Leitfaden zum Drehbuchformat

Erst die Geografie etablieren, dann abkürzen

Gängige Wahl

Die Lesenden müssen wissen, wo sich jede sichtbare Person befindet, bevor eine Intercut-Anweisung etwas nützt. Nach dieser Einführung macht es das Lesen meist nur mühsamer, für jeden Wortwechsel volle Szenenüberschriften zu wiederholen, ohne Information hinzuzufügen.

Bei einer Seite bleiben

Kontextabhängig

Behalte eine Szenenüberschrift, wenn nur eine Person am Telefon zu sehen ist. Kennzeichne die Stimme am anderen Ende mit einer Erweiterung beim Figurennamen und, wo es hilft, mit einer kurzen Klammeranweisung zur Quelle wie „am Telefon“.

Weiter mit Szenenüberschriften schneiden

Gängige Wahl

Getrennte Überschriften bleiben eine klare Wahl, wenn die Orte wechseln, auf beiden Seiten etwas Sichtbares passiert oder der genaue Rhythmus jedes Schnitts wichtig ist.

Einseitiges Telefonat

Kontextabhängig

Bleibt die andere Stimme absichtlich ungehört, schreib die Pausen und Reaktionen der sichtbaren Figur in die Handlung oder in kurze Klammeranweisungen. Erfinde keinen Dialog, nur um die Stille zu füllen.

Einreichungs- oder Lesefassung

Eine Einreichungsfassung kann die schlankste Form nutzen, die das Telefonat gut sichtbar und hörbar macht. Verzichte auf Auflösungen oder Schnittanweisungen, die den Story-Beat nicht klarer machen.

Produktionsfassung

Sobald ein Produktionsteam mit dem Drehbuch arbeitet, behalte etablierte Szenenidentitäten bei und stimme Änderungen an nummerierten Szenen ab. Ein Intercut hebt die Bedeutung der zuvor eingeführten Orte für die Disposition nicht auf.

Brauche ich jedes Mal eine neue Szenenüberschrift, wenn zwischen den Personen am Telefon geschnitten wird?

Nein. Etabliere beide Orte einmal mit eigenen Szenenüberschriften, füge dann eine INTERCUT-Zeile ein und lass den Dialog wechseln. Kehr nur dann zu vollen Szenenüberschriften zurück, wenn sich ein Ort ändert oder an einem Ende etwas einen eigenen visuellen Beat braucht.

Wie schreibe ich ein Telefonat, bei dem nur eine Seite zu hören ist?

Bleib in der Szene der sichtbaren Figur und schreib ihre Pausen und Reaktionen in die Handlung oder in kurze Klammeranweisungen. Hört das Publikum die andere Stimme doch durchs Telefon, kennzeichne diesen Figurennamen mit V.O. oder ergänze eine Klammeranweisung zur Quelle wie (am Telefon).

Woran erkennen die Lesenden, dass der Intercut vorbei ist?

Zeig in der Handlung, wie das Telefonat endet, oder kehr zu einer einzelnen Szenenüberschrift zurück. Beides sagt den Lesenden, dass der Wechsel vorbei ist und der normale Szenenfluss an einem Ort weitergeht.

Die Erweiterung beschreibt, wie der Ton zur Szene steht

Weithin erwartet

O.S. hält eine sprechende Figur in der aktuellen physischen Szene; V.O. verortet die Stimme außerhalb der unmittelbaren Handlung im Bild. Diese Unterscheidung hilft Lesenden, Schauspielenden, dem Schnitt und den Produktionsteams zu verstehen, was aufgenommen werden muss.

O.C. statt O.S.

Softwarespezifisch

Manche Fernsehvorlagen und regionale Abläufe verwenden O.C. (off camera). Folge der Abgabevorlage, wenn es eine gibt, und wechsle die Bezeichnung nicht ohne Grund mitten in der Fassung.

Ton aus Telefon und Geräten

Kontextabhängig

Manche nutzen V.O. für eine anrufende Person, andere verlassen sich auf eine Klammeranweisung zur Quelle. „(am Telefon)“ hilft, wenn V.O. sonst als Erzählstimme gelesen werden könnte.

Erzählstimme

Gängige Wahl

Eine Erzählstimme, die nicht im gezeigten Moment spricht, wird normalerweise mit V.O. gekennzeichnet, auch wenn die erzählende Figur an anderer Stelle in der Geschichte auftritt.

Einreichungs- oder Lesefassung

Wähl die Erweiterung, mit der die Lesenden den Moment beim ersten Lesen verstehen. Eine Einreichungsfassung braucht über die Stimmquelle hinaus, die die Geschichte verlangt, keine Erklärung für die Tonabteilung.

Produktionsfassung

Die Unterscheidung kann beeinflussen, wie Dialog aufgenommen und disponiert wird. Folge der Vorlage und den Entscheidungen der Script Coordination, wenn die Produktion O.C., gefilterten Dialog oder eine andere etablierte Schreibweise verwendet.

Was ist der Unterschied zwischen V.O. und O.S. im Drehbuch?

V.O. steht für Voice-over: eine Erzählstimme, ein hörbarer Gedanke, eine Aufnahme oder eine entfernte Stimme außerhalb des gezeigten Ortes. O.S. steht für off screen: Die sprechende Figur gehört zum physischen Ort der Szene, ist aber außerhalb des Bildes. Setz die jeweilige Erweiterung in Klammern hinter den Namen der Figur, über dem Dialog.

Wie schreibe ich in Inkwell Plot Dialog mit V.O. oder O.S.?

Setz die Zeile in Plot auf Figur und tipp den Namen mit seiner Erweiterung, etwa MARA (V.O.) oder ELI (O.S.). Drück Enter, um die Rede als Dialog zu schreiben. Plot erkennt die Erweiterung und ordnet den Figurennamen in Vorschlägen und bei der Besetzungszählung derselben Figur zu. Eine Quelle wie (am Telefon) gehört bei Bedarf in eine Klammeranweisung.

Wie schreibe ich Voice-over-Dialog in Final Draft?

Leg ein Character-Element an, tipp den Namen der sprechenden Figur, ein Leerzeichen und eine öffnende Klammer. Wähl V.O. aus den Erweiterungsoptionen und schreib die Rede dann als Dialogue. Die Erweiterung steht neben dem Namen; eine eigene Klammeranweisung unter dem Namen kann eine Quelle wie eine Aufnahme oder ein Telefon klarstellen.

Ist eine Stimme am Telefon V.O. oder O.S.?

