilla que sigues. Es habitual en muchos guiones divididos en actos, pero no obligatorio, y los guiones sin cortes de acto impresos lo omiten por completo.

¿Cuántos actos debe tener un guion de televisión?

Depende de la serie, del canal y de la época. Los episodios de las cadenas han usado varios números de actos distintos, y muchos guiones de streaming no imprimen ningún corte de acto. Ajústate a un guion actual de la serie o al formato que pide el destinatario, no a un número genérico.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

13. Pre-laps y puentes sonoros

Cómo dar formato a un pre-lap en un guion

Cuando el sonido de la escena siguiente llega antes que su imagen, escríbelo justo encima de su escena: (PRE-LAP) para una línea de diálogo y una línea PRE-LAP en la acción para un sonido.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Un pre-lap es sonido de la escena siguiente que empieza antes de que cortemos a ella. Para el diálogo, termina la escena saliente con el nombre del siguiente personaje que habla, marcado con (PRE-LAP), y su línea; después escribe el nuevo encabezado de escena. Para un efecto de sonido o música basta una sola línea de acción como PRE-LAP: A guitar chord is struck. En ambos casos, colócalo justo encima de la escena a la que pertenece.

En la página

Una línea de diálogo que llega antes que su escena

INT. MARA'S KITCHEN - NIGHT

Mara stares at the unopened letter.

ELI (PRE-LAP)

You opened it, didn't you?

INT. ELI'S CAR - MORNING

Eli waits at the curb, phone to his ear.

Práctica actual

Pon el sonido encima de la escena a la que pertenece

Opción habitual

Un pre-lap va al final de la escena saliente, justo antes del encabezado de la escena a la que pertenece el sonido. La marca le indica al lector que lo oiga antes; el encabezado que sigue le dice de dónde viene.

Variantes aceptadas

Pre-lap de diálogo

Opción habitual

Pon PRE-LAP entre paréntesis después del nombre del personaje, como se hace con V.O. u O.S., para que la línea se lea como diálogo que llega antes que su imagen.

Pre-lap de sonido o música

Depende del contexto

Escribe una línea de acción como PRE-LAP: A guitar chord is struck. La propia guía de Final Draft la pone en cursiva; la marca transmite el sentido por sí sola si la cursiva se pierde en una exportación posterior.

El montaje fija la superposición

Propio de la producción

Cuánto antes empieza realmente el sonido se decide en la sala de montaje. El guion recoge la intención; no mide la superposición en segundos ni en fotogramas.

Donde los guionistas sensatos discrepan

Algunos guionistas marcan un pre-lap como extensión del nombre del personaje, otros como una línea independiente y otros describen el puente en acción sencilla: oímos a Eli antes de verlo. Todas se leen con claridad cuando el lector sabe a qué escena pertenece el sonido. La diferencia es sobre todo tipográfica; lo que hace que funcione es la posición, justo encima del nuevo encabezado de escena.

Errores que conviene evitar

  • Colocar la línea adelantada después del nuevo encabezado de escena, donde se lee como diálogo normal de esa escena.
  • Marcar un pre-lap como V.O., lo que sugiere narración o una voz lejana en lugar de sonido que llega antes.
  • Recurrir al pre-lap en cada transición hasta que el recurso deja de notarse.
  • Medir la superposición en segundos o fotogramas, una decisión que corresponde al montaje.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Un pre-lap puede afinar una transición en un guion especulativo, pero sigue siendo un recurso. Úsalo donde la superposición aporta sentido, como una respuesta que llega antes de que termine la escena de la pregunta, y no como estilo de la casa para cada corte.

Versión de producción

En producción, el pre-lap se convierte en una nota para montaje y sonido. Mantén estables la línea y su posición en las páginas revisadas para que el montaje y el guion sigan de acuerdo sobre a qué escena pertenece el sonido.

