絵コンテ

実践では

絵コンテ（ストーリーボード）とは、映画のショットが撮影前にどう見えるかを示す一連の絵のことで、たいていは漫画のようにコマ割りされています。各コマは一つのショット、またはその中の重要な瞬間を表し、カメラの動き、動作、台詞についてのメモが添えられます。監督、撮影監督、スタッフはこれを使ってシーンを一緒に計画します。

絵コンテ作りはプリプロダクションの仕事です。まず脚本が書かれ、次に監督が絵コンテ作家とともにそのシーンを絵に変え、アングル、フレーミング、ショットの順番を決めます。脚本家が描くよう求められることはまれですが、明確で視覚的なト書きのある脚本は、はるかに絵コンテにしやすくなります。

すべてのシーンに絵コンテが描かれるわけではありません。制作では、計画によって最も時間やお金を節約できるシーンを描くのが一般的です。スタント、視覚効果、アクションシーン、複雑なカメラワーク、そしてセカンドユニットが撮るものです。一部屋だけの会話シーンは、ショットリストと当日の監督の判断に任されることがよくあります。

何が大事かを絵コンテ作家に伝える脚本の一場面

段落の一つひとつが一枚の絵です。入ってくる瞬間、閉まる扉、ゲートを跳ぶ動き、滑り込み、指を挟む扉。脚本家がショットを一つも指定しなくても、絵コンテ作家はこの場面をコマとして読むことができ、監督はアングルを自由に選べます。

絵コンテとは

メリアム＝ウェブスターは、ストーリーボードを、フィルムやビデオで撮影される作品の場面の流れと、動作や筋の主な変化を描き出すラフスケッチのコマ、またはその連なりと定義しています。各コマはたいてい、カメラが捉えるとおりのフレームを示し、動きを表す矢印や、動作・音・台詞を記した短い説明が添えられます。

絵コンテには、監督が脚本のページに走り書きするラフなサムネイルから、プロの作家による仕上がった絵までさまざまなものがあります。絵コンテ用ソフトでデジタルに作る制作もあり、今では多くがアニマティクスにします。コマを時間配分、仮の音、ときには簡単な動きとともに順番に編集したもので、撮影前にシーンを見ることができます。

絵コンテは計画のための道具であって、完成したデザインではありません。ロケ地や俳優、光がもっと良いものを示せば、ショットは現場で変わりますし、完成した映画が絵コンテとぴったり一致することはまれです。その価値は、シーンがどう見えるべきか、そしてなぜそうなのかを、全員が分かったうえで現場に来られることにあります。

絵コンテの短い歴史

スタジオの手法としての絵コンテは、一般に1930年代初めのウォルト・ディズニー・スタジオに始まるとされます。ストーリー担当のアーティストたちが短編アニメーションを計画するために、スケッチをボードにピンで留めていました。ディズニーのストーリーマン、ウェブ・スミスが一連の絵を最初に壁に貼った人物としてよく名前を挙げられ、この方法はその後の十年でアニメーションから実写映画へと広がりました。

アルフレッド・ヒッチコックは、撮影前に映画を細部まで計画することで有名でした。彼の作品の多くでタイトルシークエンスを手がけたグラフィックデザイナーのソール・バスは、『サイコ』（1960年）のシャワーシーンの絵コンテを描きました。数十もの短いショットで組み立てられたこの場面は、映画史上最もよく研究される短いシークエンスの一つです。

後の監督たちは絵コンテを自分の作風の一部にしました。美術の教育を受けたリドリー・スコットは自ら絵コンテを描き、それは「リドリーグラム」と呼ばれています。スティーヴン・スピルバーグは『ジョーズ』や『レイダース／失われたアーク《聖櫃》』で大量の絵コンテを使い、視覚効果中心の大作は今では主要撮影のずっと前から主要なシークエンスを詳細に絵コンテ化し、プレビズ化し、アニメーションにしています。

絵コンテ、ショットリスト、脚本の違い

脚本は何が起きて何が語られるかを描きます。絵コンテはそれが画面でどう見えるかを示します。ショットリストは、予定しているすべてのショットを番号、サイズ、アングル、動き、レンズとともに書き出した表で、撮影日のスケジュールを組み、カット割りを管理するために使います。多くの制作では三つすべてを使い、ショットリストだけで計画するシーンもあります。

絵コンテとショットリストは、異なる問いに答えます。絵コンテは、観客が各フレームで何をどの順番で見るかに答えます。ショットリストは、スタッフが何を準備する必要があり、どれだけ時間がかかるかに答えます。視覚的に考える監督は、まず絵コンテを描き、そのコマからショットリストを作ることがよくあります。

絵コンテは、コンセプトアートやプレビジュアライゼーションとも違います。コンセプトアートは一枚絵で世界や人物の見た目を探るもので、プレビズはシークエンスの粗い3Dアニメーションで、複雑な視覚効果の作業によく使われます。絵コンテはその中間にあり、描き直せるほど手早く、それをもとに撮影できるほど具体的です。

絵コンテを描くのは誰か

ほとんどのプロの制作では、絵コンテ作家が監督の指示のもとでコマを描きます。脚本を読み、監督と各シーンを話し合い、ショットをスケッチし、計画が変われば描き直します。撮影監督、美術監督、助監督もよく目を通します。

自分で描く監督もいて、素朴な棒人間から見事なイラストまでさまざまです。何本もの映画で同じ作家と組む監督もいます。アニメーションでは、ストーリーアーティストが脚本づくりそのものの中心にいます。物語は絵コンテの上で練られ、脚本と絵コンテが一緒に改訂されることがよくあります。

実写の脚本で脚本家が絵コンテを描くことを期待されることはまれで、スペック脚本に絵を入れるべきではありません。監督も兼ねる脚本家や短編映画を作る脚本家なら、重要なシーンを絵コンテにして、ページが視覚的に機能するかを試すことができます。そうすると、分かりにくい位置関係や、もっと明確な映像が必要な瞬間が見えてくることがあります。

絵コンテにしやすいシーンの書き方

一つのイメージに一つの段落を与えましょう。絵コンテ作家はシーンを絵に分解します。それぞれが一枚の絵を描写する短いト書きの段落があれば、その分解ははっきりします。上の抜粋では、どの段落も一つのコマであり、段落の順番がそのままショットの順番です。

位置関係をはっきりさせましょう。読み手も作家も、人や物が互いにどこにあるかを知る必要があります。ロビーの向こうのエレベーター、ジンと扉のあいだにある警備ゲートといったことです。シーンの冒頭で配置を一文示しておけば、とくにアクションシーンで、あとの混乱を防げます。

レンズではなく瞬間を描写しましょう。観客が何を見て何を感じるべきかを伝えるのが脚本家の仕事で、それをどう見せるかを決めるのが監督と作家の仕事です。明確な動詞、具体的な物、はっきりしたスケール感があれば、彼らはページと格闘せずに力強い選択ができます。