Beide Konventionen kommen vor. Die anrufende Person ist nicht am Ort, deshalb nutzen viele V.O.; andere lassen den Figurennamen ohne Erweiterung und ergänzen (am Telefon). Entscheide dich für eine Form für jedes Telefonat in der Fassung und ergänze die Klammeranweisung zur Quelle, wann immer V.O. mit einer Erzählstimme verwechselt werden könnte.

Was bedeutet O.C. im Drehbuch?

Off camera. Manche Fernsehvorlagen verwenden O.C., wo Spielfilmdrehbücher O.S. schreiben; beides heißt, dass die sprechende Figur in der Szene ist, aber außerhalb des Bildes. Nutz die Bezeichnung deiner Vorlage und misch die beiden nicht in einer Fassung.

Wird der innere Gedanke einer Figur als V.O. geschrieben?

Ja, wenn das Publikum ihn hört. Ein Gedanke, der als hörbare Sprache wiedergegeben wird, bekommt V.O., weil er im gezeigten Moment nicht laut ausgesprochen wird. Hört das Publikum den Gedanken nie, zeig ihn stattdessen über das Verhalten in der Handlung.

Die Worte in der Handlung, das Muster einheitlich

Gängige Wahl

Die Ränder der Handlung zeigen an, dass das Publikum Information sieht, statt gesprochenen Dialog zu hören. Eine kurze, wiederkehrende Beschriftung lässt das Auge jede spätere Nachricht schnell erkennen.

Nachricht im Fließtext

Kontextabhängig

Eine sehr kurze Nachricht kann im selben Handlungsabsatz wie die Benachrichtigung stehen, wenn sich das sauber liest und die genaue Darstellung auf dem Bildschirm unwichtig ist.

Eigene Nachrichtenzeile

Gängige Wahl

Setz Beschriftung und Nachricht in eigene Handlungszeilen, wenn der Wortlaut ein Story-Beat ist oder mehrere Wortwechsel schnell erfassbar sein müssen.

Sprache oder V.O.

Kontextabhängig

Nutz Dialog nur, wenn eine Figur oder eine synthetische Stimme die Nachricht tatsächlich vorliest. Der sichtbare Text kann trotzdem eine Handlungszeile brauchen, wenn das Publikum ihn auch sieht.

Einreichungs- oder Lesefassung

Bevorzuge ein schlichtes Muster in der Handlung, das im PDF lesbar bleibt und nicht von Farbe, einer eigenen Schrift oder einer Grafik in Geräteform abhängt.

Produktionsfassung

Wenn die genaue Oberfläche, das Timing oder der Wortlaut zur Anforderung an Playback-Grafiken wird, kann die Produktion Design- und Einstellungsdetails ergänzen, ohne die zugrunde liegende Story-Information der Einreichungsfassung zu ändern.

Sollten Textnachrichten als Dialog geschrieben werden?

Nur wenn eine Stimme sie tatsächlich vorliest. Eine stumme Nachricht, die das Publikum auf dem Bildschirm liest, gehört in die Handlung; unter einem Figurennamen sagt sie den Lesenden, dass jemand spricht.

Wie formatiere ich einen Hin-und-her-Chat?

Führ das Telefon einmal ein und gib dann jeder Nachricht eine eigene Handlungszeile mit einer kurzen, wiederkehrenden Beschriftung wie TEXT FROM ELI oder MARA’S TEXT. Die einheitliche Beschriftung lässt die Lesenden den Austausch überfliegen, ohne dass eine Telefonoberfläche gezeichnet werden muss.

Kann ich SUPER für eine Textnachricht verwenden?

Wähl ein Muster pro Gerät und bleib dabei. SUPER bedeutet meist Text, der über das Bild gelegt wird, etwa eine Ortseinblendung; mischst du es für dasselbe Telefon mit TEXT und INSERT, müssen die Lesenden innehalten und deine Konvention entschlüsseln.

Wähle die Form passend zur Sequenz

Kontextabhängig

Eine Montage aus einem Satz braucht keinen formellen Block. Eine komplexe Sequenz profitiert von sichtbaren Anfangs- und Endmarken und von Bildern, die ihren Ort nennen. Beides ist üblich, solange die Lesenden Zeit, Ort und Entwicklung folgen können.

Montage in einer Zeile

Gängige Wahl

Nimm einen einzigen Handlungssatz, wenn die Sequenz sich wiederholt, kurz ist und keine eigenen Story-Beats braucht – zum Beispiel eine Reihe erfolgloser Castings.

Mini-Überschriften oder volle Szenenüberschriften

Kontextabhängig

Mini-Überschriften halten eine schnelle Sequenz kompakt. Volle Überschriften sind klarer, wenn die Orte für die Disposition zählen, die Sequenz Dialog enthält oder jedes Bild sich wie eine Szene verhält.

SERIES OF SHOTS

Gängige Wahl

Manche schreiben SERIES OF SHOTS für zusammengehörige Bilder, die nicht dieselbe Zeitraffung andeuten. Die Begriffe überschneiden sich in der Praxis, also beschreib die gewünschte Entwicklung, statt dich allein auf die Überschrift zu verlassen.

Einreichungs- oder Lesefassung

Eine Einreichungsfassung sollte auf das Leseerlebnis ausgerichtet sein. Halte die Sequenz schlank, bildhaft und konkret; verzichte auf Auflösung Einstellung für Einstellung, außer eine Einstellung ist selbst der Story-Beat.

Produktionsfassung

Wenn jedes Bild der Montage eine eigene Disposition, einen eigenen Ort, eine eigene Besetzung oder eine eigene Szenennummer braucht, mach diese Bilder in Abstimmung mit dem Produktionsteam zu Szenenüberschriften, die die Produktion erkennt.

Was ist der Unterschied zwischen einer Montage und einer Series of Shots?

Die Begriffe überschneiden sich. Meist steht MONTAGE für eine Sequenz, die Zeit rafft oder Fortschritt zeigt, und SERIES OF SHOTS für zusammengehörige Bilder ohne dieselbe Raffung. Beschreib die gewünschte Entwicklung, statt sie der Überschrift zu überlassen.

Muss ich END MONTAGE schreiben?

Nur wenn die Lesenden sonst übersehen könnten, wo der normale Szenenfluss weitergeht. Eine Montage in einer Zeile braucht keine Endmarke; ein längerer Block über mehrere Orte sollte mit END MONTAGE enden oder mit einer Szenenüberschrift, die deutlich übernimmt.

Darf eine Montage Dialog enthalten?

Ja, aber eine Dialogzeile bedeutet meist, dass sich ein Bild wie eine Szene verhält. Braucht ein Bild Sprache, einen Ort, der zählt, oder einen eigenen Platz in der Disposition, gib ihm eine volle Szenenüberschrift statt einer Mini-Überschrift mit Gedankenstrich.