Trabajar en Plot

En Plot, termina la escena saliente con el nombre del personaje y su línea, escribiendo (PRE-LAP) después del nombre: la línea cuenta como diálogo de ese personaje, y el nombre se imprime y se exporta a Final Draft tal como lo escribiste. Para un pre-lap de sonido o música, usa una línea de acción justo encima del siguiente encabezado de escena.

Preguntas de guionistas

¿Dónde va un pre-lap: antes o después del nuevo encabezado de escena?

Antes. La línea o el sonido adelantado va al final de la escena saliente, justo encima del encabezado de la escena de la que procede, para que el lector lo oiga antes y luego vea a dónde pertenece.

¿Un pre-lap es lo mismo que V.O.?

No. V.O. marca una voz que viene de fuera de la escena que vemos, como una narración. Un pre-lap es diálogo o sonido normal de la escena siguiente, que se oye un momento antes de cortar a ella.

¿Un pre-lap puede ser música o un efecto de sonido?

Sí. Escríbelo en una sola línea de acción, como PRE-LAP: A guitar chord is struck, justo encima de la escena a la que pertenece el sonido.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

14. Canciones y letras

Cómo dar formato a letras de canciones en un guion

Separa lo cantado de lo hablado (cursiva o mayúsculas, un verso por línea) y cita solo la letra que la escena necesita de verdad.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Pon el nombre del personaje que canta encima de la canción y da a cada verso cantado su propia línea para que se lea como verso y no como prosa. Separa el canto del habla con cursiva o mayúsculas, usa una sola convención para todas las canciones y añade la acotación (singing) la primera vez. Cita solo la letra que la escena necesita; si una canción suena de fondo, descríbela en la acción.

En la página

Un momento cantado separado del habla

INT. HARBOR BAR - NIGHT

Mara steps up to the microphone. The room keeps talking.

MARA

(singing)

The last ferry's leaving,

and I'm still on the pier.

The room goes quiet.

Práctica actual

Haz que el canto se vea distinto del habla

Opción habitual

Quien lee debe saber que una línea se canta antes de leerla. La cursiva o las mayúsculas, con cada verso cantado en su propia línea, lo consiguen; la elección importa menos que mantener una misma convención en todas las canciones del guion.

Variantes aceptadas

Letras en cursiva

Opción habitual

La cursiva bajo el nombre de quien canta mantiene la página tranquila y se lee claramente como canción. Guiones de musicales producidos han usado esta forma.

Letras en mayúsculas

Opción habitual

Las mayúsculas, un verso cantado por línea, son la otra convención de larga tradición. Destacan más en una página cargada y funcionan con cualquier tipografía.

Mencionar la canción en lugar de imprimirla

Depende del contexto

Cuando la música ya existe o suena bajo una escena, nombra la canción o descríbela en la acción. Algunos musicales escritos a la par que maquetas grabadas remiten a las pistas en lugar de imprimir cada letra.

Donde los guionistas sensatos discrepan

No hay una única forma correcta: musicales producidos han marcado las letras con cursiva, con mayúsculas e incluso con color. Quienes leen coinciden en dos cosas: las líneas cantadas y las habladas no deben verse iguales, y la convención elegida para la primera canción debe seguir valiendo en la última.

Errores que conviene evitar

  • Escribir las letras seguidas como un párrafo de prosa, lo que oculta su ritmo y sus saltos de línea.
  • Alternar entre cursiva y mayúsculas de una canción a otra.
  • Imprimir una canción existente completa cuando bastarían su título y una frase de descripción.
  • Dejar que el lector descubra que una línea se canta solo varios versos después.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Fuera de un musical, mantén breves las canciones en la página. Quien lee necesita la función dramática de la canción, no cada estrofa, y una descripción de una línea suele servir mejor a un guion especulativo que una letra impresa.

Versión de producción

Cualquier canción existente que use una producción tiene que contar con los derechos, y eso es tarea de la producción, no de la versión del guion. Las letras originales suelen cerrarse con el equipo de música, así que revísalas mediante el proceso normal de revisión del guion, como cualquier otro diálogo.

