Cinematografía

En la práctica

La cinematografía, o dirección de fotografía, es el arte de crear las imágenes de una película: elegir la cámara, el objetivo, el encuadre, el movimiento, la luz y el color que convierten las escenas de un guion en imágenes. La persona responsable es el director o directora de fotografía, a menudo llamado DP, que decide junto al director cómo se verá cada plano.

Los guionistas no escriben la fotografía, pero escriben para ella. Las imágenes que el lector ve en la página, una figura ante un cielo inmenso, un rostro iluminado por un móvil, una habitación que se oscurece a medida que avanza la escena, son la materia prima que busca un director de fotografía. Unas acotaciones claras y visuales le dan algo sobre lo que construir; una página llena de indicaciones de cámara sobre todo le da algo que ignorar.

Aun así, conocer el vocabulario ayuda. Entender lo que un plano general, un primer plano, un plano secuencia o la luz natural provocan en el público permite al guionista poner el momento justo delante de la cámara, y facilita las conversaciones con el director o el DP cuando el guion entra en producción.

Escribir una imagen sin dirigir la cámara

La página le da a la fotografía lo que importa: lo pequeña que es Mae frente a la tierra, la luz que muere mientras llega la tormenta y dos indicaciones de plano solo donde la imagen depende de ellas. El objetivo, la exposición, si la cámara se mueve y cómo se ilumina el atardecer quedan en manos del DP, que es donde deben estar.

Qué es la cinematografía

Merriam-Webster define cinematography como el arte o la ciencia de la fotografía cinematográfica. En la práctica abarca toda decisión visual sobre cómo se captura un plano: la cámara y el formato, el objetivo y su distancia focal, la composición y el encuadre, el movimiento de cámara, la iluminación de la escena y el color y el contraste de la imagen final.

El director de fotografía dirige los departamentos de cámara, maquinistas y eléctricos. En un largometraje, el DP planifica el estilo visual con el director en la preproducción, elige el equipo, diseña la iluminación con el jefe de eléctricos y, en el rodaje, decide exactamente dónde va la cámara y cómo se ilumina cada emplazamiento. Normalmente también supervisa el etalonaje final.

El oficio tiene un hogar profesional en la American Society of Cinematographers, fundada en Hollywood en 1919, cuyos miembros añaden las siglas ASC a su nombre en los créditos. Existen sociedades parecidas en otros países, como la BSC en el Reino Unido o la AEC en España, y sus siglas señalan a un director de fotografía cuyo trabajo han reconocido sus colegas.

Las herramientas de la cinematografía

El encuadre decide qué ve el público y a qué distancia. Un plano general sitúa a un personaje en su mundo, un plano medio muestra el lenguaje corporal y un primer plano pone un rostro, una mano o un objeto clave en el centro de la atención. La elección del objetivo también cambia la sensación del cuadro: un gran angular exagera el espacio y un teleobjetivo lo comprime.

El movimiento es una decisión tanto como el encuadre. Una cámara fija resulta observadora; un travelling lento hacia delante concentra la atención; una cámara en mano transmite urgencia e inestabilidad; un plano largo que sigue a un personaje por varias habitaciones puede hacer sentir al público que vive la escena en tiempo real. Cada opción le dice al público qué sentir ante lo que ve.

La luz y el color transmiten el tono de forma más directa que casi cualquier otra cosa. La luz dura crea sombras profundas y dramatismo, la luz suave favorece y calma, y la temperatura de color de una escena, cálida de tungsteno o fría de día, moldea cómo se siente. La profundidad de campo, cuánto del cuadro está enfocado, decide adónde va la mirada.

Ejemplos célebres de cinematografía

El trabajo de Gregg Toland en Ciudadano Kane (1941) es el caso clásico de manual. Su fotografía de foco profundo mantenía nítidos a la vez el primer término y el fondo, de modo que un solo cuadro podía escenificar todo un conflicto dramático, como el pequeño Kane jugando en la nieve, visto a través de una ventana, mientras los adultos deciden dentro su futuro.

Emmanuel Lubezki ganó tres premios Óscar consecutivos por Gravity, Birdman y El renacido, conocidos por sus planos largos y fluidos y su luz natural; El renacido se rodó en gran parte con luz disponible. Roger Deakins, tras muchas nominaciones, ganó por Blade Runner 2049 y por 1917, esta última concebida para parecer un único plano continuo.

La fotografía puede ser igual de memorable a pequeña escala. Las imágenes suaves y subexpuestas de Bradford Young en La llegada y el color saturado de James Laxton en Moonlight muestran cómo un estilo visual puede transmitir personaje y emoción, y cómo un presupuesto modesto puede producir una voz visual propia.

Cómo se relaciona la cinematografía con el guion

El guion es el punto de partida del director de fotografía. Antes de cualquier prueba de cámara o plan de luces, el DP lee el guion en busca de sus imágenes: momento del día, clima, fuentes de luz, contrastes e imágenes recurrentes. Un guion que describe una escena por lo que se ve le da un encargo claro; uno que solo cuenta sentimientos y antecedentes le da muy poco.

En un guion spec, lo mejor es reservar las indicaciones de cámara para los momentos en que la imagen es la historia: un inserto de la carta, un punto de vista a través de la cerradura, un plano general que revela lo solo que está un personaje. La mayoría de los lectores encuentran más difícil una página atestada de planos, y la mayoría de los directores y DP planificarán su propia cobertura de todos modos.

Cuando un guion entra en producción, el guion técnico, la lista de planos y el storyboard lo traducen al lenguaje del director de fotografía. La lista de planos divide cada escena en emplazamientos; el storyboard dibuja los importantes. Los guionistas que saben cómo funciona esa traducción pueden escribir páginas que la resistan.

Cómo escribir para la cámara

Escribe lo que se puede ver y oír. En lugar de decir que un personaje se siente solo, muestra las sillas vacías alrededor de la mesa o la única ventana iluminada en un edificio a oscuras. Las imágenes concretas en las acotaciones son lo más útil que un guionista puede entregar a un director de fotografía, y además se leen bien en la página.

Usa la luz y el tiempo a propósito. Elegir DÍA o NOCHE en el encabezado de escena ya es una decisión fotográfica, igual que situar una confesión al amanecer o una ruptura en un coche bajo las farolas. Cuando la luz importa para el drama, descríbela brevemente en la acción, como en el fragmento de arriba.

Sugiere el encuadre con la frase y no con la indicación de plano. Un párrafo nuevo para cada imagen, una línea breve que aísla un detalle o una acotación que pasa de una vista amplia a un objeto pequeño pueden insinuar el encuadre sin decirle al director dónde poner la cámara.