Den Zeitsprung an der ersten unklaren Stelle benennen

Gängige Wahl

Die Lesenden sollten den Wechsel in die Vergangenheit erkennen, bevor sie die Szene deuten. Ein Zusatz in der Überschrift reicht für eine Szene; ausdrückliche Anfangs- und Endmarkierungen sind für eine Sequenz sicherer.

Zusatz in der Überschrift

Kontextabhängig

Ergänze FLASHBACK, YEARS EARLIER oder ein bestimmtes Datum in der Szenenüberschrift, wenn eine einzige Szene den Zeitsprung trägt und die Rückkehr aus der nächsten Überschrift hervorgeht.

Rückblendenblock

Gängige Wahl

Nimm FLASHBACK und END FLASHBACK um mehrere Szenen herum oder wenn die Gegenwartsebene ohne eine von selbst erklärende Überschrift weitergeht.

Kurzes Erinnerungsbild

Kontextabhängig

Ein kurzer Hinweis in der Handlung wie A FLASH OF: kann ein einzelnes Bild tragen, ohne eine ganze Szene zu bauen. Kehr sofort zur laufenden Handlung zurück.

Einreichungs- oder Lesefassung

Nimm so wenig Notation wie möglich, aber so viel, dass die Zeitebene sofort klar ist. Niemand sollte Farbe, Revisionsmarken oder Produktionsmetadaten brauchen, um den Übergang zu verstehen.

Produktionsfassung

Szenen aus einer früheren Zeit wirken sich oft auf Besetzung, Kostüm, Ausstattung und Motivauszüge aus. Behalte vollständige Szenenüberschriften dort bei, wo diese Unterschiede für die Produktionssysteme sichtbar bleiben müssen.

Soll ich FLASHBACK in die Szenenüberschrift schreiben?

Für eine einzelne Szene funktioniert das, aber ein konkreter Hinweis wie TEN YEARS EARLIER oder ein Datum sagt meist mehr. Folgen mehrere Szenen aus der Vergangenheit aufeinander, klammerst du sie mit FLASHBACK und END FLASHBACK ein, damit nie Zweifel besteht, welche Zeitebene gilt.

Wie kehre ich nach einer Rückblende in die Gegenwart zurück?

Mach die Rückkehr so deutlich wie den Aufbruch: eine mit PRESENT markierte Szenenüberschrift, eine END FLASHBACK-Zeile oder eine Überschrift, deren Zeit und Ort unverkennbar in der Gegenwart liegen. Niemand sollte erst nach einem Missverständnis erfahren, dass eine Szene in der Vergangenheit spielte.

Wird eine Traumsequenz wie eine Rückblende formatiert?

Die Mechanik ist ähnlich – markiere, wo sie beginnt und wo die Wirklichkeit weitergeht –, aber beschrifte einen Traum als Traum. Geschichten behandeln Erinnerung und Vorstellung meist unterschiedlich, und wer das eine für das andere hält, liest die Szene falsch.

Einreichungsvorgaben gehen allgemeinen Tipps zur Titelseite vor

Praxis im Wandel

Programme wechseln Partner, Portale, Teilnahmebedingungen und Dateivorgaben. Prüf die offiziellen Regeln unmittelbar vor dem Export noch einmal; verlass dich nicht auf die Checkliste des Vorjahres oder die Anonymitätsregeln eines anderen Wettbewerbs.

Hauptfassung mit Namen

Weithin erwartet

Behalte in der Arbeitsfassung eine vollständige Titelseite mit genau der genannten Autorin, dem Autor oder dem Autorenteam und einem aktuellen Kontaktweg.

Anonyme Einreichungskopie

Kontextabhängig

Verlangen die Regeln eine Blindlektüre, exportiere eine separate Kopie ohne die genannten Identitätsangaben. Prüf Kopf- und Fußzeilen, Dateinamen, eingebettete PDF-Metadaten und Kontaktzeilen auf der Titelseite – nicht nur den zentrierten Namen.

Optionale Registrierungs- und Fassungsangaben

Kontextabhängig

Registrierungsnummern, Vertretung, Quellenangaben und Fassungsdaten gehören nur dorthin, wenn sie dem Empfänger helfen oder eine vorgegebene Vorlage danach fragt. Halte Titel und Autorenzeile zentriert und die Kontaktdaten unten links gut lesbar.

Einreichungs- oder Lesefassung

Behandle die offizielle Ausschreibungsseite und das Portal als gültigen Vertrag. Prüf bei jeder Einreichung Anonymität, Seitenzahl, Dateibenennung, PDF-Größe, Autorschaft und Erklärungen zum Einsatz von KI.

Produktionsfassung

Produktionsfassungen nutzen benannte Urheberschaft, Fassungsdaten, Revisionsangaben und Verteilungskontrollen. Übertrage die Auslassungen einer Blindlektüre für einen Wettbewerb nicht in die Hauptfassung der Produktion.

Was gehört auf die Titelseite eines Drehbuchs?

Der Titel, ein Autorenvermerk wie Written by, der Name der Autorin oder des Autors und Kontaktdaten unten links. Registrierungsnummern, Vertretung und Fassungsdaten sind optional und gehören nur dorthin, wenn sie dem Empfänger helfen oder eine vorgegebene Vorlage danach fragt.

Sollte die Titelseite eines Spec Scripts ein Fassungsdatum tragen?

Nur wenn der Empfänger oder eine vorgegebene Vorlage danach fragt. Fassungs- und Revisionsdaten erfüllen bei Produktionsfassungen einen echten Zweck, weil dort mehrere Versionen gleichzeitig im Umlauf sind; wer ein Spec Script bewertet, braucht selten eins.

Wie mache ich ein Drehbuch für einen Wettbewerb anonym?

Exportiere eine separate Kopie und entferne jede Kennung, die die Regeln nennen: Name und Kontaktzeilen auf der Titelseite, Kopf- und Fußzeilen, den Dateinamen und die Dokumenteigenschaften des PDFs. Lass die Hauptfassung mit Namen unverändert, damit die anonyme Kopie nie zu deiner einzigen Fassung wird.

Stabile Verweise zählen mehr als eine saubere Neunummerierung

Produktionsspezifisch

Drehpläne, Tagesdispositionen, Auszüge, Sides und Notizen der Abteilungen verweisen auf Szenen- und Seitenkennungen. Sobald diese Verweise im Umlauf sind, verhindert ihr Erhalt, dass eine Revision jedes zugehörige Dokument mehrdeutig macht.