Trabajar en Plot

En Plot, pon el nombre del personaje que canta encima de la canción y usa el elemento Letra para cada verso cantado; Plot pone las letras en cursiva en la página y en el PDF para que se lean como canción y no como habla. Las letras llegan desde Final Draft como letras y vuelven a salir igual al FDX.

Preguntas de guionistas

¿Las letras van en cursiva o en mayúsculas?

Ambas opciones se aceptan. La cursiva se lee más discreta; las mayúsculas destacan más en una página cargada. Elige una y úsala en todas las canciones del guion, porque la coherencia es lo que le indica al lector que una línea se canta.

¿Escribo la letra completa de una canción existente?

Normalmente no. Nombra la canción y describe lo que hace en la escena. Imprimir una canción existente suma páginas sin sumar historia, y cualquier canción que use una producción tiene que contar con los derechos de todos modos.

¿Cómo escribo una canción que suena de fondo?

En la acción. Describe qué suena y cuándo importa (una rocola empieza una vieja balada) y cita un verso solo cuando las palabras mismas marcan un momento de la historia.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

Siguientes pasos

15. Secuencias oníricas

Cómo dar formato a una secuencia onírica en un guion

Deja claro quién sueña, marca dónde empieza y acaba el sueño y muestra la vuelta a la vigilia, para que un sueño nunca se confunda con la realidad de la historia.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Deja claro de quién es el sueño (normalmente mostrando al personaje dormido) y marca el comienzo con DREAM SEQUENCE, ya sea en su propia línea de acción o al final del encabezado de escena. Escribe el sueño con el formato de guion de siempre. Ciérralo con END DREAM SEQUENCE y muestra al personaje despertando, para que quien lee sepa exactamente cuándo vuelve la realidad.

En la página

Un sueño entre sus marcas y el momento de despertar

INT. MARA'S BEDROOM - NIGHT

Mara sleeps, the unopened letter on her chest.

DREAM SEQUENCE

EXT. HARBOR PIER - DAY

The ferry is already gone. The letter in Mara's hand is blank.

END DREAM SEQUENCE

INT. MARA'S BEDROOM - NIGHT

Mara jolts awake.

Práctica actual

Marca los límites y escribe con normalidad

Opción habitual

Dentro del sueño, los encabezados de escena, la acción y el diálogo funcionan igual que en cualquier otra parte. Lo que hace que se lea como un sueño es una marca clara en cada extremo y alguien que sueña a quien el lector pueda nombrar.

Variantes aceptadas

Marcas independientes

Opción habitual

DREAM SEQUENCE y END DREAM SEQUENCE en sus propias líneas de acción enmarcan un sueño que abarca varias escenas.

Marca en el encabezado de escena

Depende del contexto

Añadir la marca al encabezado (EXT. HARBOR PIER - DREAM SEQUENCE - DAY) sirve para un sueño que dura una escena. El final sigue necesitando una marca.

Cursiva de principio a fin

Depende del contexto

Algunos guionistas ponen todo el sueño en cursiva además de las marcas. Ayuda en la página, pero la cursiva puede perderse cuando un archivo cambia de formato, así que nunca debe ser la única señal.

Donde los guionistas sensatos discrepan

Los guionistas no se ponen de acuerdo sobre los sueños pensados para engañar al lector. Marcar el comienzo destapa el truco; ocultarlo arriesga que quien lee se sienta estafado cuando el personaje despierta. Si omites la marca, haz que el despertar sea inconfundible y asegúrate de que el sueño se gane igualmente su lugar en la historia.