Unnummerierte Spec- oder Einreichungsfassung

Weithin erwartet

Solange niemand nach Nummern fragt, halte die Lesefassung schlicht. Szenennummern und Spuren gesperrter Seiten deuten einen Produktionsstand an, den die meisten Lesenden einer Einreichung nicht brauchen.

Nummern an beiden Rändern

Produktionsspezifisch

Eine Drehfassung wiederholt jede Szenennummer üblicherweise links und rechts der Szenenüberschrift. So ist der Verweis von beiden Seiten einer gedruckten oder kommentierten Seite aus sichtbar.

Eingefügte und gestrichene Szenen

Produktionsspezifisch

Neue Szenen erhalten meist Zusätze zwischen bestehenden Nummern. Gestrichene Produktionsszenen bleiben als OMITTED markiert, damit alle wissen, dass die Nummer absichtlich entfernt wurde und nicht versehentlich fehlt.

Einreichungs- oder Lesefassung

Exportiere ein PDF ohne Nummern, außer die aktuelle Ausschreibung, das Stipendium, das Studio oder die Kursaufgabe verlangt ausdrücklich eine nummerierte Fassung. Entferne Spuren von Produktionsrevisionen, die der Empfänger nicht prüfen soll.

Produktionsfassung

Stimme Nummerierung, Seitensperre, A-Seiten, gestrichene Szenen, Revisionssätze und Ausgabedaten mit der Script Coordination oder dem Produktionsbüro ab; dort wird entschieden, wann eine Fassung offiziell ausgegeben ist.

Wie füge ich in Inkwell Plot Szenennummern hinzu?

Öffne die Dokumenteinstellungen über die Dokument-Seitenleiste oder die Befehlspalette, prüf die Vorschau im Reiter Drehbuch und wähle Nummerierung anwenden. Plot behält bestehende Verweise bei und gibt eingefügten Szenen Nummern mit Buchstaben wie 24A. Ein einziges Rückgängig macht die Nummerierung rückgängig. Die Nummern gelangen in die FDX-Datei; ein PDF der Autorenfassung bleibt unnummeriert, während eine gesperrte Produktionsrevision sie an beiden Rändern druckt.

Wie füge ich in Final Draft Szenennummern hinzu?

Wähle im Menü Production den Eintrag Scene Numbers. Wähle Scene Heading als Element, aktiviere Number/Renumber, leg die Startnummer fest und bestätige. Standardmäßig beginnt die Zählung bei 1. Willst du erst ab der Cursorposition nummerieren, aktiviere Number from Current Scene. Final Draft nummeriert, wenn du diesen Befehl ausführst; neue Szenen werden beim Tippen nicht automatisch nummeriert.

Wie behalte ich in Final Draft bestehende Szenennummern, wenn ich eine Szene hinzufüge?

Wähle in Final Draft im Menü Production den Eintrag Scene Numbers und aktiviere Keep Existing Numbers. Bestehende Verweise bleiben, und eingefügte Szenen erhalten Buchstabenzusätze dazwischen. Prüf diese Option vor dem Bestätigen: Eine Neunummerierung einer ausgegebenen Fassung kann Verweise in Drehplänen, Sides und Auszügen ungültig machen.

Wie blende ich Szenennummern in Final Draft aus, ohne sie zu löschen?

Wähle in Final Draft im Menü Production den Eintrag Scene Numbers, öffne Options und schalte die Anzeige links und rechts aus. Die Nummern bleiben zugewiesen und lassen sich wieder einblenden. Remove Numbers löscht die Zuweisungen dagegen. Für eine Einreichungskopie exportierst du ein eigenes PDF mit ausgeblendeten Nummern und prüfst die Seiten.

Braucht ein Spec Script Szenennummern?

Meist nicht. Lass eine Lesefassung unnummeriert, außer der Empfänger fragt danach. Szenennummern kennzeichnen eine Produktionsfassung, in der Drehpläne, Tagesdispositionen und Auszüge stabile Verweise brauchen.

Was passiert mit den Szenennummern, wenn nach dem Sperren eine Szene hinzukommt?

Die neue Szene bekommt einen Zusatz zwischen bestehenden Nummern – eine nach 24 eingefügte Szene wird zu 24A –, sodass jede spätere Nummer und jedes Dokument, das bereits eine zitiert, gültig bleibt.

Was bedeutet OMITTED in einer Drehfassung?

Eine nummerierte Szene wurde gestrichen. Ihre Nummer bleibt mit dem Vermerk OMITTED stehen, damit das Team weiß, dass sie absichtlich entfernt wurde, und die folgenden Szenen die Nummern behalten, die alle bereits verwenden.

Spalten für bedeutsame Gleichzeitigkeit aufheben

Gängige Wahl

Doppeldialog ist eine vertraute visuelle Konvention für gleichzeitiges Sprechen. Weil zwei Spalten das Auge bremsen und den Seitenumbruch erschweren, wirkt er am besten, wenn erst das gleichzeitige Hören beider Zeilen den Witz, den Konflikt oder die Information erzeugt, auf die es im Moment ankommt.

Eine abgebrochene Zeile

Gängige Wahl

Beende die unterbrochene Rede mit einem Geviertstrich und setz den Namen der unterbrechenden Figur darunter. Die Reihenfolge von oben nach unten zeigt den Lesenden genau, wann der Wortwechsel kippt.

Kurze Überlappung

Kontextabhängig

Eine kurze Klammeranweisung wie „overlapping“ kann einen Moment klären, der beginnt, bevor die vorige Zeile ganz zu Ende ist, aber keine zwei anhaltenden Spalten rechtfertigt.

Dialog-Timing in einem gesperrten Drehbuch

Produktionsspezifisch

Eine Produktion kann genaue Überlappungen oder geteilten Dialog für Aufnahme und Auflösung vermerken. Sobald es ein etabliertes Drehbuch und einen Tonablauf der Serie gibt, richte dich danach.

Einreichungs- oder Lesefassung

Setz Doppeldialog in einer Lesefassung sparsam ein und prüf das exportierte PDF am tatsächlichen Seitenumbruch. Liest sich eine Unterbrechung als gestaffelter Dialog klar, bevorzuge die leichtere Lösung.

Produktionsfassung

Behalte die gepaarte Dialogstruktur bei, wenn das Drehbuch in die Produktion geht, denn sie kann Timing im Spiel, Auflösung und Ton beeinflussen. Späte Änderungen am Seitenumbruch in einer gesperrten Fassung stimmst du ab.

Wie lege ich in Inkwell Plot einen Doppeldialog an?

Schreib die beiden Figurennamen mit ihren Reden in Plot nacheinander, setz den Cursor in die erste Rede und schalte Doppeldialog ein. Auf dem Mac drückst du Command + D. Plot verbindet die Reden, druckt sie im PDF nebeneinander und erhält das Paar beim Import aus und Export nach Final Draft. Schalt erneut um, um zum Dialog untereinander zurückzukehren.

Wie lege ich in Final Draft einen Doppeldialog an?

Schreib beide Figurennamen mit ihren Reden nacheinander. Setz den Cursor in den Namen der ersten Figur und wähle Dual Dialogue im Menü Format. Die Tastenkürzel der Desktop-Version sind Command + D auf dem Mac und Strg + Alt + D unter Windows. Die beiden Reden erscheinen dann nebeneinander; prüf das exportierte PDF, wenn der Wortwechsel an einen Seitenumbruch stößt.

Wie schreibt man zwei Figuren, die gleichzeitig sprechen?

Setz ihre Reden als Doppeldialog nebeneinander: jeder Figurenname mit seinen Zeilen in einer eigenen Spalte, beide auf gleicher Höhe beginnend. Nutz das nur, wenn das Publikum beide Reden zugleich hören soll. Bei einer Unterbrechung stapelst du die Zeilen und brichst die erste Rede mit einem Geviertstrich ab.

Kann ein Doppeldialog mehr als zwei Sprechende haben?

Standard-Doppeldialog hat zwei Spalten. Bei drei oder mehr Stimmen gleichzeitig beschreibst du die Überlappung in der Handlung oder nutzt einen gemeinsamen Namen wie ALL für eine gemeinsam gesprochene Zeile, statt zusätzliche Spalten zu improvisieren, die unlesbar werden oder beim Export zerfallen.

Was bedeutet (overlapping) unter einem Figurennamen?

Die Zeile beginnt, bevor die vorige Figur fertig ist. Das passt zu einer kurzen Überlappung, die keine zwei anhaltenden Spalten rechtfertigt – die Lesenden hören, wie eine Rede die nächste bedrängt, statt dass zwei nebeneinanderherlaufen.

Übersteht Doppeldialog den Wechsel zwischen Final Draft und Plot?

Ja. Gepaarte Reden in einer Final-Draft-Datei kommen als Paar in Plot an und gehen als Dialog nebeneinander zurück nach FDX, sodass die Spalten noch Spalten sind, wenn das Büro die Datei öffnet.

Schreib für das, was das Publikum verstehen kann

Kontextabhängig

Das Drehbuch bleibt normalerweise für die vorgesehenen Lesenden lesbar, während eine knappe Anweisung festlegt, welche Sprache auf der Leinwand zu hören ist. Die Szene sollte auch klarmachen, ob das Publikum Untertitel bekommt, teilweise versteht oder gar keine Übersetzung erhält.

Ein Hinweis für den ganzen Wortwechsel

Gängige Wahl

Eine Handlungszeile, die Sprache und Untertitel etabliert, gilt für den folgenden Dialog, bis sich die Sprache oder das Verhältnis zum Publikum ändert.

Eine Erinnerung beim Figurennamen

Kontextabhängig

Nimm eine kurze Klammeranweisung wie „auf Spanisch“, wenn eine Figur mitten in der Szene die Sprache wechselt oder der Wechsel sonst untergehen könnte. Sie unter jedem Figurennamen zu wiederholen ist bloßes Rauschen.

Absichtlich unübersetzte Rede

Kontextabhängig

Geht es darum, dass eine Perspektivfigur nichts versteht, beschreib die Rede und alle erkennbaren Wörter oder Reaktionen, statt den Lesenden eine falsche vollständige Übersetzung zu geben.

Einreichungs- oder Lesefassung

Schreib den Entwurf in der Sprache, die der Empfänger verlangt, und mach jede andere gesprochene Sprache durch eine einheitliche Übersetzungskonvention lesbar. Prüf die aktuellen Einreichungsregeln, bevor du ein mehrsprachiges Drehbuch verschickst.

Produktionsfassung

Eine Produktionsfassung kann Hinweise zu Übersetzung, Dialekt, Untertiteln und Lokalisierung außerhalb des Leseflusses ergänzen. Stimm den endgültigen Wortlaut mit den passenden Sprachfachleuten ab, statt die Übersetzung der Einreichung als festen Dialog zu behandeln.

Sollte fremdsprachiger Dialog in dieser Sprache geschrieben werden?

Meist nicht. Schreib den Dialog in der Lesesprache des Drehbuchs und etabliere, welche Sprache tatsächlich gesprochen wird. Die Ausnahme ist Rede, die das Publikum nicht verstehen soll: Beschreib sie und die Reaktion der Zuhörenden, statt sie zu übersetzen.

Wie zeige ich, dass ein Dialog untertitelt ist?

Sag es einmal – in der Handlung, etwa „Their exchange is SUBTITLED.“ wie im Beispiel, oder in einer Klammeranweisung in der ersten Zeile – und lass den übersetzten Dialog dann laufen. Wiederhol den Hinweis nur, wenn sich die Sprache oder das Verständnis des Publikums ändert.

Brauche ich (auf Spanisch) unter jedem Figurennamen?

Nein. Etabliere die Sprache einmal für den Wortwechsel und setz eine Klammeranweisung beim Figurennamen nur, wenn eine Figur mitten in der Szene die Sprache wechselt oder der Wechsel sonst untergehen könnte.

Lesbare Information von Oberflächendekor trennen

Gängige Wahl

Die Lesenden brauchen die genauen Worte, die die Szene verändern, und genug Kontext, um zu wissen, wo sie erscheinen. Selten brauchen sie jedes Menü, jeden Zeitstempel, jedes Symbol, jeden E-Mail-Kopf oder jede Designentscheidung rund um diese Worte.

Direkt in der Handlung

Gängige Wahl

Ein kurzes Schild, eine Schlagzeile oder eine Notiz kann im Handlungsabsatz bleiben, wenn sie sich natürlich liest und keinen eigenen visuellen Beat braucht.

Ein eigenes INSERT

Kontextabhängig

Gib dem Gegenstand eine eigene Einstellungszeile in Großbuchstaben, wenn es auf die genaue Aufmerksamkeit des Publikums, das Timing der Enthüllung oder die Rückkehr in die umgebende Szene ankommt.

Längere Korrespondenz

Kontextabhängig

Fass zusammen, was nur überflogen wird, und zitiere nur die Zeilen, die wörtlich gelesen werden müssen. Ein Voice-over kann sie begleiten, wenn der Film tatsächlich eine Stimme einsetzt, aber Geschriebenes ist nicht von vornherein Dialog.