Errores que conviene evitar

  • Empezar un sueño sin dejar claro de quién es.
  • Dejar a quien lee sin saber si el personaje ha despertado.
  • Usar DREAM SEQUENCE y FLASHBACK indistintamente cuando la historia trata de forma distinta la imaginación y el recuerdo.
  • Confiar solo en la cursiva para marcar el sueño.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

Mantén los sueños breves, salvo que sostengan la historia. Los lectores desconfían de los sueños usados para un susto fácil o para enunciar un tema, y unas marcas claras permiten juzgar la escena por lo que hace y no por si los confundió.

Versión de producción

Un sueño sigue siendo una escena que se rueda, con su propio lugar, reparto y hora del día. Los encabezados de escena completos dentro de él permiten que el desglose y el plan de rodaje lo traten como a cualquier otra escena.

Trabajar en Plot

En Plot, escribe DREAM SEQUENCE y END DREAM SEQUENCE como líneas de acción y mantén encabezados de escena normales dentro del sueño. Los lugares del sueño siguen siendo encabezados de escena reales, así que aparecen en la lista de escenas y en un desglose de producción como cualquier otra escena.

Preguntas de guionistas

¿DREAM SEQUENCE va en el encabezado de escena o en su propia línea?

Las dos opciones funcionan. Una línea de acción independiente enmarca un sueño que abarca varias escenas; añadir DREAM SEQUENCE al encabezado sirve para un sueño de una sola escena. Elijas lo que elijas, marca dónde termina el sueño.

¿Cómo muestro que un personaje se despierta?

Vuelve al lugar real de quien sueña con un encabezado de escena y muestra el despertar en la acción: un sobresalto, un jadeo, una alarma. Un END DREAM SEQUENCE antes de ese encabezado hace inconfundible el límite.

¿En qué se diferencia en la página un sueño de un flashback?

Un flashback muestra algo que ocurrió; un sueño muestra algo imaginado. Las marcas funcionan igual, pero nombrar bien el recurso le dice a quien lee cómo leer la escena.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

16. Efectos de sonido y mayúsculas

¿Los efectos de sonido van en mayúsculas en un guion?

Escribe en mayúsculas un sonido, un objeto o una acción solo cuando deba saltar de la página, y el nombre de un personaje con texto en su primera aparición, para que las mayúsculas signifiquen algo.

Fuentes revisadas el · Artículo actualizado el

Respuesta directa

Poner en mayúsculas un sonido clave en la acción (una puerta que SLAMS, un teléfono que RINGS) es una forma habitual de que llegue al lector, y muchos guionistas hacen lo mismo con un objeto del que depende la historia. Es énfasis, no una obligación: úsalo con moderación, porque una página llena de mayúsculas deja de señalar nada. Aparte de eso, por convención, el nombre de un personaje con texto va en mayúsculas la primera vez que aparece.

En la página

Mayúsculas reservadas a lo que el público debe notar

INT. ARCHIVE - NIGHT

Mara lifts the blue box. Something inside RATTLES.

Down the corridor, a door SLAMS.

ELI (40s, rain-soaked, out of breath) fills the doorway.

ELI

Put it down.

Práctica actual

Las mayúsculas son énfasis, así que racionalas

Opción habitual

La guía de Final Draft señala los efectos de sonido, objetos y acciones clave como candidatos a las mayúsculas y advierte que abusar de ellas ralentiza la lectura y diluye el énfasis. Quien solo repase las mayúsculas de una página debería captar sus sonidos y objetos más importantes.

Variantes aceptadas

Sonidos clave

Opción habitual

Pon en mayúsculas la palabra del sonido (SLAMS, RATTLES) cuando el público deba notarlo: una pista, una amenaza o el detonante de lo que sigue.

Presentación de personajes

Muy esperado

El nombre de un personaje con texto en mayúsculas en su primera aparición es una de las convenciones más constantes del guion de largometraje. Después, el nombre vuelve a escribirse normal en la acción.

Más o menos según quien escribe

Práctica en cambio

Algunos guionistas usan las mayúsculas con más libertad para marcar el ritmo de una escena de acción, y otros no las ponen nunca en los sonidos. Ambas son prácticas actuales; lo que importa es que la elección se lea como deliberada.