Einreichungs- oder Lesefassung

Halte Geschriebenes in einem normalen PDF bei gewöhnlicher Vergrößerung lesbar und zitiere nur Text, der für die Geschichte wesentlich ist. Verzichte auf eingebettete Screenshots oder dekorative Oberflächenattrappen, außer der Empfänger erlaubt sie ausdrücklich.

Produktionsfassung

Playback-Grafiken, Rechteklärung, Lokalisierung, genaue Zeitstempel und das Verhalten von Geräten können einen eigenen Produktionsablauf erfordern. Behalte die freigegebenen Worte im Drehbuch, während diese Abteilungen das endgültige Bildschirmdesign ausarbeiten.

Was ist ein INSERT im Drehbuch?

Eine Nahsicht auf etwas, das das Publikum lesen oder bemerken muss – eine Notiz, ein Bildschirm, ein Foto –, geschrieben als eigene Zeile in Großbuchstaben. Es bleibt in der laufenden Szene und braucht deshalb keine neue INT.- oder EXT.-Szenenüberschrift.

Wie kehre ich nach einem Insert in die Szene zurück?

Mach mit einer Handlungszeile weiter oder schreib BACK TO SCENE, wenn die Rückkehr markiert werden muss. Füg keine neue Hauptszenenüberschrift für eine Nahsicht ein, die den Ort nie verlassen hat.

Soll ich einen Brief oder eine E-Mail als Dialog formatieren?

Nur wenn eine Stimme ihn vorliest. Worte, die das Publikum liest, gehören in die Handlung. Zitiere nur die Zeilen, die für die Geschichte zählen, und fass zusammen, was die Figur überfliegt.

Benenne das zeitliche Verhältnis, das das Publikum erlebt

Gängige Wahl

CONTINUOUS beschreibt ununterbrochene Handlung über eine Ortsgrenze hinweg, SAME Gleichzeitigkeit, LATER oder eine Handlungszeile verstrichene Zeit. Das zutreffende Verhältnis zu wählen bringt mehr, als die Angaben aus Stilgründen abzuwechseln.

Verstrichene Zeit in der Handlung

Gängige Wahl

Eine eigene Handlungszeile wie THREE HOURS LATER ist direkt und sichtbar und macht aus einer relativen Angabe keine Ortsangabe für die Produktion.

LATER in der Szenenüberschrift

Kontextabhängig

INT. ARCHIVE — LATER funktioniert, wenn der Ort neu etabliert ist und der vorige Zeitbezug nah genug liegt, um eindeutig zu sein.

Ein neues DAY oder NIGHT

Kontextabhängig

Nimm eine neue, konkrete Tageszeit, wenn der Sprung die Drehzeit ändert oder wenn LATER Drehplan und Bild unklarer machen würde.

Einreichungs- oder Lesefassung

Wähle die kürzeste Angabe, mit der sich die Lesenden vorstellen können, wann die Szene spielt. Eine Lesefassung profitiert mehr von klarer zeitlicher Bewegung als von einer erschöpfenden Einteilung für den Drehplan.

Produktionsfassung

Tageszeitangaben wirken sich auf Auszüge und Drehplanung aus, daher vereinheitlicht eine Produktion womöglich LATER, SAME, Morgendämmerung oder durchgehende Sequenzen. Stimm solche Änderungen ab, statt gesperrte Szenen stillschweigend umzuschreiben.

Was ist der Unterschied zwischen CONTINUOUS und SAME?

CONTINUOUS heißt, die Handlung geht ohne Unterbrechung an den neuen Ort über, etwa wenn wir jemandem durch eine Tür folgen. SAME heißt, die neue Szene spielt zur gleichen Zeit wie die vorige, ohne dass eine durchgehende Bewegung sie verbindet.

Was bedeutet MOMENTS LATER in einer Szenenüberschrift?

Einen kurzen Sprung nach vorn, meist zurück an einen Ort, den die Lesenden gerade gesehen haben. Nimm es, wenn klar ist, wovon aus es später ist; bei einer längeren oder weniger offensichtlichen Lücke sag in einer Handlungszeile, wie viel Zeit vergangen ist.

Kann ich CONTINUOUS für Szenen verwenden, die einfach aufeinander folgen?

Nein. Aufeinanderfolgende Szenen sind nicht automatisch durchgehend. Behalte CONTINUOUS ununterbrochener Handlung über einen Ortswechsel vor; sonst nimm eine gewöhnliche Tageszeit oder LATER.

Die Vorlage des Empfängers schlägt jede allgemeine Aktzahl

Praxis im Wandel

Drehbücher für Network-Sender, Kabel, Streaming, Single-Camera und Multi-Camera folgen keinem gemeinsamen Aktmuster. Werbestruktur und Hausstil ändern sich laufend, deshalb ist ein vergleichbares aktuelles Drehbuch oder eine gestellte Vorlage ein stärkerer Beleg als eine allgemeine Formel nach Seitenzahl.

Im Format einer bestehenden Serie schreiben

Weithin erwartet

Folge bei einer Probefolge der Struktur der aktuell produzierten Drehbücher der Serie, einschließlich Beschriftungen, Aktzahl, Großschreibung und Seitenumbrüchen.

Ein eigener Pilot

Kontextabhängig

Wähle das plausibelste Format für den angestrebten Markt und halte es durch. Cold Open und Tag sind erzählerische Werkzeuge, kein Pflichtschmuck für jedes halbstündige Drehbuch.

Streaming- und Premiumformate

Praxis im Wandel

Viele Drehbücher ohne Werbezwänge verzichten auf gedruckte Aktbrüche, behalten aber aktähnliche Wendepunkte. Über das Seitenformat entscheiden die aktuellen Vorgaben des Empfängers.

Einreichungs- oder Lesefassung

Prüf die Vorgaben des Stipendiums, des Writers’ Room, des Kurses oder der Agentur zu Format und Seitenbegrenzung und vergleich dann ein aktuelles Drehbuch der passendsten Serie. Nimm beschriftete Akte nur, wenn diese Belege dafür sprechen.

Produktionsfassung

Sobald eine Serie das Drehbuch übernimmt, bestimmen ihre Koordination und Vorlagen über Aktbeschriftungen, Szenenbeschriftungen, Seitenumbrüche, Revisionsmarken und Kopfzeilen. Behalte diese Hausstruktur in jeder ausgegebenen Fassung bei.

Beginnt der Tag auf einer neuen Seite oder darf er auf der Seite des letzten Akts stehen?

In einem Drehbuch mit Aktbrüchen beginnt er meist auf einer neuen Seite. Behandle den TAG wie einen weiteren Akt: Schließ den letzten Akt ab – mit END OF ACT, wenn deine Vorlage das verwendet – und eröffne dann den TAG unter einer eigenen zentrierten Überschrift oben auf der nächsten Seite. In einem Drehbuch ohne gedruckte Aktbrüche folgt die Schlussszene einfach auf die anderen.

Was ist der Unterschied zwischen Cold Open und Teaser?

Im heutigen Gebrauch meinen beide dasselbe: die Szene oder Szenen vor dem ersten Akt. TEASER ist die ältere Bezeichnung der Network-Sender; COLD OPEN ist in Comedys und vielen aktuellen Drehbüchern üblich. Nimm die Bezeichnung, die die Serie verwendet, für die du schreibst.

Brauche ich END OF ACT am Ende jedes Akts?

Nur wenn die Vorlage, an die du dich hältst, es verwendet. In vielen Drehbüchern mit Aktbrüchen ist es üblich, aber nicht vorgeschrieben, und Drehbücher ohne gedruckte Aktbrüche lassen es ganz weg.

Wie viele Akte sollte ein Serien-Drehbuch haben?

Das hängt von Serie, Sender und Epoche ab. Network-Folgen haben schon mit ganz unterschiedlichen Aktzahlen gearbeitet, und viele Streaming-Drehbücher drucken überhaupt keine Aktbrüche. Halte dich an ein aktuelles Drehbuch der Serie oder an das Format, das der Empfänger verlangt, nicht an eine allgemeine Zahl.

Setz den Ton über die Szene, zu der er gehört

Gängige Wahl

Ein Pre-Lap steht am Ende der ausgehenden Szene, unmittelbar vor der Überschrift der Szene, deren Ton er ist. Die Kennzeichnung sagt den Lesenden, dass sie ihn früher hören; die folgende Überschrift sagt ihnen, woher er kommt.

Dialog-Pre-Lap

Gängige Wahl

Setz PRE-LAP in Klammern hinter den Figurennamen, so wie V.O. oder O.S., damit sich die Zeile als Dialog liest, der vor seinem Bild ankommt.

Pre-Lap mit Geräusch oder Musik

Kontextabhängig

Schreib eine Handlungszeile wie PRE-LAP: A guitar chord is struck. Final Drafts eigene Anleitung setzt sie kursiv; die Kennzeichnung trägt die Bedeutung aber auch allein, falls die Kursivierung bei einem späteren Export verloren geht.

Der Schnitt bestimmt die Überlappung

Produktionsspezifisch

Wie früh der Ton tatsächlich einsetzt, wird im Schneideraum entschieden. Das Drehbuch hält die Absicht fest; es legt die Überlappung nicht in Sekunden oder Frames fest.

Einreichungs- oder Lesefassung

Ein Pre-Lap kann einen Übergang in einem Spec Script schärfen, bleibt aber ein Kunstgriff. Setz ihn dort ein, wo die Überlappung Bedeutung trägt – eine Antwort, die eintrifft, bevor die Szene der Frage endet –, statt ihn zum Hausstil für jeden Schnitt zu machen.

Produktionsfassung

In der Produktion wird der Pre-Lap zu einem Hinweis für Schnitt und Ton. Halte die Zeile und ihre Platzierung in überarbeiteten Seiten stabil, damit Schnitt und Drehbuch weiterhin übereinstimmen, zu welcher Szene der Ton gehört.

Wohin gehört ein Pre-Lap – vor oder hinter die neue Szenenüberschrift?

Davor. Die vorgezogene Zeile oder das Geräusch steht am Ende der ausgehenden Szene, direkt über der Überschrift der Szene, aus der es stammt. So hören die Lesenden es früher und sehen dann, wohin es gehört.

Ist ein Pre-Lap dasselbe wie V.O.?

Nein. V.O. kennzeichnet eine Stimme von außerhalb der gezeigten Szene, etwa eine Erzählstimme. Ein Pre-Lap ist gewöhnlicher Dialog oder Ton aus der nächsten Szene, den wir einen Moment hören, bevor wir zu ihr schneiden.

Kann ein Pre-Lap Musik oder ein Geräusch sein?

Ja. Schreib ihn als eine Handlungszeile wie PRE-LAP: A guitar chord is struck, direkt über der Szene, zu der der Ton gehört.

Lass Gesang anders aussehen als Sprache

Gängige Wahl

Die Lesenden sollten wissen, dass eine Zeile gesungen wird, bevor sie sie lesen. Kursivschrift oder Großbuchstaben, jede gesungene Zeile in einer eigenen Zeile, leisten beide das; die Wahl ist weniger wichtig, als bei jedem Lied im Drehbuch dieselbe Konvention zu behalten.

Kursive Songtexte

Gängige Wahl

Kursivschrift unter dem Figurennamen hält die Seite ruhig und liest sich klar als Gesang. Produzierte Musical-Drehbücher haben diese Form verwendet.

Songtexte in Großbuchstaben

Gängige Wahl

Großbuchstaben, eine gesungene Zeile pro Zeile, sind die andere altbewährte Konvention. Sie fallen auf einer vollen Seite stärker auf und überstehen jede Schriftart.

Auf das Lied verweisen, statt es abzudrucken

Kontextabhängig

Gibt es die Musik schon oder läuft sie unter einer Szene, nenn das Lied oder beschreib es in der Handlung. Manche Musicals, die zusammen mit aufgenommenen Demos entstehen, verweisen auf Tracks, statt jeden Text abzudrucken.

Einreichungs- oder Lesefassung

Außerhalb eines Musicals halte Lieder auf der Seite kurz. Die Lesenden brauchen die dramatische Aufgabe des Lieds, nicht jede Strophe, und eine Beschreibung in einer Zeile dient einem Spec Script oft besser als abgedruckter Text.

Produktionsfassung

Jedes bestehende Lied, das eine Produktion nutzt, muss lizenziert werden; das ist Aufgabe der Produktion, nicht der Fassung. Originaltexte werden oft mit dem Musikteam abgestimmt, also überarbeite sie wie jeden anderen Dialog über den normalen Revisionsablauf des Drehbuchs.

Sollten Songtexte kursiv oder in Großbuchstaben stehen?

Beides ist üblich. Kursivschrift wirkt ruhiger; Großbuchstaben fallen auf einer vollen Seite stärker auf. Entscheide dich für eins und nutze es bei jedem Lied im Drehbuch, denn erst die Einheitlichkeit zeigt den Lesenden, dass eine Zeile gesungen wird.

Schreibe ich den vollständigen Text eines bestehenden Lieds aus?

Meist nicht. Nenn das Lied und beschreib, was es in der Szene bewirkt. Ein bestehendes Lied abzudrucken bringt Seiten, aber keine Geschichte, und jedes Lied, das eine Produktion nutzt, muss ohnehin lizenziert werden.