Donde los guionistas sensatos discrepan

Algunos guionistas ven los sonidos en mayúsculas como un resto de los guiones de rodaje y los quitan de un guion especulativo; otros los usan como herramienta de ritmo. Ninguna de las dos opciones es incorrecta. Lo que parece descuidado es la incoherencia: mayúsculas que aparecen en sonidos triviales y desaparecen en los importantes.

Errores que conviene evitar

  • Poner en mayúsculas cada sonido, objeto y verbo hasta que nada destaca.
  • Usar mayúsculas para enfatizar dentro del diálogo, donde se leen como gritos.
  • Omitir las mayúsculas en la primera aparición de un personaje con texto, o repetirlas en cada entrada.
  • Dejar que las mayúsculas sustituyan una descripción viva del sonido.

Envío o producción

Versión de envío o de lectura

En un guion especulativo, las mayúsculas deben hacer la lectura más rápida, no más ruidosa. Pon en mayúsculas los pocos sonidos y objetos que dan la vuelta a una escena y deja que el resto de la acción se sostenga solo.

Versión de producción

Los sonidos y objetos en mayúsculas pueden ayudar a los departamentos a encontrar lo que necesita una escena, pero lo que se recoge lo decide el propio desglose de la producción. Mantén coherente el énfasis una vez que las páginas circulan para que las revisadas coincidan con las que ya se usan.

Trabajar en Plot

En Plot, las mayúsculas de la acción las pones tú: escribe SLAMS o RATTLES donde un sonido tenga que llegar, y el nombre de un personaje nuevo en mayúsculas en su primera aparición. Los encabezados de escena, los nombres de personaje y las transiciones pasan solos a mayúsculas mientras escribes y en el PDF, así que las únicas mayúsculas de tus líneas de acción son las que elegiste.

Preguntas de guionistas

¿Los efectos de sonido tienen que ir en mayúsculas en un guion?

No. Poner en mayúsculas un sonido clave es una convención habitual de énfasis, no una regla de formato. Úsala para los pocos sonidos que el público debe notar y deja los sonidos corrientes en minúsculas.

¿Por qué el nombre de un personaje va en mayúsculas la primera vez que aparece?

Señala un nuevo personaje con texto para quien lee y para el casting. Después de esa primera presentación, el nombre vuelve a escribirse normal en la acción; el nombre del personaje encima del diálogo siempre va en mayúsculas.

¿Los objetos deben ir en mayúsculas?

Solo cuando un objeto importa para la historia: el arma, la carta, la llave. Los guiones de rodaje a veces ponen más en mayúsculas para el departamento de utilería, pero un guion especulativo se lee mejor cuando las mayúsculas se reservan para lo que da la vuelta a una escena.

¿Qué significa SFX en un guion?

Normalmente, efectos de sonido. En un equipo de rodaje suele significar efectos especiales: trabajo físico en el set, como lluvia, fuego o cristal de atrezo, a diferencia de los efectos visuales que se añaden después. Los guiones de radio y de ficción sonora empiezan una línea con SFX y dos puntos; un guion de cine no. Escribe el sonido en la acción y ponlo en mayúsculas solo cuando tenga que llegar.

Fuentes y contexto

Estas fuentes documentan la práctica actual del guion, las indicaciones de los programas o el flujo de trabajo de producción. El estilo del guion sigue siendo flexible, y cualquier indicación de entrega o norma de envío que dé el destinatario tiene prioridad.

Siguientes pasos

  • Herramienta gratuita de desglose de guion

    Reúne las palabras que una versión pone en mayúsculas en la acción en una lista de posibles objetos, junto al reparto, los lugares y los octavos, en tu navegador. Las palabras de sonido comunes en inglés, como SLAM, se dejan fuera.

    https://www.inkwell.software/es/tools/script-breakdown