Wie schreibe ich ein Lied, das im Hintergrund läuft?

In der Handlung. Beschreib, was läuft und wann es wichtig wird – eine Jukebox beginnt eine alte Ballade –, und zitiere eine Textzeile nur, wenn die Worte selbst einen Story-Beat setzen.

Die Grenzen markieren, dann normal schreiben

Gängige Wahl

Im Traum funktionieren Szenenüberschriften, Handlung und Dialog genau wie überall sonst. Als Traum liest er sich durch eine klare Markierung an beiden Enden und eine träumende Figur, die die Lesenden benennen können.

Eigenständige Markierungen

Gängige Wahl

DREAM SEQUENCE und END DREAM SEQUENCE als eigene Handlungszeilen klammern einen Traum ein, der sich über mehrere Szenen erstreckt.

Markierung in der Szenenüberschrift

Kontextabhängig

Die Markierung in der Überschrift – EXT. HARBOR PIER - DREAM SEQUENCE - DAY – passt zu einem Traum, der eine Szene lang dauert. Das Ende muss trotzdem markiert werden.

Durchgehend kursiv

Kontextabhängig

Manche setzen den ganzen Traum zusätzlich zu den Markierungen kursiv. Auf der Seite hilft das, aber Kursivschrift kann bei einem Formatwechsel der Datei verloren gehen, deshalb sollte sie nie das einzige Signal sein.

Einreichungs- oder Lesefassung

Halte Träume kurz, außer sie tragen die Geschichte. Lesende sind misstrauisch gegenüber Träumen, die nur einen billigen Schreck liefern oder ein Thema aussprechen; klare Markierungen sorgen dafür, dass die Szene danach beurteilt wird, was sie leistet, und nicht danach, ob sie verwirrt hat.

Produktionsfassung

Ein Traum ist trotzdem eine gedrehte Szene mit eigenem Ort, eigener Besetzung und eigener Tageszeit. Vollständige Szenenüberschriften darin erlauben es Auszug und Drehplan, ihn wie jede andere Szene zu behandeln.

Gehört DREAM SEQUENCE in die Szenenüberschrift oder in eine eigene Zeile?

Beides geht. Eine eigene Handlungszeile klammert einen Traum ein, der sich über mehrere Szenen erstreckt; DREAM SEQUENCE in der Überschrift passt zu einem Traum aus einer Szene. Wofür du dich auch entscheidest: Markiere, wo der Traum endet.

Wie zeige ich, dass eine Figur aufwacht?

Kehr mit einer Szenenüberschrift an den wirklichen Ort der träumenden Figur zurück und zeig das Aufwachen in der Handlung – ein Zusammenzucken, ein Luftschnappen, ein Wecker. END DREAM SEQUENCE vor dieser Überschrift macht die Grenze unmissverständlich.

Wie unterscheidet sich ein Traum auf der Seite von einer Rückblende?

Eine Rückblende zeigt etwas, das geschehen ist; ein Traum zeigt etwas Vorgestelltes. Die Markierungen funktionieren gleich, aber wenn du das Mittel richtig benennst, wissen die Lesenden, wie sie die Szene lesen sollen.

Großbuchstaben sind Betonung, also dosier sie

Gängige Wahl

Final Drafts Anleitung nennt wichtige Geräusche, Requisiten und Handlungen als geeignet für Großbuchstaben und warnt, dass zu viele davon das Lesen verlangsamen und die Betonung verwässern. Wer nur die Großbuchstaben einer Seite überfliegt, sollte ihre wichtigsten Geräusche und Gegenstände mitbekommen.

Wichtige Geräusche

Gängige Wahl

Schreib das Geräuschwort selbst groß – SLAMS, RATTLES –, wenn das Publikum es wahrnehmen muss: als Hinweis, als Bedrohung oder als Auslöser für das, was als Nächstes passiert.

Figuren einführen

Weithin erwartet

Der Name einer sprechenden Figur in Großbuchstaben beim ersten Auftritt ist eine der beständigsten Konventionen im Spielfilmdrehbuch. Danach steht der Name in der Handlung wieder in normaler Schreibung.

Mehr oder weniger, je nach Autorin oder Autor

Praxis im Wandel

Manche setzen Großbuchstaben großzügiger ein, um das Tempo einer actionreichen Szene anzutreiben, andere verzichten bei Geräuschen ganz darauf. Beides ist gängige Praxis; wichtig ist, dass die Wahl bewusst wirkt.

Einreichungs- oder Lesefassung

In einem Spec Script sollen Großbuchstaben das Lesen schneller machen, nicht lauter. Schreib die wenigen Geräusche und Gegenstände groß, die eine Szene wenden, und lass den Rest der Handlung für sich selbst sprechen.

Produktionsfassung

Großgeschriebene Geräusche und Requisiten können den Abteilungen helfen, zu finden, was eine Szene braucht, aber was erfasst wird, entscheidet der eigene Auszug der Produktion. Halte die Betonung einheitlich, sobald Seiten im Umlauf sind, damit überarbeitete Seiten zu den bereits genutzten passen.

Müssen Geräusche im Drehbuch großgeschrieben werden?

Nein. Ein wichtiges Geräusch großzuschreiben ist eine verbreitete Konvention zur Betonung, keine Formatregel. Nutz sie für die wenigen Geräusche, die das Publikum wahrnehmen muss, und lass gewöhnliche Geräusche in normaler Schreibung.

Warum wird der Name einer Figur bei ihrem ersten Auftritt großgeschrieben?

So wird eine neue sprechende Figur für die Lesenden und für das Casting markiert. Nach dieser ersten Einführung steht der Name in der Handlung wieder in normaler Schreibung; der Figurenname über dem Dialog steht immer in Großbuchstaben.

Sollten Requisiten großgeschrieben werden?

Nur wenn eine Requisite für die Geschichte zählt – die Waffe, der Brief, der Schlüssel. Drehfassungen schreiben für die Requisitenabteilung manchmal mehr groß, aber ein Spec Script liest sich besser, wenn Großbuchstaben dem vorbehalten sind, was eine Szene wendet.

Was bedeutet SFX im Drehbuch?

Meist Soundeffekte. In einem Filmteam heißt es dagegen oft Special Effects: praktische Effekte am Set wie Regen, Feuer oder Splitterglas, im Gegensatz zu visuellen Effekten, die später hinzukommen. Hörspiel- und Radioskripte beginnen eine Zeile mit SFX und Doppelpunkt, ein Drehbuch nicht. Schreib das Geräusch in die Handlung und setz es nur in Großbuchstaben, wenn es ankommen muss.